Antonio Fian + Kollegium Kalksburg

Eine Kooperation des klagenfurter ensemble und Robert-Musil-Institut / Kärntner Literaturarchiv

Vorstellungen: 08.05.2026 / 20:30 Uhr
Spielort:theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at
Kartenpreise: 25 Euro (regulär) / 20 Euro (ermäßigt)

(c) Pospichal

dramolett trifft wienerlied

antonio fian & kollegium kalksburg 

Der Meister des Minidramas und die drei Weltweisen des Wienerlieds:  Stets garantieren ihre gemeinsamen Auftritte ebenso hochkomische wie tiefschürfende Einblicke in Wesen, Wahn und Wirklichkeit des Österreichischen.

Meister Fian wird seinen VIII. Dramolettenband In aller Offenheit mitbringen,

das Kollegium wird – wie immer! – gar nichts bringen und alles austrinken.

Das macht aber nichts, es hat trotzdem alles oft auch einen tieferen Sinn.

Lesung des Dramoletts aus eigener Produktion: ANTONIO FIAN
Akkordeon, Singende Säge, Gesang: HEINZ DITSCH
Kontragitarre, Perkussion, Gesang: PAUL SKREPEK
Gesang, Baritonhorn, Kamm: W. V. WIZLSPERGER

kollegiumkalksburg.at

Jugenddrama nach den Berichten von Christiane F., in einer Bearbeitung von Angie Mautz

Foto Günter Jagoutz

Mit „Wir Kinder vom Bahnhof Zoo“ bringt das Junge Theater Klagenfurt eine eindringliche Geschichte über die Suche nach Zugehörigkeit und das Abrutschen in eine gefährliche Welt auf die Bühne. Ausgangspunkt der Inszenierung sind die Berichte der jugendlichen Drogensüchtigen Christiane F., die in den späten 1970er-Jahren aus Gesprächen mit dem Stern-Magazin hervorgingen. Im Mittelpunkt steht Christiane und eine Gruppe von Jugendlichen, die in Berlin ihren Platz im Leben suchen. Themen wie Gruppenzwang, Einsamkeit, Sucht und der Wunsch nach Halt machen die Geschichte bis heute erschütternd aktuell.

Termine

3., 5., 6., 10., 13., 18., 19. und 20. Juni 2026, 20 Uhr

Für Schulklassen bieten wir spezielle Vormittagsvorstellungen auf Anfrage an.

Für weitere Informationen und Buchungsanfragen schreiben Sie bitte an:
schule@jungestheaterklagenfurt.at

Spielort

klagenfurter ensemble, theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt

Kartenreservierung

0660 960 5 912 / jtk@jungestheaterklagenfurt.at (bzw. Kontaktformular)

Kartenpreise

25 Euro (regulär), 15 Euro (Studierende, Zivil/Präsenzdiener, Menschen mit Behinderung), 12 Euro (Schüler*innen bis 19 Jahre)

Künstlerisches Team

Regie, Bühnenfassung: Angie Mautz

Schauspiel: Julia Hammerl, Philipp Maximilian König, Marie Lisa Korb, Gabriela Zaucher

sowie

Alexander Dukhanov, Chiara Eß, Solea Gallob, Sebastian Gutschi, Irmgard Hecher, Joel Hedenik, Balvrae Jedlitschka, Melissa Jung, Jonathan Mautz, Lilith Mondschein, Liam-Eliah Schneider, Emilia Waczaunek, Sarah Welte, Engelbert Wuttej, Elias Martin Zois

Regieassistenz: Felix Nagelschmied

Organisationsassistenz, Social Media: Alena Media

PR: Nathalie Berge

Produktionsleitung: Kerstin Haslauer

Fotos: Günter Jagoutz

Jugenddrama nach den Berichten von Christiane F., in einer Bearbeitung von Angie Mautz

Foto Günter Jagoutz

Mit „Wir Kinder vom Bahnhof Zoo“ bringt das Junge Theater Klagenfurt eine eindringliche Geschichte über die Suche nach Zugehörigkeit und das Abrutschen in eine gefährliche Welt auf die Bühne. Ausgangspunkt der Inszenierung sind die Berichte der jugendlichen Drogensüchtigen Christiane F., die in den späten 1970er-Jahren aus Gesprächen mit dem Stern-Magazin hervorgingen. Im Mittelpunkt steht Christiane und eine Gruppe von Jugendlichen, die in Berlin ihren Platz im Leben suchen. Themen wie Gruppenzwang, Einsamkeit, Sucht und der Wunsch nach Halt machen die Geschichte bis heute erschütternd aktuell.

Termine

3., 5., 6., 10., 13., 18., 19. und 20. Juni 2026, 20 Uhr

Für Schulklassen bieten wir spezielle Vormittagsvorstellungen auf Anfrage an.

Für weitere Informationen und Buchungsanfragen schreiben Sie bitte an:
schule@jungestheaterklagenfurt.at

Spielort

klagenfurter ensemble, theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt

Kartenreservierung

0660 960 5 912 / jtk@jungestheaterklagenfurt.at (bzw. Kontaktformular)

Kartenpreise

25 Euro (regulär), 15 Euro (Studierende, Zivil/Präsenzdiener, Menschen mit Behinderung), 12 Euro (Schüler*innen bis 19 Jahre)

Künstlerisches Team

Regie, Bühnenfassung: Angie Mautz

Schauspiel: Julia Hammerl, Philipp Maximilian König, Marie Lisa Korb, Gabriela Zaucher

sowie

Alexander Dukhanov, Chiara Eß, Solea Gallob, Sebastian Gutschi, Irmgard Hecher, Joel Hedenik, Balvrae Jedlitschka, Melissa Jung, Jonathan Mautz, Lilith Mondschein, Liam-Eliah Schneider, Emilia Waczaunek, Sarah Welte, Engelbert Wuttej, Elias Martin Zois

Regieassistenz: Felix Nagelschmied

Organisationsassistenz, Social Media: Alena Media

PR: Nathalie Berge

Produktionsleitung: Kerstin Haslauer

Fotos: Günter Jagoutz

Jugenddrama nach den Berichten von Christiane F., in einer Bearbeitung von Angie Mautz

Foto Günter Jagoutz

Mit „Wir Kinder vom Bahnhof Zoo“ bringt das Junge Theater Klagenfurt eine eindringliche Geschichte über die Suche nach Zugehörigkeit und das Abrutschen in eine gefährliche Welt auf die Bühne. Ausgangspunkt der Inszenierung sind die Berichte der jugendlichen Drogensüchtigen Christiane F., die in den späten 1970er-Jahren aus Gesprächen mit dem Stern-Magazin hervorgingen. Im Mittelpunkt steht Christiane und eine Gruppe von Jugendlichen, die in Berlin ihren Platz im Leben suchen. Themen wie Gruppenzwang, Einsamkeit, Sucht und der Wunsch nach Halt machen die Geschichte bis heute erschütternd aktuell.

Termine

3., 5., 6., 10., 13., 18., 19. und 20. Juni 2026, 20 Uhr

Für Schulklassen bieten wir spezielle Vormittagsvorstellungen auf Anfrage an.

Für weitere Informationen und Buchungsanfragen schreiben Sie bitte an:
schule@jungestheaterklagenfurt.at

Spielort

klagenfurter ensemble, theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt

Kartenreservierung

0660 960 5 912 / jtk@jungestheaterklagenfurt.at (bzw. Kontaktformular)

Kartenpreise

25 Euro (regulär), 15 Euro (Studierende, Zivil/Präsenzdiener, Menschen mit Behinderung), 12 Euro (Schüler*innen bis 19 Jahre)

Künstlerisches Team

Regie, Bühnenfassung: Angie Mautz

Schauspiel: Julia Hammerl, Philipp Maximilian König, Marie Lisa Korb, Gabriela Zaucher

sowie

Alexander Dukhanov, Chiara Eß, Solea Gallob, Sebastian Gutschi, Irmgard Hecher, Joel Hedenik, Balvrae Jedlitschka, Melissa Jung, Jonathan Mautz, Lilith Mondschein, Liam-Eliah Schneider, Emilia Waczaunek, Sarah Welte, Engelbert Wuttej, Elias Martin Zois

Regieassistenz: Felix Nagelschmied

Organisationsassistenz, Social Media: Alena Media

PR: Nathalie Berge

Produktionsleitung: Kerstin Haslauer

Fotos: Günter Jagoutz

Jugenddrama nach den Berichten von Christiane F., in einer Bearbeitung von Angie Mautz

Foto Günter Jagoutz

Mit „Wir Kinder vom Bahnhof Zoo“ bringt das Junge Theater Klagenfurt eine eindringliche Geschichte über die Suche nach Zugehörigkeit und das Abrutschen in eine gefährliche Welt auf die Bühne. Ausgangspunkt der Inszenierung sind die Berichte der jugendlichen Drogensüchtigen Christiane F., die in den späten 1970er-Jahren aus Gesprächen mit dem Stern-Magazin hervorgingen. Im Mittelpunkt steht Christiane und eine Gruppe von Jugendlichen, die in Berlin ihren Platz im Leben suchen. Themen wie Gruppenzwang, Einsamkeit, Sucht und der Wunsch nach Halt machen die Geschichte bis heute erschütternd aktuell.

Termine

3., 5., 6., 10., 13., 18., 19. und 20. Juni 2026, 20 Uhr

Für Schulklassen bieten wir spezielle Vormittagsvorstellungen auf Anfrage an.

Für weitere Informationen und Buchungsanfragen schreiben Sie bitte an:
schule@jungestheaterklagenfurt.at

Spielort

klagenfurter ensemble, theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt

Kartenreservierung

0660 960 5 912 / jtk@jungestheaterklagenfurt.at (bzw. Kontaktformular)

Kartenpreise

25 Euro (regulär), 15 Euro (Studierende, Zivil/Präsenzdiener, Menschen mit Behinderung), 12 Euro (Schüler*innen bis 19 Jahre)

Künstlerisches Team

Regie, Bühnenfassung: Angie Mautz

Schauspiel: Julia Hammerl, Philipp Maximilian König, Marie Lisa Korb, Gabriela Zaucher

sowie

Alexander Dukhanov, Chiara Eß, Solea Gallob, Sebastian Gutschi, Irmgard Hecher, Joel Hedenik, Balvrae Jedlitschka, Melissa Jung, Jonathan Mautz, Lilith Mondschein, Liam-Eliah Schneider, Emilia Waczaunek, Sarah Welte, Engelbert Wuttej, Elias Martin Zois

Regieassistenz: Felix Nagelschmied

Organisationsassistenz, Social Media: Alena Media

PR: Nathalie Berge

Produktionsleitung: Kerstin Haslauer

Fotos: Günter Jagoutz

Jugenddrama nach den Berichten von Christiane F., in einer Bearbeitung von Angie Mautz

Foto Günter Jagoutz

Mit „Wir Kinder vom Bahnhof Zoo“ bringt das Junge Theater Klagenfurt eine eindringliche Geschichte über die Suche nach Zugehörigkeit und das Abrutschen in eine gefährliche Welt auf die Bühne. Ausgangspunkt der Inszenierung sind die Berichte der jugendlichen Drogensüchtigen Christiane F., die in den späten 1970er-Jahren aus Gesprächen mit dem Stern-Magazin hervorgingen. Im Mittelpunkt steht Christiane und eine Gruppe von Jugendlichen, die in Berlin ihren Platz im Leben suchen. Themen wie Gruppenzwang, Einsamkeit, Sucht und der Wunsch nach Halt machen die Geschichte bis heute erschütternd aktuell.

Termine

3., 5., 6., 10., 13., 18., 19. und 20. Juni 2026, 20 Uhr

Für Schulklassen bieten wir spezielle Vormittagsvorstellungen auf Anfrage an.

Für weitere Informationen und Buchungsanfragen schreiben Sie bitte an:
schule@jungestheaterklagenfurt.at

Spielort

klagenfurter ensemble, theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt

Kartenreservierung

0660 960 5 912 / jtk@jungestheaterklagenfurt.at (bzw. Kontaktformular)

Kartenpreise

25 Euro (regulär), 15 Euro (Studierende, Zivil/Präsenzdiener, Menschen mit Behinderung), 12 Euro (Schüler*innen bis 19 Jahre)

Künstlerisches Team

Regie, Bühnenfassung: Angie Mautz

Schauspiel: Julia Hammerl, Philipp Maximilian König, Marie Lisa Korb, Gabriela Zaucher

sowie

Alexander Dukhanov, Chiara Eß, Solea Gallob, Sebastian Gutschi, Irmgard Hecher, Joel Hedenik, Balvrae Jedlitschka, Melissa Jung, Jonathan Mautz, Lilith Mondschein, Liam-Eliah Schneider, Emilia Waczaunek, Sarah Welte, Engelbert Wuttej, Elias Martin Zois

Regieassistenz: Felix Nagelschmied

Organisationsassistenz, Social Media: Alena Media

PR: Nathalie Berge

Produktionsleitung: Kerstin Haslauer

Fotos: Günter Jagoutz

Jugenddrama nach den Berichten von Christiane F., in einer Bearbeitung von Angie Mautz

Foto Günter Jagoutz

Mit „Wir Kinder vom Bahnhof Zoo“ bringt das Junge Theater Klagenfurt eine eindringliche Geschichte über die Suche nach Zugehörigkeit und das Abrutschen in eine gefährliche Welt auf die Bühne. Ausgangspunkt der Inszenierung sind die Berichte der jugendlichen Drogensüchtigen Christiane F., die in den späten 1970er-Jahren aus Gesprächen mit dem Stern-Magazin hervorgingen. Im Mittelpunkt steht Christiane und eine Gruppe von Jugendlichen, die in Berlin ihren Platz im Leben suchen. Themen wie Gruppenzwang, Einsamkeit, Sucht und der Wunsch nach Halt machen die Geschichte bis heute erschütternd aktuell.

Termine

3., 5., 6., 10., 13., 18., 19. und 20. Juni 2026, 20 Uhr

Für Schulklassen bieten wir spezielle Vormittagsvorstellungen auf Anfrage an.

Für weitere Informationen und Buchungsanfragen schreiben Sie bitte an:
schule@jungestheaterklagenfurt.at

Spielort

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Kartenreservierung

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Kartenpreise

25 Euro (regulär), 15 Euro (Studierende, Zivil/Präsenzdiener, Menschen mit Behinderung), 12 Euro (Schüler*innen bis 19 Jahre)

Künstlerisches Team

Regie, Bühnenfassung: Angie Mautz

Schauspiel: Julia Hammerl, Philipp Maximilian König, Marie Lisa Korb, Gabriela Zaucher

sowie

Alexander Dukhanov, Chiara Eß, Solea Gallob, Sebastian Gutschi, Irmgard Hecher, Joel Hedenik, Balvrae Jedlitschka, Melissa Jung, Jonathan Mautz, Lilith Mondschein, Liam-Eliah Schneider, Emilia Waczaunek, Sarah Welte, Engelbert Wuttej, Elias Martin Zois

Regieassistenz: Felix Nagelschmied

Organisationsassistenz, Social Media: Alena Media

PR: Nathalie Berge

Produktionsleitung: Kerstin Haslauer

Fotos: Günter Jagoutz

Jugenddrama nach den Berichten von Christiane F., in einer Bearbeitung von Angie Mautz

Foto Günter Jagoutz

Mit „Wir Kinder vom Bahnhof Zoo“ bringt das Junge Theater Klagenfurt eine eindringliche Geschichte über die Suche nach Zugehörigkeit und das Abrutschen in eine gefährliche Welt auf die Bühne. Ausgangspunkt der Inszenierung sind die Berichte der jugendlichen Drogensüchtigen Christiane F., die in den späten 1970er-Jahren aus Gesprächen mit dem Stern-Magazin hervorgingen. Im Mittelpunkt steht Christiane und eine Gruppe von Jugendlichen, die in Berlin ihren Platz im Leben suchen. Themen wie Gruppenzwang, Einsamkeit, Sucht und der Wunsch nach Halt machen die Geschichte bis heute erschütternd aktuell.

Termine

3., 5., 6., 10., 13., 18., 19. und 20. Juni 2026, 20 Uhr

Für Schulklassen bieten wir spezielle Vormittagsvorstellungen auf Anfrage an.

Für weitere Informationen und Buchungsanfragen schreiben Sie bitte an:
schule@jungestheaterklagenfurt.at

Spielort

klagenfurter ensemble, theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt

Kartenreservierung

0660 960 5 912 / jtk@jungestheaterklagenfurt.at (bzw. Kontaktformular)

Kartenpreise

25 Euro (regulär), 15 Euro (Studierende, Zivil/Präsenzdiener, Menschen mit Behinderung), 12 Euro (Schüler*innen bis 19 Jahre)

Künstlerisches Team

Regie, Bühnenfassung: Angie Mautz

Schauspiel: Julia Hammerl, Philipp Maximilian König, Marie Lisa Korb, Gabriela Zaucher

sowie

Alexander Dukhanov, Chiara Eß, Solea Gallob, Sebastian Gutschi, Irmgard Hecher, Joel Hedenik, Balvrae Jedlitschka, Melissa Jung, Jonathan Mautz, Lilith Mondschein, Liam-Eliah Schneider, Emilia Waczaunek, Sarah Welte, Engelbert Wuttej, Elias Martin Zois

Regieassistenz: Felix Nagelschmied

Organisationsassistenz, Social Media: Alena Media

PR: Nathalie Berge

Produktionsleitung: Kerstin Haslauer

Fotos: Günter Jagoutz

Jugenddrama nach den Berichten von Christiane F., in einer Bearbeitung von Angie Mautz

Foto Günter Jagoutz

Mit „Wir Kinder vom Bahnhof Zoo“ bringt das Junge Theater Klagenfurt eine eindringliche Geschichte über die Suche nach Zugehörigkeit und das Abrutschen in eine gefährliche Welt auf die Bühne. Ausgangspunkt der Inszenierung sind die Berichte der jugendlichen Drogensüchtigen Christiane F., die in den späten 1970er-Jahren aus Gesprächen mit dem Stern-Magazin hervorgingen. Im Mittelpunkt steht Christiane und eine Gruppe von Jugendlichen, die in Berlin ihren Platz im Leben suchen. Themen wie Gruppenzwang, Einsamkeit, Sucht und der Wunsch nach Halt machen die Geschichte bis heute erschütternd aktuell.

Termine

3., 5., 6., 10., 13., 18., 19. und 20. Juni 2026, 20 Uhr

Für Schulklassen bieten wir spezielle Vormittagsvorstellungen auf Anfrage an.

Für weitere Informationen und Buchungsanfragen schreiben Sie bitte an:
schule@jungestheaterklagenfurt.at

Spielort

klagenfurter ensemble, theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt

Kartenreservierung

0660 960 5 912 / jtk@jungestheaterklagenfurt.at (bzw. Kontaktformular)

Kartenpreise

25 Euro (regulär), 15 Euro (Studierende, Zivil/Präsenzdiener, Menschen mit Behinderung), 12 Euro (Schüler*innen bis 19 Jahre)

Künstlerisches Team

Regie, Bühnenfassung: Angie Mautz

Schauspiel: Julia Hammerl, Philipp Maximilian König, Marie Lisa Korb, Gabriela Zaucher

sowie

Alexander Dukhanov, Chiara Eß, Solea Gallob, Sebastian Gutschi, Irmgard Hecher, Joel Hedenik, Balvrae Jedlitschka, Melissa Jung, Jonathan Mautz, Lilith Mondschein, Liam-Eliah Schneider, Emilia Waczaunek, Sarah Welte, Engelbert Wuttej, Elias Martin Zois

Regieassistenz: Felix Nagelschmied

Organisationsassistenz, Social Media: Alena Media

PR: Nathalie Berge

Produktionsleitung: Kerstin Haslauer

Fotos: Günter Jagoutz

Eine interdisziplinäre Performance inspiriert von Ingeborg Bachmann

Spieltermine: 24.06.2026 20.00 Uhr / 25.06. 2026 11.00 Uhr & 20.00 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1/11, 9020 Klagenfurt

Eine Produktion von kollektiv kunststoff & freitanz
www.kollektivkunststoff.com / www.freitanz.art

Tickets unter: +43 463 310 300 oder ke@klagenfurterensemble.at
www.klagenfurterensemble.at
Ticketpreise: Regulär € 25.- / Ermäßigt € 20.- (keine weiteren ke Ermäßigungen)

Was bedeutet Heimat? Wo verläuft die Grenze zwischen dem Ich und der Gesellschaft? MeinAllesaufderWelt ist eine künstlerische Auseinandersetzung mit Fragen von Zugehörigkeit, Identität, Sprachlosigkeit und innerer Bewegung. Inspiriert von den Texten Ingeborg Bachmanns entfaltet sich auf der Bühne ein poetischer Raum zwischen Performance, Tanz, Schauspiel und Musik.

„Der wahre Schauplatz ist das Innen von Menschen“, schrieb Bachmann – und genau dorthin richtet sich der Blick dieser Performance. Persönliche Erfahrungen treffen auf literarische Fragmente, individuelle Biografien auf kollektive Zustände. In einem dichten Zusammenspiel der Ausdrucksformen entstehen Bilder von Sehnsucht, Widerstand, Verletzlichkeit und Hoffnung.

MeinAllesaufderWelt ist kein Porträt, sondern eine Weiterführung von Bachmanns Gedankenwelt. Die Performance verhandelt das Fragmentarische, das Unsagbare – nicht durch Erklärung, sondern durch künstlerischen Ausdruck. Tanz, Text und Musik begegnen sich auf Augenhöhe und schaffen eine bewegende Annäherung an das, was Menschen im Innersten beschäftigt.

Ein vielschichtiges, eindringliches Bühnenstück über Grenzen – und das, was sie in Bewegung setzt.

___

Künstlerische Leitung: Leonie Humitsch & Stefanie Sternig
Musik: Peter Plos & Andreas Grünauer
Performance: Raffaela Gras, Robin Lena Grechenig, Michael Groß, Leonie Humitsch, Kamel Jirjawi, Kamil Mrozdrowski, Bernhard Georg Rusch, Stefanie Sternig
Kostüm: Sophie Baumgartner
Bühnenbild: Jo Plos
Lichtdesign: Silvia Auer

___

Eine interdisziplinäre Performance inspiriert von Ingeborg Bachmann

Spieltermine: 24.06.2026 20.00 Uhr / 25.06. 2026 11.00 Uhr & 20.00 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1/11, 9020 Klagenfurt

Eine Produktion von kollektiv kunststoff & freitanz
www.kollektivkunststoff.com / www.freitanz.art

Tickets unter: +43 463 310 300 oder ke@klagenfurterensemble.at
www.klagenfurterensemble.at
Ticketpreise: Regulär € 25.- / Ermäßigt € 20.- (keine weiteren ke Ermäßigungen)

Was bedeutet Heimat? Wo verläuft die Grenze zwischen dem Ich und der Gesellschaft? MeinAllesaufderWelt ist eine künstlerische Auseinandersetzung mit Fragen von Zugehörigkeit, Identität, Sprachlosigkeit und innerer Bewegung. Inspiriert von den Texten Ingeborg Bachmanns entfaltet sich auf der Bühne ein poetischer Raum zwischen Performance, Tanz, Schauspiel und Musik.

„Der wahre Schauplatz ist das Innen von Menschen“, schrieb Bachmann – und genau dorthin richtet sich der Blick dieser Performance. Persönliche Erfahrungen treffen auf literarische Fragmente, individuelle Biografien auf kollektive Zustände. In einem dichten Zusammenspiel der Ausdrucksformen entstehen Bilder von Sehnsucht, Widerstand, Verletzlichkeit und Hoffnung.

MeinAllesaufderWelt ist kein Porträt, sondern eine Weiterführung von Bachmanns Gedankenwelt. Die Performance verhandelt das Fragmentarische, das Unsagbare – nicht durch Erklärung, sondern durch künstlerischen Ausdruck. Tanz, Text und Musik begegnen sich auf Augenhöhe und schaffen eine bewegende Annäherung an das, was Menschen im Innersten beschäftigt.

Ein vielschichtiges, eindringliches Bühnenstück über Grenzen – und das, was sie in Bewegung setzt.

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Künstlerische Leitung: Leonie Humitsch & Stefanie Sternig
Musik: Peter Plos & Andreas Grünauer
Performance: Raffaela Gras, Robin Lena Grechenig, Michael Groß, Leonie Humitsch, Kamel Jirjawi, Kamil Mrozdrowski, Bernhard Georg Rusch, Stefanie Sternig
Kostüm: Sophie Baumgartner
Bühnenbild: Jo Plos
Lichtdesign: Silvia Auer

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Eine interdisziplinäre Performance inspiriert von Ingeborg Bachmann

Spieltermine: 24.06.2026 20.00 Uhr / 25.06. 2026 11.00 Uhr & 20.00 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1/11, 9020 Klagenfurt

Eine Produktion von kollektiv kunststoff & freitanz
www.kollektivkunststoff.com / www.freitanz.art

Tickets unter: +43 463 310 300 oder ke@klagenfurterensemble.at
www.klagenfurterensemble.at
Ticketpreise: Regulär € 25.- / Ermäßigt € 20.- (keine weiteren ke Ermäßigungen)

Was bedeutet Heimat? Wo verläuft die Grenze zwischen dem Ich und der Gesellschaft? MeinAllesaufderWelt ist eine künstlerische Auseinandersetzung mit Fragen von Zugehörigkeit, Identität, Sprachlosigkeit und innerer Bewegung. Inspiriert von den Texten Ingeborg Bachmanns entfaltet sich auf der Bühne ein poetischer Raum zwischen Performance, Tanz, Schauspiel und Musik.

„Der wahre Schauplatz ist das Innen von Menschen“, schrieb Bachmann – und genau dorthin richtet sich der Blick dieser Performance. Persönliche Erfahrungen treffen auf literarische Fragmente, individuelle Biografien auf kollektive Zustände. In einem dichten Zusammenspiel der Ausdrucksformen entstehen Bilder von Sehnsucht, Widerstand, Verletzlichkeit und Hoffnung.

MeinAllesaufderWelt ist kein Porträt, sondern eine Weiterführung von Bachmanns Gedankenwelt. Die Performance verhandelt das Fragmentarische, das Unsagbare – nicht durch Erklärung, sondern durch künstlerischen Ausdruck. Tanz, Text und Musik begegnen sich auf Augenhöhe und schaffen eine bewegende Annäherung an das, was Menschen im Innersten beschäftigt.

Ein vielschichtiges, eindringliches Bühnenstück über Grenzen – und das, was sie in Bewegung setzt.

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Künstlerische Leitung: Leonie Humitsch & Stefanie Sternig
Musik: Peter Plos & Andreas Grünauer
Performance: Raffaela Gras, Robin Lena Grechenig, Michael Groß, Leonie Humitsch, Kamel Jirjawi, Kamil Mrozdrowski, Bernhard Georg Rusch, Stefanie Sternig
Kostüm: Sophie Baumgartner
Bühnenbild: Jo Plos
Lichtdesign: Silvia Auer

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Daniel Kehlmann:
Heilig Abend

Eine Produktion von theater:dieBoot
Es spielen: Iris Maria Stromberger, András Sosko
Regie: Bálint Walter

Termine: 4., 7., 8., 9., 10., 11., 14., 15. Juli 2026 um 20 Uhr
Ort: theaterHALLE11 / klagenfurter ensemble
Messeplatz 1/11., 9020 Klagenfurt
Karten: 25 € / 17 € ermäßigt (für Schüler_innen, Student_innen)
Kartentelefon: 0681 10140148
tdb@theaterdieboot.at
www.theaterdieboot.at

Es ist halb elf. 24. Dezember. Um Mitternacht soll eine Bombe explodieren. Die Behörden sind in Panik. Eine Frau namens Judith wird aus dem Taxi geholt und zur Polizeistation gebracht. Ermittler Thomas weiß offensichtlich alles über sie. Und er behauptet zu wissen, dass Judith dieses Bombenattentat geplant hat. Gemeinsam mit ihrem Ex-Mann Peter, über den er auch alles zu wissen scheint. Doch Judith ist Dozentin für Philosphie, keine übliche Verdächtige. Sie streitet alles ab. Und die Zeit läuft. 

Daniel Kehlmann verhandelt die wesentlichen Fragen der "Internet- Gesellschaft": Wollen wir Freiheit oder Sicherheit? Hat das Recht auf Privatsphäre ausgedient? Gilt bei begründetem Verdacht noch die Unschuldsvermutung? Und welche Mittel darf ein Staat gebrauchen, der angeblich nur seine Bürger:innen beschützt? 

Eine Produktion von theater:dieBoot
Es spielen: Iris Maria Stromberger, András Sosko
Regie: Bálint Walter
Assistenz: Alena Media
Licht: Claudia Lange

Daniel Kehlmann:
Heilig Abend

Eine Produktion von theater:dieBoot
Es spielen: Iris Maria Stromberger, András Sosko
Regie: Bálint Walter

Termine: 4., 7., 8., 9., 10., 11., 14., 15. Juli 2026 um 20 Uhr
Ort: theaterHALLE11 / klagenfurter ensemble
Messeplatz 1/11., 9020 Klagenfurt
Karten: 25 € / 17 € ermäßigt (für Schüler_innen, Student_innen)
Kartentelefon: 0681 10140148
tdb@theaterdieboot.at
www.theaterdieboot.at

Es ist halb elf. 24. Dezember. Um Mitternacht soll eine Bombe explodieren. Die Behörden sind in Panik. Eine Frau namens Judith wird aus dem Taxi geholt und zur Polizeistation gebracht. Ermittler Thomas weiß offensichtlich alles über sie. Und er behauptet zu wissen, dass Judith dieses Bombenattentat geplant hat. Gemeinsam mit ihrem Ex-Mann Peter, über den er auch alles zu wissen scheint. Doch Judith ist Dozentin für Philosphie, keine übliche Verdächtige. Sie streitet alles ab. Und die Zeit läuft. 

Daniel Kehlmann verhandelt die wesentlichen Fragen der "Internet- Gesellschaft": Wollen wir Freiheit oder Sicherheit? Hat das Recht auf Privatsphäre ausgedient? Gilt bei begründetem Verdacht noch die Unschuldsvermutung? Und welche Mittel darf ein Staat gebrauchen, der angeblich nur seine Bürger:innen beschützt? 

Eine Produktion von theater:dieBoot
Es spielen: Iris Maria Stromberger, András Sosko
Regie: Bálint Walter
Assistenz: Alena Media
Licht: Claudia Lange

Daniel Kehlmann:
Heilig Abend

Eine Produktion von theater:dieBoot
Es spielen: Iris Maria Stromberger, András Sosko
Regie: Bálint Walter

Termine: 4., 7., 8., 9., 10., 11., 14., 15. Juli 2026 um 20 Uhr
Ort: theaterHALLE11 / klagenfurter ensemble
Messeplatz 1/11., 9020 Klagenfurt
Karten: 25 € / 17 € ermäßigt (für Schüler_innen, Student_innen)
Kartentelefon: 0681 10140148
tdb@theaterdieboot.at
www.theaterdieboot.at

Es ist halb elf. 24. Dezember. Um Mitternacht soll eine Bombe explodieren. Die Behörden sind in Panik. Eine Frau namens Judith wird aus dem Taxi geholt und zur Polizeistation gebracht. Ermittler Thomas weiß offensichtlich alles über sie. Und er behauptet zu wissen, dass Judith dieses Bombenattentat geplant hat. Gemeinsam mit ihrem Ex-Mann Peter, über den er auch alles zu wissen scheint. Doch Judith ist Dozentin für Philosphie, keine übliche Verdächtige. Sie streitet alles ab. Und die Zeit läuft. 

Daniel Kehlmann verhandelt die wesentlichen Fragen der "Internet- Gesellschaft": Wollen wir Freiheit oder Sicherheit? Hat das Recht auf Privatsphäre ausgedient? Gilt bei begründetem Verdacht noch die Unschuldsvermutung? Und welche Mittel darf ein Staat gebrauchen, der angeblich nur seine Bürger:innen beschützt? 

Eine Produktion von theater:dieBoot
Es spielen: Iris Maria Stromberger, András Sosko
Regie: Bálint Walter
Assistenz: Alena Media
Licht: Claudia Lange

Daniel Kehlmann:
Heilig Abend

Eine Produktion von theater:dieBoot
Es spielen: Iris Maria Stromberger, András Sosko
Regie: Bálint Walter

Termine: 4., 7., 8., 9., 10., 11., 14., 15. Juli 2026 um 20 Uhr
Ort: theaterHALLE11 / klagenfurter ensemble
Messeplatz 1/11., 9020 Klagenfurt
Karten: 25 € / 17 € ermäßigt (für Schüler_innen, Student_innen)
Kartentelefon: 0681 10140148
tdb@theaterdieboot.at
www.theaterdieboot.at

Es ist halb elf. 24. Dezember. Um Mitternacht soll eine Bombe explodieren. Die Behörden sind in Panik. Eine Frau namens Judith wird aus dem Taxi geholt und zur Polizeistation gebracht. Ermittler Thomas weiß offensichtlich alles über sie. Und er behauptet zu wissen, dass Judith dieses Bombenattentat geplant hat. Gemeinsam mit ihrem Ex-Mann Peter, über den er auch alles zu wissen scheint. Doch Judith ist Dozentin für Philosphie, keine übliche Verdächtige. Sie streitet alles ab. Und die Zeit läuft. 

Daniel Kehlmann verhandelt die wesentlichen Fragen der "Internet- Gesellschaft": Wollen wir Freiheit oder Sicherheit? Hat das Recht auf Privatsphäre ausgedient? Gilt bei begründetem Verdacht noch die Unschuldsvermutung? Und welche Mittel darf ein Staat gebrauchen, der angeblich nur seine Bürger:innen beschützt? 

Eine Produktion von theater:dieBoot
Es spielen: Iris Maria Stromberger, András Sosko
Regie: Bálint Walter
Assistenz: Alena Media
Licht: Claudia Lange

Daniel Kehlmann:
Heilig Abend

Eine Produktion von theater:dieBoot
Es spielen: Iris Maria Stromberger, András Sosko
Regie: Bálint Walter

Termine: 4., 7., 8., 9., 10., 11., 14., 15. Juli 2026 um 20 Uhr
Ort: theaterHALLE11 / klagenfurter ensemble
Messeplatz 1/11., 9020 Klagenfurt
Karten: 25 € / 17 € ermäßigt (für Schüler_innen, Student_innen)
Kartentelefon: 0681 10140148
tdb@theaterdieboot.at
www.theaterdieboot.at

Es ist halb elf. 24. Dezember. Um Mitternacht soll eine Bombe explodieren. Die Behörden sind in Panik. Eine Frau namens Judith wird aus dem Taxi geholt und zur Polizeistation gebracht. Ermittler Thomas weiß offensichtlich alles über sie. Und er behauptet zu wissen, dass Judith dieses Bombenattentat geplant hat. Gemeinsam mit ihrem Ex-Mann Peter, über den er auch alles zu wissen scheint. Doch Judith ist Dozentin für Philosphie, keine übliche Verdächtige. Sie streitet alles ab. Und die Zeit läuft. 

Daniel Kehlmann verhandelt die wesentlichen Fragen der "Internet- Gesellschaft": Wollen wir Freiheit oder Sicherheit? Hat das Recht auf Privatsphäre ausgedient? Gilt bei begründetem Verdacht noch die Unschuldsvermutung? Und welche Mittel darf ein Staat gebrauchen, der angeblich nur seine Bürger:innen beschützt? 

Eine Produktion von theater:dieBoot
Es spielen: Iris Maria Stromberger, András Sosko
Regie: Bálint Walter
Assistenz: Alena Media
Licht: Claudia Lange

Daniel Kehlmann:
Heilig Abend

Eine Produktion von theater:dieBoot
Es spielen: Iris Maria Stromberger, András Sosko
Regie: Bálint Walter

Termine: 4., 7., 8., 9., 10., 11., 14., 15. Juli 2026 um 20 Uhr
Ort: theaterHALLE11 / klagenfurter ensemble
Messeplatz 1/11., 9020 Klagenfurt
Karten: 25 € / 17 € ermäßigt (für Schüler_innen, Student_innen)
Kartentelefon: 0681 10140148
tdb@theaterdieboot.at
www.theaterdieboot.at

Es ist halb elf. 24. Dezember. Um Mitternacht soll eine Bombe explodieren. Die Behörden sind in Panik. Eine Frau namens Judith wird aus dem Taxi geholt und zur Polizeistation gebracht. Ermittler Thomas weiß offensichtlich alles über sie. Und er behauptet zu wissen, dass Judith dieses Bombenattentat geplant hat. Gemeinsam mit ihrem Ex-Mann Peter, über den er auch alles zu wissen scheint. Doch Judith ist Dozentin für Philosphie, keine übliche Verdächtige. Sie streitet alles ab. Und die Zeit läuft. 

Daniel Kehlmann verhandelt die wesentlichen Fragen der "Internet- Gesellschaft": Wollen wir Freiheit oder Sicherheit? Hat das Recht auf Privatsphäre ausgedient? Gilt bei begründetem Verdacht noch die Unschuldsvermutung? Und welche Mittel darf ein Staat gebrauchen, der angeblich nur seine Bürger:innen beschützt? 

Eine Produktion von theater:dieBoot
Es spielen: Iris Maria Stromberger, András Sosko
Regie: Bálint Walter
Assistenz: Alena Media
Licht: Claudia Lange

Daniel Kehlmann:
Heilig Abend

Eine Produktion von theater:dieBoot
Es spielen: Iris Maria Stromberger, András Sosko
Regie: Bálint Walter

Termine: 4., 7., 8., 9., 10., 11., 14., 15. Juli 2026 um 20 Uhr
Ort: theaterHALLE11 / klagenfurter ensemble
Messeplatz 1/11., 9020 Klagenfurt
Karten: 25 € / 17 € ermäßigt (für Schüler_innen, Student_innen)
Kartentelefon: 0681 10140148
tdb@theaterdieboot.at
www.theaterdieboot.at

Es ist halb elf. 24. Dezember. Um Mitternacht soll eine Bombe explodieren. Die Behörden sind in Panik. Eine Frau namens Judith wird aus dem Taxi geholt und zur Polizeistation gebracht. Ermittler Thomas weiß offensichtlich alles über sie. Und er behauptet zu wissen, dass Judith dieses Bombenattentat geplant hat. Gemeinsam mit ihrem Ex-Mann Peter, über den er auch alles zu wissen scheint. Doch Judith ist Dozentin für Philosphie, keine übliche Verdächtige. Sie streitet alles ab. Und die Zeit läuft. 

Daniel Kehlmann verhandelt die wesentlichen Fragen der "Internet- Gesellschaft": Wollen wir Freiheit oder Sicherheit? Hat das Recht auf Privatsphäre ausgedient? Gilt bei begründetem Verdacht noch die Unschuldsvermutung? Und welche Mittel darf ein Staat gebrauchen, der angeblich nur seine Bürger:innen beschützt? 

Eine Produktion von theater:dieBoot
Es spielen: Iris Maria Stromberger, András Sosko
Regie: Bálint Walter
Assistenz: Alena Media
Licht: Claudia Lange

Daniel Kehlmann:
Heilig Abend

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Es spielen: Iris Maria Stromberger, András Sosko
Regie: Bálint Walter

Termine: 4., 7., 8., 9., 10., 11., 14., 15. Juli 2026 um 20 Uhr
Ort: theaterHALLE11 / klagenfurter ensemble
Messeplatz 1/11., 9020 Klagenfurt
Karten: 25 € / 17 € ermäßigt (für Schüler_innen, Student_innen)
Kartentelefon: 0681 10140148
tdb@theaterdieboot.at
www.theaterdieboot.at

Es ist halb elf. 24. Dezember. Um Mitternacht soll eine Bombe explodieren. Die Behörden sind in Panik. Eine Frau namens Judith wird aus dem Taxi geholt und zur Polizeistation gebracht. Ermittler Thomas weiß offensichtlich alles über sie. Und er behauptet zu wissen, dass Judith dieses Bombenattentat geplant hat. Gemeinsam mit ihrem Ex-Mann Peter, über den er auch alles zu wissen scheint. Doch Judith ist Dozentin für Philosphie, keine übliche Verdächtige. Sie streitet alles ab. Und die Zeit läuft. 

Daniel Kehlmann verhandelt die wesentlichen Fragen der "Internet- Gesellschaft": Wollen wir Freiheit oder Sicherheit? Hat das Recht auf Privatsphäre ausgedient? Gilt bei begründetem Verdacht noch die Unschuldsvermutung? Und welche Mittel darf ein Staat gebrauchen, der angeblich nur seine Bürger:innen beschützt? 

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Regie: Bálint Walter
Assistenz: Alena Media
Licht: Claudia Lange

Stück nach Motiven aus Bernardo Bertoluccis gleichnamigen Filmmeisterwerks

In einer Zeit des politischen Umbruchs kommt der junge amerikanische Student Matthew nach Europa um zu studieren. In der legendären Cinémathèque Française lernt er die Geschwister Isabelle und Theo kennen. Die drei verbindet sofort eine tiefe Leidenschaft für das Kino. Isa und Theo laden Matthew ein, bei ihnen zu wohnen – und in der abgeschlossenen Welt ihrer Wohnung entsteht eine intensive, experimentelle und zunehmend grenzenlose Beziehung zwischen den dreien, während die Welt draussen in Flammen steht.

Termine

8., 13., 14., 15., 19., 20., 21. und 22. August 2026, 20 Uhr

Spielort

klagenfurter ensemble, theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt

Kartenreservierung

0660 960 5 912 / jtk@jungestheaterklagenfurt.at (bzw. Kontaktformular)

Kartenpreise

25 Euro (regulär), 15 Euro (Studierende, Zivil/Präsenzdiener, Menschen mit Behinderung), 12 Euro (Schüler*innen bis 19 Jahre)

Künstlerisches Team  

Regie: Angie Mautz

Schauspiel: Nadine Zeintl, Jakob Benesch, Janoš Pušnik

Regieassistenz: Felix Nadelschmied

Assistenz: Joel Hedenik

Hospitanz: Elias Zainitzer

Social Media: Alena Media

PR: Nathalie Berge

Produktionsleitung: Alena Media, Kerstin Haslauer

Stück nach Motiven aus Bernardo Bertoluccis gleichnamigen Filmmeisterwerks

In einer Zeit des politischen Umbruchs kommt der junge amerikanische Student Matthew nach Europa um zu studieren. In der legendären Cinémathèque Française lernt er die Geschwister Isabelle und Theo kennen. Die drei verbindet sofort eine tiefe Leidenschaft für das Kino. Isa und Theo laden Matthew ein, bei ihnen zu wohnen – und in der abgeschlossenen Welt ihrer Wohnung entsteht eine intensive, experimentelle und zunehmend grenzenlose Beziehung zwischen den dreien, während die Welt draussen in Flammen steht.

Termine

8., 13., 14., 15., 19., 20., 21. und 22. August 2026, 20 Uhr

Spielort

klagenfurter ensemble, theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt

Kartenreservierung

0660 960 5 912 / jtk@jungestheaterklagenfurt.at (bzw. Kontaktformular)

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25 Euro (regulär), 15 Euro (Studierende, Zivil/Präsenzdiener, Menschen mit Behinderung), 12 Euro (Schüler*innen bis 19 Jahre)

Künstlerisches Team  

Regie: Angie Mautz

Schauspiel: Nadine Zeintl, Jakob Benesch, Janoš Pušnik

Regieassistenz: Felix Nadelschmied

Assistenz: Joel Hedenik

Hospitanz: Elias Zainitzer

Social Media: Alena Media

PR: Nathalie Berge

Produktionsleitung: Alena Media, Kerstin Haslauer

Stück nach Motiven aus Bernardo Bertoluccis gleichnamigen Filmmeisterwerks

In einer Zeit des politischen Umbruchs kommt der junge amerikanische Student Matthew nach Europa um zu studieren. In der legendären Cinémathèque Française lernt er die Geschwister Isabelle und Theo kennen. Die drei verbindet sofort eine tiefe Leidenschaft für das Kino. Isa und Theo laden Matthew ein, bei ihnen zu wohnen – und in der abgeschlossenen Welt ihrer Wohnung entsteht eine intensive, experimentelle und zunehmend grenzenlose Beziehung zwischen den dreien, während die Welt draussen in Flammen steht.

Termine

8., 13., 14., 15., 19., 20., 21. und 22. August 2026, 20 Uhr

Spielort

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Kartenreservierung

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Kartenpreise

25 Euro (regulär), 15 Euro (Studierende, Zivil/Präsenzdiener, Menschen mit Behinderung), 12 Euro (Schüler*innen bis 19 Jahre)

Künstlerisches Team  

Regie: Angie Mautz

Schauspiel: Nadine Zeintl, Jakob Benesch, Janoš Pušnik

Regieassistenz: Felix Nadelschmied

Assistenz: Joel Hedenik

Hospitanz: Elias Zainitzer

Social Media: Alena Media

PR: Nathalie Berge

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Stück nach Motiven aus Bernardo Bertoluccis gleichnamigen Filmmeisterwerks

In einer Zeit des politischen Umbruchs kommt der junge amerikanische Student Matthew nach Europa um zu studieren. In der legendären Cinémathèque Française lernt er die Geschwister Isabelle und Theo kennen. Die drei verbindet sofort eine tiefe Leidenschaft für das Kino. Isa und Theo laden Matthew ein, bei ihnen zu wohnen – und in der abgeschlossenen Welt ihrer Wohnung entsteht eine intensive, experimentelle und zunehmend grenzenlose Beziehung zwischen den dreien, während die Welt draussen in Flammen steht.

Termine

8., 13., 14., 15., 19., 20., 21. und 22. August 2026, 20 Uhr

Spielort

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Kartenreservierung

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Kartenpreise

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Künstlerisches Team  

Regie: Angie Mautz

Schauspiel: Nadine Zeintl, Jakob Benesch, Janoš Pušnik

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PR: Nathalie Berge

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Stück nach Motiven aus Bernardo Bertoluccis gleichnamigen Filmmeisterwerks

In einer Zeit des politischen Umbruchs kommt der junge amerikanische Student Matthew nach Europa um zu studieren. In der legendären Cinémathèque Française lernt er die Geschwister Isabelle und Theo kennen. Die drei verbindet sofort eine tiefe Leidenschaft für das Kino. Isa und Theo laden Matthew ein, bei ihnen zu wohnen – und in der abgeschlossenen Welt ihrer Wohnung entsteht eine intensive, experimentelle und zunehmend grenzenlose Beziehung zwischen den dreien, während die Welt draussen in Flammen steht.

Termine

8., 13., 14., 15., 19., 20., 21. und 22. August 2026, 20 Uhr

Spielort

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Künstlerisches Team  

Regie: Angie Mautz

Schauspiel: Nadine Zeintl, Jakob Benesch, Janoš Pušnik

Regieassistenz: Felix Nadelschmied

Assistenz: Joel Hedenik

Hospitanz: Elias Zainitzer

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PR: Nathalie Berge

Produktionsleitung: Alena Media, Kerstin Haslauer

Stück nach Motiven aus Bernardo Bertoluccis gleichnamigen Filmmeisterwerks

In einer Zeit des politischen Umbruchs kommt der junge amerikanische Student Matthew nach Europa um zu studieren. In der legendären Cinémathèque Française lernt er die Geschwister Isabelle und Theo kennen. Die drei verbindet sofort eine tiefe Leidenschaft für das Kino. Isa und Theo laden Matthew ein, bei ihnen zu wohnen – und in der abgeschlossenen Welt ihrer Wohnung entsteht eine intensive, experimentelle und zunehmend grenzenlose Beziehung zwischen den dreien, während die Welt draussen in Flammen steht.

Termine

8., 13., 14., 15., 19., 20., 21. und 22. August 2026, 20 Uhr

Spielort

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In einer Zeit des politischen Umbruchs kommt der junge amerikanische Student Matthew nach Europa um zu studieren. In der legendären Cinémathèque Française lernt er die Geschwister Isabelle und Theo kennen. Die drei verbindet sofort eine tiefe Leidenschaft für das Kino. Isa und Theo laden Matthew ein, bei ihnen zu wohnen – und in der abgeschlossenen Welt ihrer Wohnung entsteht eine intensive, experimentelle und zunehmend grenzenlose Beziehung zwischen den dreien, während die Welt draussen in Flammen steht.

Termine

8., 13., 14., 15., 19., 20., 21. und 22. August 2026, 20 Uhr

Spielort

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Regie: Angie Mautz

Schauspiel: Nadine Zeintl, Jakob Benesch, Janoš Pušnik

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Stück nach Motiven aus Bernardo Bertoluccis gleichnamigen Filmmeisterwerks

In einer Zeit des politischen Umbruchs kommt der junge amerikanische Student Matthew nach Europa um zu studieren. In der legendären Cinémathèque Française lernt er die Geschwister Isabelle und Theo kennen. Die drei verbindet sofort eine tiefe Leidenschaft für das Kino. Isa und Theo laden Matthew ein, bei ihnen zu wohnen – und in der abgeschlossenen Welt ihrer Wohnung entsteht eine intensive, experimentelle und zunehmend grenzenlose Beziehung zwischen den dreien, während die Welt draussen in Flammen steht.

Termine

8., 13., 14., 15., 19., 20., 21. und 22. August 2026, 20 Uhr

Spielort

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Kartenreservierung

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Kartenpreise

25 Euro (regulär), 15 Euro (Studierende, Zivil/Präsenzdiener, Menschen mit Behinderung), 12 Euro (Schüler*innen bis 19 Jahre)

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Regie: Angie Mautz

Schauspiel: Nadine Zeintl, Jakob Benesch, Janoš Pušnik

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Tangooper von Astor Piazzolla
Libretto: Horacio Ferrer

Regie: PETER WAGNER
Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit dem Jungen Theater Klagenfurt

Premiere: 30. September 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 2., 3., 7., 8., 9., 10., 21., 22., 23., 24. Oktober - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Astor Piazzola (um ca. 1950) - Fotograf*in unbekannt

„Der Tango ist ein trauriger Gedanke, den man tanzen kann“ – das hat der argentinische Komponist Enrique Santos Discépolo gesagt. Die Tango-Oper „María de Buenos Aires“ seines Landsmanns Astor Piazzolla ist voll von traurigen Gedanken. Sie erzählt die Geschichte von Leben und Tod Marías, die als Glückssucherin aus einem Vorort von Buenos Aires kommt, dort in einem Arbeiterviertel stirbt und zum Mythos wird. 

Tango – das klingt erst einmal nach Tanzkurs und Fernweh, nach ein bisschen verruchter Erotik und nach sehr beweglichen Beinen. Damit konnte Astor Piazzolla, der Komponist der von ihm so bezeichneten Operita, gar nichts anfangen. Im Gegenteil: Er hat die „María de Buenos Aires“ an seinen Ursprungsort zurückgebracht – in die Welt der Bettler, Zuhälter und Obdachlosen. Seltsame Gestalten bevölkern die Bühne – auffallend kostümierte Nachtschattengewächse mit Gesichtsmasken und exotischem Kopfputz (Kostüme und Masken: Markus Kuscher), (Traum)Tänzerinnen und (Traum)Tänzer, die aber mehr sind als das, nämlich auch Harlekine, Marionetten, Engel, Affen, der Tod.

Die surrealistische Poesie des uruguayischen Dichters Horacio Ferrer, den sich Piazzolla gewünscht hatte, hat schon das Publikum vor knapp sechs Jahrzehnten heillos überfordert. Und doch wird sie durch die Musik, ihre Melancholie und ihr überbordendes Temperament der Rezeption des Publikums verständlich in ihrer eigenen Art, Empfindungen auszulösen, Empathien zu befördern und die Verve der Musik mit ihren hochpoetischen Texten sozusagen durch den eigenen Körper fließen zu lassen. Selbstverständlich wird diesem Publikum auch eine Art Übersetzungshilfe durch in die Szenerie eingeblendete Inserts des Textes geliefert. Sie sind aber nicht unbedingt Vorbedingung für das Verständnis dieses Werk, wie dies bei anderen Opern durchaus der Fall ist.

Die Inszenierung stellt sich dem dunklen Glanz der Oper in vorherrschend sparsamer Ausleuchtung. Differenzierende Akzente in Spiel und musikalische Pointiertheit sind ihr Elixier, zumal ein Theaterhaus der lokalen wie finanziellen Größe des klagenfurter ensemble nicht mit Kohorten an Darsteller:innen, Tänzer:innen und Materialien klotzen kann. Dennoch wird man nichts an Opulenz, wie sie sich primär in der Musik, aber auch in der Bühnenchoreografie äußert, vermissen.

Zu den Mitteln der Inszenierung wäre grob zu sagen, dass sie sich – neben den live vorhandenen Protagonist:innen, also María, den Geist und einen Bariton in verschiedenen Rollen – zusätzlich voraufgezeichneter Videopassagen, eines Reigens von Fotoportraits aus den letzten Jahrzehnten der Darstellerin der María, Irene Coticchio, sowie der Bewegungs- und Tanzchoreografie eines nonverbalen, professionellen Tänzers bedient. Dazu stößt ein eigener Bühnenkörper, der aus vorwiegend jugendlichen, aber auch erwachsenen Darsteller:innen des Amateurtheaterbereichs besteht. Sie agieren vornehmlich hinter Masken als anonyme Zuträger für ein Spiel um Leidenschaft und Irritation, Hingabe und Widerstand, Trauer und doch auch unverhohlener Lebensfreude. 

Das musikalische Ensemble unter der Leitung von Davorin Mori, bestehend aus fünf Musikern (Arrangement: Ferry Janoska), erfüllt einerseits den Part der instrumental-musikalischen Umsetzung, ist aber in seinem sichtbaren Vorhandensein auf der Bühne auch gezielt Mitwirkender sowohl in der sprachlich-akustischen, als auch der optischen Aufbereitung der Erzählung von Horacio Ferrer und Astor Piazzolla. So übernimmt es beispielsweise auch den Part der chorischen Männerstimmen oder – wie im Fall des Bandoneons – auch direkt szenisch-darstellerische Funktionen. Die weiblichen Chorpassagen werden in Form von voraufgenommenen Einspielungen in das musikalische Gesamtgefüge integriert. 

Die Inszenierung von „María de Buenos Aires“ im klagenfurter ensemble 2026 versteht sich somit nicht nur als künstlerischer, sondern in gewisser Weise auch soziologischer, wenn nicht gar pädagogischer Akt: Junge Menschen werden in den aktiv von ihnen mitgestalteten Sog eines schillernden Beispiels des modernen Theater- und Opernrepertoires gezogen und bekommen dadurch die Möglichkeit, neben Bühnenerfahrung auch einen Ausblick auf ein mögliches Leben abseits von TikTok zu lukrieren.

Mit: IRENE COTICCHIO, LUIS HERNÁNDEZ-LUQUE

Regie und Bühne: PETER WAGNER

Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY
MATJAŽ ANTONČIČ
MATJAŽ BALAŽIC
TIMI KRAJNC
VOJKO VEŠLIGAJ
DAVORIN MORI

Kostüm: MARKUS KUSCHER
Licht- & Tondesign: N.N., KONRAD ÜBERBACHER
Regieassistenz: KERSTIN HASLAUER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Tangooper von Astor Piazzolla
Libretto: Horacio Ferrer

Regie: PETER WAGNER
Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit dem Jungen Theater Klagenfurt

Premiere: 30. September 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 2., 3., 7., 8., 9., 10., 21., 22., 23., 24. Oktober - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Astor Piazzola (um ca. 1950) - Fotograf*in unbekannt

„Der Tango ist ein trauriger Gedanke, den man tanzen kann“ – das hat der argentinische Komponist Enrique Santos Discépolo gesagt. Die Tango-Oper „María de Buenos Aires“ seines Landsmanns Astor Piazzolla ist voll von traurigen Gedanken. Sie erzählt die Geschichte von Leben und Tod Marías, die als Glückssucherin aus einem Vorort von Buenos Aires kommt, dort in einem Arbeiterviertel stirbt und zum Mythos wird. 

Tango – das klingt erst einmal nach Tanzkurs und Fernweh, nach ein bisschen verruchter Erotik und nach sehr beweglichen Beinen. Damit konnte Astor Piazzolla, der Komponist der von ihm so bezeichneten Operita, gar nichts anfangen. Im Gegenteil: Er hat die „María de Buenos Aires“ an seinen Ursprungsort zurückgebracht – in die Welt der Bettler, Zuhälter und Obdachlosen. Seltsame Gestalten bevölkern die Bühne – auffallend kostümierte Nachtschattengewächse mit Gesichtsmasken und exotischem Kopfputz (Kostüme und Masken: Markus Kuscher), (Traum)Tänzerinnen und (Traum)Tänzer, die aber mehr sind als das, nämlich auch Harlekine, Marionetten, Engel, Affen, der Tod.

Die surrealistische Poesie des uruguayischen Dichters Horacio Ferrer, den sich Piazzolla gewünscht hatte, hat schon das Publikum vor knapp sechs Jahrzehnten heillos überfordert. Und doch wird sie durch die Musik, ihre Melancholie und ihr überbordendes Temperament der Rezeption des Publikums verständlich in ihrer eigenen Art, Empfindungen auszulösen, Empathien zu befördern und die Verve der Musik mit ihren hochpoetischen Texten sozusagen durch den eigenen Körper fließen zu lassen. Selbstverständlich wird diesem Publikum auch eine Art Übersetzungshilfe durch in die Szenerie eingeblendete Inserts des Textes geliefert. Sie sind aber nicht unbedingt Vorbedingung für das Verständnis dieses Werk, wie dies bei anderen Opern durchaus der Fall ist.

Die Inszenierung stellt sich dem dunklen Glanz der Oper in vorherrschend sparsamer Ausleuchtung. Differenzierende Akzente in Spiel und musikalische Pointiertheit sind ihr Elixier, zumal ein Theaterhaus der lokalen wie finanziellen Größe des klagenfurter ensemble nicht mit Kohorten an Darsteller:innen, Tänzer:innen und Materialien klotzen kann. Dennoch wird man nichts an Opulenz, wie sie sich primär in der Musik, aber auch in der Bühnenchoreografie äußert, vermissen.

Zu den Mitteln der Inszenierung wäre grob zu sagen, dass sie sich – neben den live vorhandenen Protagonist:innen, also María, den Geist und einen Bariton in verschiedenen Rollen – zusätzlich voraufgezeichneter Videopassagen, eines Reigens von Fotoportraits aus den letzten Jahrzehnten der Darstellerin der María, Irene Coticchio, sowie der Bewegungs- und Tanzchoreografie eines nonverbalen, professionellen Tänzers bedient. Dazu stößt ein eigener Bühnenkörper, der aus vorwiegend jugendlichen, aber auch erwachsenen Darsteller:innen des Amateurtheaterbereichs besteht. Sie agieren vornehmlich hinter Masken als anonyme Zuträger für ein Spiel um Leidenschaft und Irritation, Hingabe und Widerstand, Trauer und doch auch unverhohlener Lebensfreude. 

Das musikalische Ensemble unter der Leitung von Davorin Mori, bestehend aus fünf Musikern (Arrangement: Ferry Janoska), erfüllt einerseits den Part der instrumental-musikalischen Umsetzung, ist aber in seinem sichtbaren Vorhandensein auf der Bühne auch gezielt Mitwirkender sowohl in der sprachlich-akustischen, als auch der optischen Aufbereitung der Erzählung von Horacio Ferrer und Astor Piazzolla. So übernimmt es beispielsweise auch den Part der chorischen Männerstimmen oder – wie im Fall des Bandoneons – auch direkt szenisch-darstellerische Funktionen. Die weiblichen Chorpassagen werden in Form von voraufgenommenen Einspielungen in das musikalische Gesamtgefüge integriert. 

Die Inszenierung von „María de Buenos Aires“ im klagenfurter ensemble 2026 versteht sich somit nicht nur als künstlerischer, sondern in gewisser Weise auch soziologischer, wenn nicht gar pädagogischer Akt: Junge Menschen werden in den aktiv von ihnen mitgestalteten Sog eines schillernden Beispiels des modernen Theater- und Opernrepertoires gezogen und bekommen dadurch die Möglichkeit, neben Bühnenerfahrung auch einen Ausblick auf ein mögliches Leben abseits von TikTok zu lukrieren.

Mit: IRENE COTICCHIO, LUIS HERNÁNDEZ-LUQUE

Regie und Bühne: PETER WAGNER

Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY
MATJAŽ ANTONČIČ
MATJAŽ BALAŽIC
TIMI KRAJNC
VOJKO VEŠLIGAJ
DAVORIN MORI

Kostüm: MARKUS KUSCHER
Licht- & Tondesign: N.N., KONRAD ÜBERBACHER
Regieassistenz: KERSTIN HASLAUER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Tangooper von Astor Piazzolla
Libretto: Horacio Ferrer

Regie: PETER WAGNER
Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit dem Jungen Theater Klagenfurt

Premiere: 30. September 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 2., 3., 7., 8., 9., 10., 21., 22., 23., 24. Oktober - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Astor Piazzola (um ca. 1950) - Fotograf*in unbekannt

„Der Tango ist ein trauriger Gedanke, den man tanzen kann“ – das hat der argentinische Komponist Enrique Santos Discépolo gesagt. Die Tango-Oper „María de Buenos Aires“ seines Landsmanns Astor Piazzolla ist voll von traurigen Gedanken. Sie erzählt die Geschichte von Leben und Tod Marías, die als Glückssucherin aus einem Vorort von Buenos Aires kommt, dort in einem Arbeiterviertel stirbt und zum Mythos wird. 

Tango – das klingt erst einmal nach Tanzkurs und Fernweh, nach ein bisschen verruchter Erotik und nach sehr beweglichen Beinen. Damit konnte Astor Piazzolla, der Komponist der von ihm so bezeichneten Operita, gar nichts anfangen. Im Gegenteil: Er hat die „María de Buenos Aires“ an seinen Ursprungsort zurückgebracht – in die Welt der Bettler, Zuhälter und Obdachlosen. Seltsame Gestalten bevölkern die Bühne – auffallend kostümierte Nachtschattengewächse mit Gesichtsmasken und exotischem Kopfputz (Kostüme und Masken: Markus Kuscher), (Traum)Tänzerinnen und (Traum)Tänzer, die aber mehr sind als das, nämlich auch Harlekine, Marionetten, Engel, Affen, der Tod.

Die surrealistische Poesie des uruguayischen Dichters Horacio Ferrer, den sich Piazzolla gewünscht hatte, hat schon das Publikum vor knapp sechs Jahrzehnten heillos überfordert. Und doch wird sie durch die Musik, ihre Melancholie und ihr überbordendes Temperament der Rezeption des Publikums verständlich in ihrer eigenen Art, Empfindungen auszulösen, Empathien zu befördern und die Verve der Musik mit ihren hochpoetischen Texten sozusagen durch den eigenen Körper fließen zu lassen. Selbstverständlich wird diesem Publikum auch eine Art Übersetzungshilfe durch in die Szenerie eingeblendete Inserts des Textes geliefert. Sie sind aber nicht unbedingt Vorbedingung für das Verständnis dieses Werk, wie dies bei anderen Opern durchaus der Fall ist.

Die Inszenierung stellt sich dem dunklen Glanz der Oper in vorherrschend sparsamer Ausleuchtung. Differenzierende Akzente in Spiel und musikalische Pointiertheit sind ihr Elixier, zumal ein Theaterhaus der lokalen wie finanziellen Größe des klagenfurter ensemble nicht mit Kohorten an Darsteller:innen, Tänzer:innen und Materialien klotzen kann. Dennoch wird man nichts an Opulenz, wie sie sich primär in der Musik, aber auch in der Bühnenchoreografie äußert, vermissen.

Zu den Mitteln der Inszenierung wäre grob zu sagen, dass sie sich – neben den live vorhandenen Protagonist:innen, also María, den Geist und einen Bariton in verschiedenen Rollen – zusätzlich voraufgezeichneter Videopassagen, eines Reigens von Fotoportraits aus den letzten Jahrzehnten der Darstellerin der María, Irene Coticchio, sowie der Bewegungs- und Tanzchoreografie eines nonverbalen, professionellen Tänzers bedient. Dazu stößt ein eigener Bühnenkörper, der aus vorwiegend jugendlichen, aber auch erwachsenen Darsteller:innen des Amateurtheaterbereichs besteht. Sie agieren vornehmlich hinter Masken als anonyme Zuträger für ein Spiel um Leidenschaft und Irritation, Hingabe und Widerstand, Trauer und doch auch unverhohlener Lebensfreude. 

Das musikalische Ensemble unter der Leitung von Davorin Mori, bestehend aus fünf Musikern (Arrangement: Ferry Janoska), erfüllt einerseits den Part der instrumental-musikalischen Umsetzung, ist aber in seinem sichtbaren Vorhandensein auf der Bühne auch gezielt Mitwirkender sowohl in der sprachlich-akustischen, als auch der optischen Aufbereitung der Erzählung von Horacio Ferrer und Astor Piazzolla. So übernimmt es beispielsweise auch den Part der chorischen Männerstimmen oder – wie im Fall des Bandoneons – auch direkt szenisch-darstellerische Funktionen. Die weiblichen Chorpassagen werden in Form von voraufgenommenen Einspielungen in das musikalische Gesamtgefüge integriert. 

Die Inszenierung von „María de Buenos Aires“ im klagenfurter ensemble 2026 versteht sich somit nicht nur als künstlerischer, sondern in gewisser Weise auch soziologischer, wenn nicht gar pädagogischer Akt: Junge Menschen werden in den aktiv von ihnen mitgestalteten Sog eines schillernden Beispiels des modernen Theater- und Opernrepertoires gezogen und bekommen dadurch die Möglichkeit, neben Bühnenerfahrung auch einen Ausblick auf ein mögliches Leben abseits von TikTok zu lukrieren.

Mit: IRENE COTICCHIO, LUIS HERNÁNDEZ-LUQUE

Regie und Bühne: PETER WAGNER

Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY
MATJAŽ ANTONČIČ
MATJAŽ BALAŽIC
TIMI KRAJNC
VOJKO VEŠLIGAJ
DAVORIN MORI

Kostüm: MARKUS KUSCHER
Licht- & Tondesign: N.N., KONRAD ÜBERBACHER
Regieassistenz: KERSTIN HASLAUER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Tangooper von Astor Piazzolla
Libretto: Horacio Ferrer

Regie: PETER WAGNER
Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit dem Jungen Theater Klagenfurt

Premiere: 30. September 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 2., 3., 7., 8., 9., 10., 21., 22., 23., 24. Oktober - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Astor Piazzola (um ca. 1950) - Fotograf*in unbekannt

„Der Tango ist ein trauriger Gedanke, den man tanzen kann“ – das hat der argentinische Komponist Enrique Santos Discépolo gesagt. Die Tango-Oper „María de Buenos Aires“ seines Landsmanns Astor Piazzolla ist voll von traurigen Gedanken. Sie erzählt die Geschichte von Leben und Tod Marías, die als Glückssucherin aus einem Vorort von Buenos Aires kommt, dort in einem Arbeiterviertel stirbt und zum Mythos wird. 

Tango – das klingt erst einmal nach Tanzkurs und Fernweh, nach ein bisschen verruchter Erotik und nach sehr beweglichen Beinen. Damit konnte Astor Piazzolla, der Komponist der von ihm so bezeichneten Operita, gar nichts anfangen. Im Gegenteil: Er hat die „María de Buenos Aires“ an seinen Ursprungsort zurückgebracht – in die Welt der Bettler, Zuhälter und Obdachlosen. Seltsame Gestalten bevölkern die Bühne – auffallend kostümierte Nachtschattengewächse mit Gesichtsmasken und exotischem Kopfputz (Kostüme und Masken: Markus Kuscher), (Traum)Tänzerinnen und (Traum)Tänzer, die aber mehr sind als das, nämlich auch Harlekine, Marionetten, Engel, Affen, der Tod.

Die surrealistische Poesie des uruguayischen Dichters Horacio Ferrer, den sich Piazzolla gewünscht hatte, hat schon das Publikum vor knapp sechs Jahrzehnten heillos überfordert. Und doch wird sie durch die Musik, ihre Melancholie und ihr überbordendes Temperament der Rezeption des Publikums verständlich in ihrer eigenen Art, Empfindungen auszulösen, Empathien zu befördern und die Verve der Musik mit ihren hochpoetischen Texten sozusagen durch den eigenen Körper fließen zu lassen. Selbstverständlich wird diesem Publikum auch eine Art Übersetzungshilfe durch in die Szenerie eingeblendete Inserts des Textes geliefert. Sie sind aber nicht unbedingt Vorbedingung für das Verständnis dieses Werk, wie dies bei anderen Opern durchaus der Fall ist.

Die Inszenierung stellt sich dem dunklen Glanz der Oper in vorherrschend sparsamer Ausleuchtung. Differenzierende Akzente in Spiel und musikalische Pointiertheit sind ihr Elixier, zumal ein Theaterhaus der lokalen wie finanziellen Größe des klagenfurter ensemble nicht mit Kohorten an Darsteller:innen, Tänzer:innen und Materialien klotzen kann. Dennoch wird man nichts an Opulenz, wie sie sich primär in der Musik, aber auch in der Bühnenchoreografie äußert, vermissen.

Zu den Mitteln der Inszenierung wäre grob zu sagen, dass sie sich – neben den live vorhandenen Protagonist:innen, also María, den Geist und einen Bariton in verschiedenen Rollen – zusätzlich voraufgezeichneter Videopassagen, eines Reigens von Fotoportraits aus den letzten Jahrzehnten der Darstellerin der María, Irene Coticchio, sowie der Bewegungs- und Tanzchoreografie eines nonverbalen, professionellen Tänzers bedient. Dazu stößt ein eigener Bühnenkörper, der aus vorwiegend jugendlichen, aber auch erwachsenen Darsteller:innen des Amateurtheaterbereichs besteht. Sie agieren vornehmlich hinter Masken als anonyme Zuträger für ein Spiel um Leidenschaft und Irritation, Hingabe und Widerstand, Trauer und doch auch unverhohlener Lebensfreude. 

Das musikalische Ensemble unter der Leitung von Davorin Mori, bestehend aus fünf Musikern (Arrangement: Ferry Janoska), erfüllt einerseits den Part der instrumental-musikalischen Umsetzung, ist aber in seinem sichtbaren Vorhandensein auf der Bühne auch gezielt Mitwirkender sowohl in der sprachlich-akustischen, als auch der optischen Aufbereitung der Erzählung von Horacio Ferrer und Astor Piazzolla. So übernimmt es beispielsweise auch den Part der chorischen Männerstimmen oder – wie im Fall des Bandoneons – auch direkt szenisch-darstellerische Funktionen. Die weiblichen Chorpassagen werden in Form von voraufgenommenen Einspielungen in das musikalische Gesamtgefüge integriert. 

Die Inszenierung von „María de Buenos Aires“ im klagenfurter ensemble 2026 versteht sich somit nicht nur als künstlerischer, sondern in gewisser Weise auch soziologischer, wenn nicht gar pädagogischer Akt: Junge Menschen werden in den aktiv von ihnen mitgestalteten Sog eines schillernden Beispiels des modernen Theater- und Opernrepertoires gezogen und bekommen dadurch die Möglichkeit, neben Bühnenerfahrung auch einen Ausblick auf ein mögliches Leben abseits von TikTok zu lukrieren.

Mit: IRENE COTICCHIO, LUIS HERNÁNDEZ-LUQUE

Regie und Bühne: PETER WAGNER

Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY
MATJAŽ ANTONČIČ
MATJAŽ BALAŽIC
TIMI KRAJNC
VOJKO VEŠLIGAJ
DAVORIN MORI

Kostüm: MARKUS KUSCHER
Licht- & Tondesign: N.N., KONRAD ÜBERBACHER
Regieassistenz: KERSTIN HASLAUER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Tangooper von Astor Piazzolla
Libretto: Horacio Ferrer

Regie: PETER WAGNER
Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit dem Jungen Theater Klagenfurt

Premiere: 30. September 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 2., 3., 7., 8., 9., 10., 21., 22., 23., 24. Oktober - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Astor Piazzola (um ca. 1950) - Fotograf*in unbekannt

„Der Tango ist ein trauriger Gedanke, den man tanzen kann“ – das hat der argentinische Komponist Enrique Santos Discépolo gesagt. Die Tango-Oper „María de Buenos Aires“ seines Landsmanns Astor Piazzolla ist voll von traurigen Gedanken. Sie erzählt die Geschichte von Leben und Tod Marías, die als Glückssucherin aus einem Vorort von Buenos Aires kommt, dort in einem Arbeiterviertel stirbt und zum Mythos wird. 

Tango – das klingt erst einmal nach Tanzkurs und Fernweh, nach ein bisschen verruchter Erotik und nach sehr beweglichen Beinen. Damit konnte Astor Piazzolla, der Komponist der von ihm so bezeichneten Operita, gar nichts anfangen. Im Gegenteil: Er hat die „María de Buenos Aires“ an seinen Ursprungsort zurückgebracht – in die Welt der Bettler, Zuhälter und Obdachlosen. Seltsame Gestalten bevölkern die Bühne – auffallend kostümierte Nachtschattengewächse mit Gesichtsmasken und exotischem Kopfputz (Kostüme und Masken: Markus Kuscher), (Traum)Tänzerinnen und (Traum)Tänzer, die aber mehr sind als das, nämlich auch Harlekine, Marionetten, Engel, Affen, der Tod.

Die surrealistische Poesie des uruguayischen Dichters Horacio Ferrer, den sich Piazzolla gewünscht hatte, hat schon das Publikum vor knapp sechs Jahrzehnten heillos überfordert. Und doch wird sie durch die Musik, ihre Melancholie und ihr überbordendes Temperament der Rezeption des Publikums verständlich in ihrer eigenen Art, Empfindungen auszulösen, Empathien zu befördern und die Verve der Musik mit ihren hochpoetischen Texten sozusagen durch den eigenen Körper fließen zu lassen. Selbstverständlich wird diesem Publikum auch eine Art Übersetzungshilfe durch in die Szenerie eingeblendete Inserts des Textes geliefert. Sie sind aber nicht unbedingt Vorbedingung für das Verständnis dieses Werk, wie dies bei anderen Opern durchaus der Fall ist.

Die Inszenierung stellt sich dem dunklen Glanz der Oper in vorherrschend sparsamer Ausleuchtung. Differenzierende Akzente in Spiel und musikalische Pointiertheit sind ihr Elixier, zumal ein Theaterhaus der lokalen wie finanziellen Größe des klagenfurter ensemble nicht mit Kohorten an Darsteller:innen, Tänzer:innen und Materialien klotzen kann. Dennoch wird man nichts an Opulenz, wie sie sich primär in der Musik, aber auch in der Bühnenchoreografie äußert, vermissen.

Zu den Mitteln der Inszenierung wäre grob zu sagen, dass sie sich – neben den live vorhandenen Protagonist:innen, also María, den Geist und einen Bariton in verschiedenen Rollen – zusätzlich voraufgezeichneter Videopassagen, eines Reigens von Fotoportraits aus den letzten Jahrzehnten der Darstellerin der María, Irene Coticchio, sowie der Bewegungs- und Tanzchoreografie eines nonverbalen, professionellen Tänzers bedient. Dazu stößt ein eigener Bühnenkörper, der aus vorwiegend jugendlichen, aber auch erwachsenen Darsteller:innen des Amateurtheaterbereichs besteht. Sie agieren vornehmlich hinter Masken als anonyme Zuträger für ein Spiel um Leidenschaft und Irritation, Hingabe und Widerstand, Trauer und doch auch unverhohlener Lebensfreude. 

Das musikalische Ensemble unter der Leitung von Davorin Mori, bestehend aus fünf Musikern (Arrangement: Ferry Janoska), erfüllt einerseits den Part der instrumental-musikalischen Umsetzung, ist aber in seinem sichtbaren Vorhandensein auf der Bühne auch gezielt Mitwirkender sowohl in der sprachlich-akustischen, als auch der optischen Aufbereitung der Erzählung von Horacio Ferrer und Astor Piazzolla. So übernimmt es beispielsweise auch den Part der chorischen Männerstimmen oder – wie im Fall des Bandoneons – auch direkt szenisch-darstellerische Funktionen. Die weiblichen Chorpassagen werden in Form von voraufgenommenen Einspielungen in das musikalische Gesamtgefüge integriert. 

Die Inszenierung von „María de Buenos Aires“ im klagenfurter ensemble 2026 versteht sich somit nicht nur als künstlerischer, sondern in gewisser Weise auch soziologischer, wenn nicht gar pädagogischer Akt: Junge Menschen werden in den aktiv von ihnen mitgestalteten Sog eines schillernden Beispiels des modernen Theater- und Opernrepertoires gezogen und bekommen dadurch die Möglichkeit, neben Bühnenerfahrung auch einen Ausblick auf ein mögliches Leben abseits von TikTok zu lukrieren.

Mit: IRENE COTICCHIO, LUIS HERNÁNDEZ-LUQUE

Regie und Bühne: PETER WAGNER

Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY
MATJAŽ ANTONČIČ
MATJAŽ BALAŽIC
TIMI KRAJNC
VOJKO VEŠLIGAJ
DAVORIN MORI

Kostüm: MARKUS KUSCHER
Licht- & Tondesign: N.N., KONRAD ÜBERBACHER
Regieassistenz: KERSTIN HASLAUER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Tangooper von Astor Piazzolla
Libretto: Horacio Ferrer

Regie: PETER WAGNER
Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit dem Jungen Theater Klagenfurt

Premiere: 30. September 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 2., 3., 7., 8., 9., 10., 21., 22., 23., 24. Oktober - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Astor Piazzola (um ca. 1950) - Fotograf*in unbekannt

„Der Tango ist ein trauriger Gedanke, den man tanzen kann“ – das hat der argentinische Komponist Enrique Santos Discépolo gesagt. Die Tango-Oper „María de Buenos Aires“ seines Landsmanns Astor Piazzolla ist voll von traurigen Gedanken. Sie erzählt die Geschichte von Leben und Tod Marías, die als Glückssucherin aus einem Vorort von Buenos Aires kommt, dort in einem Arbeiterviertel stirbt und zum Mythos wird. 

Tango – das klingt erst einmal nach Tanzkurs und Fernweh, nach ein bisschen verruchter Erotik und nach sehr beweglichen Beinen. Damit konnte Astor Piazzolla, der Komponist der von ihm so bezeichneten Operita, gar nichts anfangen. Im Gegenteil: Er hat die „María de Buenos Aires“ an seinen Ursprungsort zurückgebracht – in die Welt der Bettler, Zuhälter und Obdachlosen. Seltsame Gestalten bevölkern die Bühne – auffallend kostümierte Nachtschattengewächse mit Gesichtsmasken und exotischem Kopfputz (Kostüme und Masken: Markus Kuscher), (Traum)Tänzerinnen und (Traum)Tänzer, die aber mehr sind als das, nämlich auch Harlekine, Marionetten, Engel, Affen, der Tod.

Die surrealistische Poesie des uruguayischen Dichters Horacio Ferrer, den sich Piazzolla gewünscht hatte, hat schon das Publikum vor knapp sechs Jahrzehnten heillos überfordert. Und doch wird sie durch die Musik, ihre Melancholie und ihr überbordendes Temperament der Rezeption des Publikums verständlich in ihrer eigenen Art, Empfindungen auszulösen, Empathien zu befördern und die Verve der Musik mit ihren hochpoetischen Texten sozusagen durch den eigenen Körper fließen zu lassen. Selbstverständlich wird diesem Publikum auch eine Art Übersetzungshilfe durch in die Szenerie eingeblendete Inserts des Textes geliefert. Sie sind aber nicht unbedingt Vorbedingung für das Verständnis dieses Werk, wie dies bei anderen Opern durchaus der Fall ist.

Die Inszenierung stellt sich dem dunklen Glanz der Oper in vorherrschend sparsamer Ausleuchtung. Differenzierende Akzente in Spiel und musikalische Pointiertheit sind ihr Elixier, zumal ein Theaterhaus der lokalen wie finanziellen Größe des klagenfurter ensemble nicht mit Kohorten an Darsteller:innen, Tänzer:innen und Materialien klotzen kann. Dennoch wird man nichts an Opulenz, wie sie sich primär in der Musik, aber auch in der Bühnenchoreografie äußert, vermissen.

Zu den Mitteln der Inszenierung wäre grob zu sagen, dass sie sich – neben den live vorhandenen Protagonist:innen, also María, den Geist und einen Bariton in verschiedenen Rollen – zusätzlich voraufgezeichneter Videopassagen, eines Reigens von Fotoportraits aus den letzten Jahrzehnten der Darstellerin der María, Irene Coticchio, sowie der Bewegungs- und Tanzchoreografie eines nonverbalen, professionellen Tänzers bedient. Dazu stößt ein eigener Bühnenkörper, der aus vorwiegend jugendlichen, aber auch erwachsenen Darsteller:innen des Amateurtheaterbereichs besteht. Sie agieren vornehmlich hinter Masken als anonyme Zuträger für ein Spiel um Leidenschaft und Irritation, Hingabe und Widerstand, Trauer und doch auch unverhohlener Lebensfreude. 

Das musikalische Ensemble unter der Leitung von Davorin Mori, bestehend aus fünf Musikern (Arrangement: Ferry Janoska), erfüllt einerseits den Part der instrumental-musikalischen Umsetzung, ist aber in seinem sichtbaren Vorhandensein auf der Bühne auch gezielt Mitwirkender sowohl in der sprachlich-akustischen, als auch der optischen Aufbereitung der Erzählung von Horacio Ferrer und Astor Piazzolla. So übernimmt es beispielsweise auch den Part der chorischen Männerstimmen oder – wie im Fall des Bandoneons – auch direkt szenisch-darstellerische Funktionen. Die weiblichen Chorpassagen werden in Form von voraufgenommenen Einspielungen in das musikalische Gesamtgefüge integriert. 

Die Inszenierung von „María de Buenos Aires“ im klagenfurter ensemble 2026 versteht sich somit nicht nur als künstlerischer, sondern in gewisser Weise auch soziologischer, wenn nicht gar pädagogischer Akt: Junge Menschen werden in den aktiv von ihnen mitgestalteten Sog eines schillernden Beispiels des modernen Theater- und Opernrepertoires gezogen und bekommen dadurch die Möglichkeit, neben Bühnenerfahrung auch einen Ausblick auf ein mögliches Leben abseits von TikTok zu lukrieren.

Mit: IRENE COTICCHIO, LUIS HERNÁNDEZ-LUQUE

Regie und Bühne: PETER WAGNER

Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY
MATJAŽ ANTONČIČ
MATJAŽ BALAŽIC
TIMI KRAJNC
VOJKO VEŠLIGAJ
DAVORIN MORI

Kostüm: MARKUS KUSCHER
Licht- & Tondesign: N.N., KONRAD ÜBERBACHER
Regieassistenz: KERSTIN HASLAUER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Tangooper von Astor Piazzolla
Libretto: Horacio Ferrer

Regie: PETER WAGNER
Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit dem Jungen Theater Klagenfurt

Premiere: 30. September 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 2., 3., 7., 8., 9., 10., 21., 22., 23., 24. Oktober - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Astor Piazzola (um ca. 1950) - Fotograf*in unbekannt

„Der Tango ist ein trauriger Gedanke, den man tanzen kann“ – das hat der argentinische Komponist Enrique Santos Discépolo gesagt. Die Tango-Oper „María de Buenos Aires“ seines Landsmanns Astor Piazzolla ist voll von traurigen Gedanken. Sie erzählt die Geschichte von Leben und Tod Marías, die als Glückssucherin aus einem Vorort von Buenos Aires kommt, dort in einem Arbeiterviertel stirbt und zum Mythos wird. 

Tango – das klingt erst einmal nach Tanzkurs und Fernweh, nach ein bisschen verruchter Erotik und nach sehr beweglichen Beinen. Damit konnte Astor Piazzolla, der Komponist der von ihm so bezeichneten Operita, gar nichts anfangen. Im Gegenteil: Er hat die „María de Buenos Aires“ an seinen Ursprungsort zurückgebracht – in die Welt der Bettler, Zuhälter und Obdachlosen. Seltsame Gestalten bevölkern die Bühne – auffallend kostümierte Nachtschattengewächse mit Gesichtsmasken und exotischem Kopfputz (Kostüme und Masken: Markus Kuscher), (Traum)Tänzerinnen und (Traum)Tänzer, die aber mehr sind als das, nämlich auch Harlekine, Marionetten, Engel, Affen, der Tod.

Die surrealistische Poesie des uruguayischen Dichters Horacio Ferrer, den sich Piazzolla gewünscht hatte, hat schon das Publikum vor knapp sechs Jahrzehnten heillos überfordert. Und doch wird sie durch die Musik, ihre Melancholie und ihr überbordendes Temperament der Rezeption des Publikums verständlich in ihrer eigenen Art, Empfindungen auszulösen, Empathien zu befördern und die Verve der Musik mit ihren hochpoetischen Texten sozusagen durch den eigenen Körper fließen zu lassen. Selbstverständlich wird diesem Publikum auch eine Art Übersetzungshilfe durch in die Szenerie eingeblendete Inserts des Textes geliefert. Sie sind aber nicht unbedingt Vorbedingung für das Verständnis dieses Werk, wie dies bei anderen Opern durchaus der Fall ist.

Die Inszenierung stellt sich dem dunklen Glanz der Oper in vorherrschend sparsamer Ausleuchtung. Differenzierende Akzente in Spiel und musikalische Pointiertheit sind ihr Elixier, zumal ein Theaterhaus der lokalen wie finanziellen Größe des klagenfurter ensemble nicht mit Kohorten an Darsteller:innen, Tänzer:innen und Materialien klotzen kann. Dennoch wird man nichts an Opulenz, wie sie sich primär in der Musik, aber auch in der Bühnenchoreografie äußert, vermissen.

Zu den Mitteln der Inszenierung wäre grob zu sagen, dass sie sich – neben den live vorhandenen Protagonist:innen, also María, den Geist und einen Bariton in verschiedenen Rollen – zusätzlich voraufgezeichneter Videopassagen, eines Reigens von Fotoportraits aus den letzten Jahrzehnten der Darstellerin der María, Irene Coticchio, sowie der Bewegungs- und Tanzchoreografie eines nonverbalen, professionellen Tänzers bedient. Dazu stößt ein eigener Bühnenkörper, der aus vorwiegend jugendlichen, aber auch erwachsenen Darsteller:innen des Amateurtheaterbereichs besteht. Sie agieren vornehmlich hinter Masken als anonyme Zuträger für ein Spiel um Leidenschaft und Irritation, Hingabe und Widerstand, Trauer und doch auch unverhohlener Lebensfreude. 

Das musikalische Ensemble unter der Leitung von Davorin Mori, bestehend aus fünf Musikern (Arrangement: Ferry Janoska), erfüllt einerseits den Part der instrumental-musikalischen Umsetzung, ist aber in seinem sichtbaren Vorhandensein auf der Bühne auch gezielt Mitwirkender sowohl in der sprachlich-akustischen, als auch der optischen Aufbereitung der Erzählung von Horacio Ferrer und Astor Piazzolla. So übernimmt es beispielsweise auch den Part der chorischen Männerstimmen oder – wie im Fall des Bandoneons – auch direkt szenisch-darstellerische Funktionen. Die weiblichen Chorpassagen werden in Form von voraufgenommenen Einspielungen in das musikalische Gesamtgefüge integriert. 

Die Inszenierung von „María de Buenos Aires“ im klagenfurter ensemble 2026 versteht sich somit nicht nur als künstlerischer, sondern in gewisser Weise auch soziologischer, wenn nicht gar pädagogischer Akt: Junge Menschen werden in den aktiv von ihnen mitgestalteten Sog eines schillernden Beispiels des modernen Theater- und Opernrepertoires gezogen und bekommen dadurch die Möglichkeit, neben Bühnenerfahrung auch einen Ausblick auf ein mögliches Leben abseits von TikTok zu lukrieren.

Mit: IRENE COTICCHIO, LUIS HERNÁNDEZ-LUQUE

Regie und Bühne: PETER WAGNER

Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY
MATJAŽ ANTONČIČ
MATJAŽ BALAŽIC
TIMI KRAJNC
VOJKO VEŠLIGAJ
DAVORIN MORI

Kostüm: MARKUS KUSCHER
Licht- & Tondesign: N.N., KONRAD ÜBERBACHER
Regieassistenz: KERSTIN HASLAUER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Tangooper von Astor Piazzolla
Libretto: Horacio Ferrer

Regie: PETER WAGNER
Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit dem Jungen Theater Klagenfurt

Premiere: 30. September 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 2., 3., 7., 8., 9., 10., 21., 22., 23., 24. Oktober - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Astor Piazzola (um ca. 1950) - Fotograf*in unbekannt

„Der Tango ist ein trauriger Gedanke, den man tanzen kann“ – das hat der argentinische Komponist Enrique Santos Discépolo gesagt. Die Tango-Oper „María de Buenos Aires“ seines Landsmanns Astor Piazzolla ist voll von traurigen Gedanken. Sie erzählt die Geschichte von Leben und Tod Marías, die als Glückssucherin aus einem Vorort von Buenos Aires kommt, dort in einem Arbeiterviertel stirbt und zum Mythos wird. 

Tango – das klingt erst einmal nach Tanzkurs und Fernweh, nach ein bisschen verruchter Erotik und nach sehr beweglichen Beinen. Damit konnte Astor Piazzolla, der Komponist der von ihm so bezeichneten Operita, gar nichts anfangen. Im Gegenteil: Er hat die „María de Buenos Aires“ an seinen Ursprungsort zurückgebracht – in die Welt der Bettler, Zuhälter und Obdachlosen. Seltsame Gestalten bevölkern die Bühne – auffallend kostümierte Nachtschattengewächse mit Gesichtsmasken und exotischem Kopfputz (Kostüme und Masken: Markus Kuscher), (Traum)Tänzerinnen und (Traum)Tänzer, die aber mehr sind als das, nämlich auch Harlekine, Marionetten, Engel, Affen, der Tod.

Die surrealistische Poesie des uruguayischen Dichters Horacio Ferrer, den sich Piazzolla gewünscht hatte, hat schon das Publikum vor knapp sechs Jahrzehnten heillos überfordert. Und doch wird sie durch die Musik, ihre Melancholie und ihr überbordendes Temperament der Rezeption des Publikums verständlich in ihrer eigenen Art, Empfindungen auszulösen, Empathien zu befördern und die Verve der Musik mit ihren hochpoetischen Texten sozusagen durch den eigenen Körper fließen zu lassen. Selbstverständlich wird diesem Publikum auch eine Art Übersetzungshilfe durch in die Szenerie eingeblendete Inserts des Textes geliefert. Sie sind aber nicht unbedingt Vorbedingung für das Verständnis dieses Werk, wie dies bei anderen Opern durchaus der Fall ist.

Die Inszenierung stellt sich dem dunklen Glanz der Oper in vorherrschend sparsamer Ausleuchtung. Differenzierende Akzente in Spiel und musikalische Pointiertheit sind ihr Elixier, zumal ein Theaterhaus der lokalen wie finanziellen Größe des klagenfurter ensemble nicht mit Kohorten an Darsteller:innen, Tänzer:innen und Materialien klotzen kann. Dennoch wird man nichts an Opulenz, wie sie sich primär in der Musik, aber auch in der Bühnenchoreografie äußert, vermissen.

Zu den Mitteln der Inszenierung wäre grob zu sagen, dass sie sich – neben den live vorhandenen Protagonist:innen, also María, den Geist und einen Bariton in verschiedenen Rollen – zusätzlich voraufgezeichneter Videopassagen, eines Reigens von Fotoportraits aus den letzten Jahrzehnten der Darstellerin der María, Irene Coticchio, sowie der Bewegungs- und Tanzchoreografie eines nonverbalen, professionellen Tänzers bedient. Dazu stößt ein eigener Bühnenkörper, der aus vorwiegend jugendlichen, aber auch erwachsenen Darsteller:innen des Amateurtheaterbereichs besteht. Sie agieren vornehmlich hinter Masken als anonyme Zuträger für ein Spiel um Leidenschaft und Irritation, Hingabe und Widerstand, Trauer und doch auch unverhohlener Lebensfreude. 

Das musikalische Ensemble unter der Leitung von Davorin Mori, bestehend aus fünf Musikern (Arrangement: Ferry Janoska), erfüllt einerseits den Part der instrumental-musikalischen Umsetzung, ist aber in seinem sichtbaren Vorhandensein auf der Bühne auch gezielt Mitwirkender sowohl in der sprachlich-akustischen, als auch der optischen Aufbereitung der Erzählung von Horacio Ferrer und Astor Piazzolla. So übernimmt es beispielsweise auch den Part der chorischen Männerstimmen oder – wie im Fall des Bandoneons – auch direkt szenisch-darstellerische Funktionen. Die weiblichen Chorpassagen werden in Form von voraufgenommenen Einspielungen in das musikalische Gesamtgefüge integriert. 

Die Inszenierung von „María de Buenos Aires“ im klagenfurter ensemble 2026 versteht sich somit nicht nur als künstlerischer, sondern in gewisser Weise auch soziologischer, wenn nicht gar pädagogischer Akt: Junge Menschen werden in den aktiv von ihnen mitgestalteten Sog eines schillernden Beispiels des modernen Theater- und Opernrepertoires gezogen und bekommen dadurch die Möglichkeit, neben Bühnenerfahrung auch einen Ausblick auf ein mögliches Leben abseits von TikTok zu lukrieren.

Mit: IRENE COTICCHIO, LUIS HERNÁNDEZ-LUQUE

Regie und Bühne: PETER WAGNER

Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY
MATJAŽ ANTONČIČ
MATJAŽ BALAŽIC
TIMI KRAJNC
VOJKO VEŠLIGAJ
DAVORIN MORI

Kostüm: MARKUS KUSCHER
Licht- & Tondesign: N.N., KONRAD ÜBERBACHER
Regieassistenz: KERSTIN HASLAUER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Tangooper von Astor Piazzolla
Libretto: Horacio Ferrer

Regie: PETER WAGNER
Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit dem Jungen Theater Klagenfurt

Premiere: 30. September 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 2., 3., 7., 8., 9., 10., 21., 22., 23., 24. Oktober - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Astor Piazzola (um ca. 1950) - Fotograf*in unbekannt

„Der Tango ist ein trauriger Gedanke, den man tanzen kann“ – das hat der argentinische Komponist Enrique Santos Discépolo gesagt. Die Tango-Oper „María de Buenos Aires“ seines Landsmanns Astor Piazzolla ist voll von traurigen Gedanken. Sie erzählt die Geschichte von Leben und Tod Marías, die als Glückssucherin aus einem Vorort von Buenos Aires kommt, dort in einem Arbeiterviertel stirbt und zum Mythos wird. 

Tango – das klingt erst einmal nach Tanzkurs und Fernweh, nach ein bisschen verruchter Erotik und nach sehr beweglichen Beinen. Damit konnte Astor Piazzolla, der Komponist der von ihm so bezeichneten Operita, gar nichts anfangen. Im Gegenteil: Er hat die „María de Buenos Aires“ an seinen Ursprungsort zurückgebracht – in die Welt der Bettler, Zuhälter und Obdachlosen. Seltsame Gestalten bevölkern die Bühne – auffallend kostümierte Nachtschattengewächse mit Gesichtsmasken und exotischem Kopfputz (Kostüme und Masken: Markus Kuscher), (Traum)Tänzerinnen und (Traum)Tänzer, die aber mehr sind als das, nämlich auch Harlekine, Marionetten, Engel, Affen, der Tod.

Die surrealistische Poesie des uruguayischen Dichters Horacio Ferrer, den sich Piazzolla gewünscht hatte, hat schon das Publikum vor knapp sechs Jahrzehnten heillos überfordert. Und doch wird sie durch die Musik, ihre Melancholie und ihr überbordendes Temperament der Rezeption des Publikums verständlich in ihrer eigenen Art, Empfindungen auszulösen, Empathien zu befördern und die Verve der Musik mit ihren hochpoetischen Texten sozusagen durch den eigenen Körper fließen zu lassen. Selbstverständlich wird diesem Publikum auch eine Art Übersetzungshilfe durch in die Szenerie eingeblendete Inserts des Textes geliefert. Sie sind aber nicht unbedingt Vorbedingung für das Verständnis dieses Werk, wie dies bei anderen Opern durchaus der Fall ist.

Die Inszenierung stellt sich dem dunklen Glanz der Oper in vorherrschend sparsamer Ausleuchtung. Differenzierende Akzente in Spiel und musikalische Pointiertheit sind ihr Elixier, zumal ein Theaterhaus der lokalen wie finanziellen Größe des klagenfurter ensemble nicht mit Kohorten an Darsteller:innen, Tänzer:innen und Materialien klotzen kann. Dennoch wird man nichts an Opulenz, wie sie sich primär in der Musik, aber auch in der Bühnenchoreografie äußert, vermissen.

Zu den Mitteln der Inszenierung wäre grob zu sagen, dass sie sich – neben den live vorhandenen Protagonist:innen, also María, den Geist und einen Bariton in verschiedenen Rollen – zusätzlich voraufgezeichneter Videopassagen, eines Reigens von Fotoportraits aus den letzten Jahrzehnten der Darstellerin der María, Irene Coticchio, sowie der Bewegungs- und Tanzchoreografie eines nonverbalen, professionellen Tänzers bedient. Dazu stößt ein eigener Bühnenkörper, der aus vorwiegend jugendlichen, aber auch erwachsenen Darsteller:innen des Amateurtheaterbereichs besteht. Sie agieren vornehmlich hinter Masken als anonyme Zuträger für ein Spiel um Leidenschaft und Irritation, Hingabe und Widerstand, Trauer und doch auch unverhohlener Lebensfreude. 

Das musikalische Ensemble unter der Leitung von Davorin Mori, bestehend aus fünf Musikern (Arrangement: Ferry Janoska), erfüllt einerseits den Part der instrumental-musikalischen Umsetzung, ist aber in seinem sichtbaren Vorhandensein auf der Bühne auch gezielt Mitwirkender sowohl in der sprachlich-akustischen, als auch der optischen Aufbereitung der Erzählung von Horacio Ferrer und Astor Piazzolla. So übernimmt es beispielsweise auch den Part der chorischen Männerstimmen oder – wie im Fall des Bandoneons – auch direkt szenisch-darstellerische Funktionen. Die weiblichen Chorpassagen werden in Form von voraufgenommenen Einspielungen in das musikalische Gesamtgefüge integriert. 

Die Inszenierung von „María de Buenos Aires“ im klagenfurter ensemble 2026 versteht sich somit nicht nur als künstlerischer, sondern in gewisser Weise auch soziologischer, wenn nicht gar pädagogischer Akt: Junge Menschen werden in den aktiv von ihnen mitgestalteten Sog eines schillernden Beispiels des modernen Theater- und Opernrepertoires gezogen und bekommen dadurch die Möglichkeit, neben Bühnenerfahrung auch einen Ausblick auf ein mögliches Leben abseits von TikTok zu lukrieren.

Mit: IRENE COTICCHIO, LUIS HERNÁNDEZ-LUQUE

Regie und Bühne: PETER WAGNER

Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY
MATJAŽ ANTONČIČ
MATJAŽ BALAŽIC
TIMI KRAJNC
VOJKO VEŠLIGAJ
DAVORIN MORI

Kostüm: MARKUS KUSCHER
Licht- & Tondesign: N.N., KONRAD ÜBERBACHER
Regieassistenz: KERSTIN HASLAUER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Tangooper von Astor Piazzolla
Libretto: Horacio Ferrer

Regie: PETER WAGNER
Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit dem Jungen Theater Klagenfurt

Premiere: 30. September 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 2., 3., 7., 8., 9., 10., 21., 22., 23., 24. Oktober - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Astor Piazzola (um ca. 1950) - Fotograf*in unbekannt

„Der Tango ist ein trauriger Gedanke, den man tanzen kann“ – das hat der argentinische Komponist Enrique Santos Discépolo gesagt. Die Tango-Oper „María de Buenos Aires“ seines Landsmanns Astor Piazzolla ist voll von traurigen Gedanken. Sie erzählt die Geschichte von Leben und Tod Marías, die als Glückssucherin aus einem Vorort von Buenos Aires kommt, dort in einem Arbeiterviertel stirbt und zum Mythos wird. 

Tango – das klingt erst einmal nach Tanzkurs und Fernweh, nach ein bisschen verruchter Erotik und nach sehr beweglichen Beinen. Damit konnte Astor Piazzolla, der Komponist der von ihm so bezeichneten Operita, gar nichts anfangen. Im Gegenteil: Er hat die „María de Buenos Aires“ an seinen Ursprungsort zurückgebracht – in die Welt der Bettler, Zuhälter und Obdachlosen. Seltsame Gestalten bevölkern die Bühne – auffallend kostümierte Nachtschattengewächse mit Gesichtsmasken und exotischem Kopfputz (Kostüme und Masken: Markus Kuscher), (Traum)Tänzerinnen und (Traum)Tänzer, die aber mehr sind als das, nämlich auch Harlekine, Marionetten, Engel, Affen, der Tod.

Die surrealistische Poesie des uruguayischen Dichters Horacio Ferrer, den sich Piazzolla gewünscht hatte, hat schon das Publikum vor knapp sechs Jahrzehnten heillos überfordert. Und doch wird sie durch die Musik, ihre Melancholie und ihr überbordendes Temperament der Rezeption des Publikums verständlich in ihrer eigenen Art, Empfindungen auszulösen, Empathien zu befördern und die Verve der Musik mit ihren hochpoetischen Texten sozusagen durch den eigenen Körper fließen zu lassen. Selbstverständlich wird diesem Publikum auch eine Art Übersetzungshilfe durch in die Szenerie eingeblendete Inserts des Textes geliefert. Sie sind aber nicht unbedingt Vorbedingung für das Verständnis dieses Werk, wie dies bei anderen Opern durchaus der Fall ist.

Die Inszenierung stellt sich dem dunklen Glanz der Oper in vorherrschend sparsamer Ausleuchtung. Differenzierende Akzente in Spiel und musikalische Pointiertheit sind ihr Elixier, zumal ein Theaterhaus der lokalen wie finanziellen Größe des klagenfurter ensemble nicht mit Kohorten an Darsteller:innen, Tänzer:innen und Materialien klotzen kann. Dennoch wird man nichts an Opulenz, wie sie sich primär in der Musik, aber auch in der Bühnenchoreografie äußert, vermissen.

Zu den Mitteln der Inszenierung wäre grob zu sagen, dass sie sich – neben den live vorhandenen Protagonist:innen, also María, den Geist und einen Bariton in verschiedenen Rollen – zusätzlich voraufgezeichneter Videopassagen, eines Reigens von Fotoportraits aus den letzten Jahrzehnten der Darstellerin der María, Irene Coticchio, sowie der Bewegungs- und Tanzchoreografie eines nonverbalen, professionellen Tänzers bedient. Dazu stößt ein eigener Bühnenkörper, der aus vorwiegend jugendlichen, aber auch erwachsenen Darsteller:innen des Amateurtheaterbereichs besteht. Sie agieren vornehmlich hinter Masken als anonyme Zuträger für ein Spiel um Leidenschaft und Irritation, Hingabe und Widerstand, Trauer und doch auch unverhohlener Lebensfreude. 

Das musikalische Ensemble unter der Leitung von Davorin Mori, bestehend aus fünf Musikern (Arrangement: Ferry Janoska), erfüllt einerseits den Part der instrumental-musikalischen Umsetzung, ist aber in seinem sichtbaren Vorhandensein auf der Bühne auch gezielt Mitwirkender sowohl in der sprachlich-akustischen, als auch der optischen Aufbereitung der Erzählung von Horacio Ferrer und Astor Piazzolla. So übernimmt es beispielsweise auch den Part der chorischen Männerstimmen oder – wie im Fall des Bandoneons – auch direkt szenisch-darstellerische Funktionen. Die weiblichen Chorpassagen werden in Form von voraufgenommenen Einspielungen in das musikalische Gesamtgefüge integriert. 

Die Inszenierung von „María de Buenos Aires“ im klagenfurter ensemble 2026 versteht sich somit nicht nur als künstlerischer, sondern in gewisser Weise auch soziologischer, wenn nicht gar pädagogischer Akt: Junge Menschen werden in den aktiv von ihnen mitgestalteten Sog eines schillernden Beispiels des modernen Theater- und Opernrepertoires gezogen und bekommen dadurch die Möglichkeit, neben Bühnenerfahrung auch einen Ausblick auf ein mögliches Leben abseits von TikTok zu lukrieren.

Mit: IRENE COTICCHIO, LUIS HERNÁNDEZ-LUQUE

Regie und Bühne: PETER WAGNER

Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY
MATJAŽ ANTONČIČ
MATJAŽ BALAŽIC
TIMI KRAJNC
VOJKO VEŠLIGAJ
DAVORIN MORI

Kostüm: MARKUS KUSCHER
Licht- & Tondesign: N.N., KONRAD ÜBERBACHER
Regieassistenz: KERSTIN HASLAUER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Tangooper von Astor Piazzolla
Libretto: Horacio Ferrer

Regie: PETER WAGNER
Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit dem Jungen Theater Klagenfurt

Premiere: 30. September 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 2., 3., 7., 8., 9., 10., 21., 22., 23., 24. Oktober - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Astor Piazzola (um ca. 1950) - Fotograf*in unbekannt

„Der Tango ist ein trauriger Gedanke, den man tanzen kann“ – das hat der argentinische Komponist Enrique Santos Discépolo gesagt. Die Tango-Oper „María de Buenos Aires“ seines Landsmanns Astor Piazzolla ist voll von traurigen Gedanken. Sie erzählt die Geschichte von Leben und Tod Marías, die als Glückssucherin aus einem Vorort von Buenos Aires kommt, dort in einem Arbeiterviertel stirbt und zum Mythos wird. 

Tango – das klingt erst einmal nach Tanzkurs und Fernweh, nach ein bisschen verruchter Erotik und nach sehr beweglichen Beinen. Damit konnte Astor Piazzolla, der Komponist der von ihm so bezeichneten Operita, gar nichts anfangen. Im Gegenteil: Er hat die „María de Buenos Aires“ an seinen Ursprungsort zurückgebracht – in die Welt der Bettler, Zuhälter und Obdachlosen. Seltsame Gestalten bevölkern die Bühne – auffallend kostümierte Nachtschattengewächse mit Gesichtsmasken und exotischem Kopfputz (Kostüme und Masken: Markus Kuscher), (Traum)Tänzerinnen und (Traum)Tänzer, die aber mehr sind als das, nämlich auch Harlekine, Marionetten, Engel, Affen, der Tod.

Die surrealistische Poesie des uruguayischen Dichters Horacio Ferrer, den sich Piazzolla gewünscht hatte, hat schon das Publikum vor knapp sechs Jahrzehnten heillos überfordert. Und doch wird sie durch die Musik, ihre Melancholie und ihr überbordendes Temperament der Rezeption des Publikums verständlich in ihrer eigenen Art, Empfindungen auszulösen, Empathien zu befördern und die Verve der Musik mit ihren hochpoetischen Texten sozusagen durch den eigenen Körper fließen zu lassen. Selbstverständlich wird diesem Publikum auch eine Art Übersetzungshilfe durch in die Szenerie eingeblendete Inserts des Textes geliefert. Sie sind aber nicht unbedingt Vorbedingung für das Verständnis dieses Werk, wie dies bei anderen Opern durchaus der Fall ist.

Die Inszenierung stellt sich dem dunklen Glanz der Oper in vorherrschend sparsamer Ausleuchtung. Differenzierende Akzente in Spiel und musikalische Pointiertheit sind ihr Elixier, zumal ein Theaterhaus der lokalen wie finanziellen Größe des klagenfurter ensemble nicht mit Kohorten an Darsteller:innen, Tänzer:innen und Materialien klotzen kann. Dennoch wird man nichts an Opulenz, wie sie sich primär in der Musik, aber auch in der Bühnenchoreografie äußert, vermissen.

Zu den Mitteln der Inszenierung wäre grob zu sagen, dass sie sich – neben den live vorhandenen Protagonist:innen, also María, den Geist und einen Bariton in verschiedenen Rollen – zusätzlich voraufgezeichneter Videopassagen, eines Reigens von Fotoportraits aus den letzten Jahrzehnten der Darstellerin der María, Irene Coticchio, sowie der Bewegungs- und Tanzchoreografie eines nonverbalen, professionellen Tänzers bedient. Dazu stößt ein eigener Bühnenkörper, der aus vorwiegend jugendlichen, aber auch erwachsenen Darsteller:innen des Amateurtheaterbereichs besteht. Sie agieren vornehmlich hinter Masken als anonyme Zuträger für ein Spiel um Leidenschaft und Irritation, Hingabe und Widerstand, Trauer und doch auch unverhohlener Lebensfreude. 

Das musikalische Ensemble unter der Leitung von Davorin Mori, bestehend aus fünf Musikern (Arrangement: Ferry Janoska), erfüllt einerseits den Part der instrumental-musikalischen Umsetzung, ist aber in seinem sichtbaren Vorhandensein auf der Bühne auch gezielt Mitwirkender sowohl in der sprachlich-akustischen, als auch der optischen Aufbereitung der Erzählung von Horacio Ferrer und Astor Piazzolla. So übernimmt es beispielsweise auch den Part der chorischen Männerstimmen oder – wie im Fall des Bandoneons – auch direkt szenisch-darstellerische Funktionen. Die weiblichen Chorpassagen werden in Form von voraufgenommenen Einspielungen in das musikalische Gesamtgefüge integriert. 

Die Inszenierung von „María de Buenos Aires“ im klagenfurter ensemble 2026 versteht sich somit nicht nur als künstlerischer, sondern in gewisser Weise auch soziologischer, wenn nicht gar pädagogischer Akt: Junge Menschen werden in den aktiv von ihnen mitgestalteten Sog eines schillernden Beispiels des modernen Theater- und Opernrepertoires gezogen und bekommen dadurch die Möglichkeit, neben Bühnenerfahrung auch einen Ausblick auf ein mögliches Leben abseits von TikTok zu lukrieren.

Mit: IRENE COTICCHIO, LUIS HERNÁNDEZ-LUQUE

Regie und Bühne: PETER WAGNER

Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY
MATJAŽ ANTONČIČ
MATJAŽ BALAŽIC
TIMI KRAJNC
VOJKO VEŠLIGAJ
DAVORIN MORI

Kostüm: MARKUS KUSCHER
Licht- & Tondesign: N.N., KONRAD ÜBERBACHER
Regieassistenz: KERSTIN HASLAUER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Uraufführung
Text: Effe U Knust
Regie: Anja M. Wohlfahrt

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit Theater am Lend

Premiere: 4. November 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 6., 7., 12., 13., 14., 19., 20., 21. November - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Ausgehend von Die Kameliendame, Der Zauberberg und Aufzeichnungen aus einem Irrenhaus verwebt Effe U Knust autobiografische Reha-Erfahrungen mit literarischen Krankheitsnarrativen - immer in der Absicht, die Ausgangsstoffe kritisch-feministisch zu lesen. Krankheit erscheint nicht als Ausnahmezustand, sondern als gesellschaftlicher Spiegel: Wer ist krank, wer gilt als gesund – und wer entscheidet das? Wer spricht? Wer urteilt?

Wie bei Dumas wird der weibliche Körper zum Projektionsraum von Moral und Begehren. In Anlehnung an Thomas Manns Sanatorium wird die Reha zur zeitenthobenen Parallelwelt, in der Stillstand und Selbstbeobachtung herrschen. Christine Lavants schonungslose Innenperspektive öffnet den Blick auf das Stigma psychischer und körperlicher Abweichung. Knust stellt dem ihre eigene Stimme entgegen: als Frau, Patientin und Autorin in einer leistungsfixierten Gesellschaft. Warum wurde die vermeintlich moralische Verkommenheit literarischer Frauenfiguren mit körperlichem (äußerlichen) Verfall gezeichnet?

Zentrale Themen sind Krankheit als Identität, weibliche Selbstbestimmung, gesellschaftliche Normierung und die fragile Grenze zwischen Fürsorge und Kontrolle.

In Las Weinberge befindet sich die Protagonistin, Jazmin, gerade auf Reha. Um gesund zu sein und zu werden, läuft sie. Quer durch diese Weinberge und sie denkt. Läuft. Denkt. Läuft. Denkt. Raucht nicht. Hustet trotzdem. Lungenleiden. Seelenleiden. Wie funktioniert gesund werden? Was ist überhaupt krank sein und was ist gesund sein? Und was hat das alles mit den Zuschreibungen zu tun, denen weiblich gelesene Personen in unserer heutigen Gesellschaft konfrontiert sind?

Was passiert, wenn Heilung nicht Rückkehr zur Normalität bedeutet, sondern Widerstand gegen sie?

Mit: Clara Diemling & 8-10 Statist*innen

Komposition & Live-Musik: Grilli Pollheimer

Regie: Anja M. Wohlfahrt
Kostüm, Bühne: Kathrin Eingang

Licht- & Tondesign: N.N., Konrad Überbacher
Produktionsleitung: Susanna Buchacher

Uraufführung
Text: Effe U Knust
Regie: Anja M. Wohlfahrt

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit Theater am Lend

Premiere: 4. November 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 6., 7., 12., 13., 14., 19., 20., 21. November - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Ausgehend von Die Kameliendame, Der Zauberberg und Aufzeichnungen aus einem Irrenhaus verwebt Effe U Knust autobiografische Reha-Erfahrungen mit literarischen Krankheitsnarrativen - immer in der Absicht, die Ausgangsstoffe kritisch-feministisch zu lesen. Krankheit erscheint nicht als Ausnahmezustand, sondern als gesellschaftlicher Spiegel: Wer ist krank, wer gilt als gesund – und wer entscheidet das? Wer spricht? Wer urteilt?

Wie bei Dumas wird der weibliche Körper zum Projektionsraum von Moral und Begehren. In Anlehnung an Thomas Manns Sanatorium wird die Reha zur zeitenthobenen Parallelwelt, in der Stillstand und Selbstbeobachtung herrschen. Christine Lavants schonungslose Innenperspektive öffnet den Blick auf das Stigma psychischer und körperlicher Abweichung. Knust stellt dem ihre eigene Stimme entgegen: als Frau, Patientin und Autorin in einer leistungsfixierten Gesellschaft. Warum wurde die vermeintlich moralische Verkommenheit literarischer Frauenfiguren mit körperlichem (äußerlichen) Verfall gezeichnet?

Zentrale Themen sind Krankheit als Identität, weibliche Selbstbestimmung, gesellschaftliche Normierung und die fragile Grenze zwischen Fürsorge und Kontrolle.

In Las Weinberge befindet sich die Protagonistin, Jazmin, gerade auf Reha. Um gesund zu sein und zu werden, läuft sie. Quer durch diese Weinberge und sie denkt. Läuft. Denkt. Läuft. Denkt. Raucht nicht. Hustet trotzdem. Lungenleiden. Seelenleiden. Wie funktioniert gesund werden? Was ist überhaupt krank sein und was ist gesund sein? Und was hat das alles mit den Zuschreibungen zu tun, denen weiblich gelesene Personen in unserer heutigen Gesellschaft konfrontiert sind?

Was passiert, wenn Heilung nicht Rückkehr zur Normalität bedeutet, sondern Widerstand gegen sie?

Mit: Clara Diemling & 8-10 Statist*innen

Komposition & Live-Musik: Grilli Pollheimer

Regie: Anja M. Wohlfahrt
Kostüm, Bühne: Kathrin Eingang

Licht- & Tondesign: N.N., Konrad Überbacher
Produktionsleitung: Susanna Buchacher

Uraufführung
Text: Effe U Knust
Regie: Anja M. Wohlfahrt

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit Theater am Lend

Premiere: 4. November 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 6., 7., 12., 13., 14., 19., 20., 21. November - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Ausgehend von Die Kameliendame, Der Zauberberg und Aufzeichnungen aus einem Irrenhaus verwebt Effe U Knust autobiografische Reha-Erfahrungen mit literarischen Krankheitsnarrativen - immer in der Absicht, die Ausgangsstoffe kritisch-feministisch zu lesen. Krankheit erscheint nicht als Ausnahmezustand, sondern als gesellschaftlicher Spiegel: Wer ist krank, wer gilt als gesund – und wer entscheidet das? Wer spricht? Wer urteilt?

Wie bei Dumas wird der weibliche Körper zum Projektionsraum von Moral und Begehren. In Anlehnung an Thomas Manns Sanatorium wird die Reha zur zeitenthobenen Parallelwelt, in der Stillstand und Selbstbeobachtung herrschen. Christine Lavants schonungslose Innenperspektive öffnet den Blick auf das Stigma psychischer und körperlicher Abweichung. Knust stellt dem ihre eigene Stimme entgegen: als Frau, Patientin und Autorin in einer leistungsfixierten Gesellschaft. Warum wurde die vermeintlich moralische Verkommenheit literarischer Frauenfiguren mit körperlichem (äußerlichen) Verfall gezeichnet?

Zentrale Themen sind Krankheit als Identität, weibliche Selbstbestimmung, gesellschaftliche Normierung und die fragile Grenze zwischen Fürsorge und Kontrolle.

In Las Weinberge befindet sich die Protagonistin, Jazmin, gerade auf Reha. Um gesund zu sein und zu werden, läuft sie. Quer durch diese Weinberge und sie denkt. Läuft. Denkt. Läuft. Denkt. Raucht nicht. Hustet trotzdem. Lungenleiden. Seelenleiden. Wie funktioniert gesund werden? Was ist überhaupt krank sein und was ist gesund sein? Und was hat das alles mit den Zuschreibungen zu tun, denen weiblich gelesene Personen in unserer heutigen Gesellschaft konfrontiert sind?

Was passiert, wenn Heilung nicht Rückkehr zur Normalität bedeutet, sondern Widerstand gegen sie?

Mit: Clara Diemling & 8-10 Statist*innen

Komposition & Live-Musik: Grilli Pollheimer

Regie: Anja M. Wohlfahrt
Kostüm, Bühne: Kathrin Eingang

Licht- & Tondesign: N.N., Konrad Überbacher
Produktionsleitung: Susanna Buchacher

Uraufführung
Text: Effe U Knust
Regie: Anja M. Wohlfahrt

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit Theater am Lend

Premiere: 4. November 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 6., 7., 12., 13., 14., 19., 20., 21. November - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Ausgehend von Die Kameliendame, Der Zauberberg und Aufzeichnungen aus einem Irrenhaus verwebt Effe U Knust autobiografische Reha-Erfahrungen mit literarischen Krankheitsnarrativen - immer in der Absicht, die Ausgangsstoffe kritisch-feministisch zu lesen. Krankheit erscheint nicht als Ausnahmezustand, sondern als gesellschaftlicher Spiegel: Wer ist krank, wer gilt als gesund – und wer entscheidet das? Wer spricht? Wer urteilt?

Wie bei Dumas wird der weibliche Körper zum Projektionsraum von Moral und Begehren. In Anlehnung an Thomas Manns Sanatorium wird die Reha zur zeitenthobenen Parallelwelt, in der Stillstand und Selbstbeobachtung herrschen. Christine Lavants schonungslose Innenperspektive öffnet den Blick auf das Stigma psychischer und körperlicher Abweichung. Knust stellt dem ihre eigene Stimme entgegen: als Frau, Patientin und Autorin in einer leistungsfixierten Gesellschaft. Warum wurde die vermeintlich moralische Verkommenheit literarischer Frauenfiguren mit körperlichem (äußerlichen) Verfall gezeichnet?

Zentrale Themen sind Krankheit als Identität, weibliche Selbstbestimmung, gesellschaftliche Normierung und die fragile Grenze zwischen Fürsorge und Kontrolle.

In Las Weinberge befindet sich die Protagonistin, Jazmin, gerade auf Reha. Um gesund zu sein und zu werden, läuft sie. Quer durch diese Weinberge und sie denkt. Läuft. Denkt. Läuft. Denkt. Raucht nicht. Hustet trotzdem. Lungenleiden. Seelenleiden. Wie funktioniert gesund werden? Was ist überhaupt krank sein und was ist gesund sein? Und was hat das alles mit den Zuschreibungen zu tun, denen weiblich gelesene Personen in unserer heutigen Gesellschaft konfrontiert sind?

Was passiert, wenn Heilung nicht Rückkehr zur Normalität bedeutet, sondern Widerstand gegen sie?

Mit: Clara Diemling & 8-10 Statist*innen

Komposition & Live-Musik: Grilli Pollheimer

Regie: Anja M. Wohlfahrt
Kostüm, Bühne: Kathrin Eingang

Licht- & Tondesign: N.N., Konrad Überbacher
Produktionsleitung: Susanna Buchacher

Uraufführung
Text: Effe U Knust
Regie: Anja M. Wohlfahrt

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit Theater am Lend

Premiere: 4. November 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 6., 7., 12., 13., 14., 19., 20., 21. November - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Ausgehend von Die Kameliendame, Der Zauberberg und Aufzeichnungen aus einem Irrenhaus verwebt Effe U Knust autobiografische Reha-Erfahrungen mit literarischen Krankheitsnarrativen - immer in der Absicht, die Ausgangsstoffe kritisch-feministisch zu lesen. Krankheit erscheint nicht als Ausnahmezustand, sondern als gesellschaftlicher Spiegel: Wer ist krank, wer gilt als gesund – und wer entscheidet das? Wer spricht? Wer urteilt?

Wie bei Dumas wird der weibliche Körper zum Projektionsraum von Moral und Begehren. In Anlehnung an Thomas Manns Sanatorium wird die Reha zur zeitenthobenen Parallelwelt, in der Stillstand und Selbstbeobachtung herrschen. Christine Lavants schonungslose Innenperspektive öffnet den Blick auf das Stigma psychischer und körperlicher Abweichung. Knust stellt dem ihre eigene Stimme entgegen: als Frau, Patientin und Autorin in einer leistungsfixierten Gesellschaft. Warum wurde die vermeintlich moralische Verkommenheit literarischer Frauenfiguren mit körperlichem (äußerlichen) Verfall gezeichnet?

Zentrale Themen sind Krankheit als Identität, weibliche Selbstbestimmung, gesellschaftliche Normierung und die fragile Grenze zwischen Fürsorge und Kontrolle.

In Las Weinberge befindet sich die Protagonistin, Jazmin, gerade auf Reha. Um gesund zu sein und zu werden, läuft sie. Quer durch diese Weinberge und sie denkt. Läuft. Denkt. Läuft. Denkt. Raucht nicht. Hustet trotzdem. Lungenleiden. Seelenleiden. Wie funktioniert gesund werden? Was ist überhaupt krank sein und was ist gesund sein? Und was hat das alles mit den Zuschreibungen zu tun, denen weiblich gelesene Personen in unserer heutigen Gesellschaft konfrontiert sind?

Was passiert, wenn Heilung nicht Rückkehr zur Normalität bedeutet, sondern Widerstand gegen sie?

Mit: Clara Diemling & 8-10 Statist*innen

Komposition & Live-Musik: Grilli Pollheimer

Regie: Anja M. Wohlfahrt
Kostüm, Bühne: Kathrin Eingang

Licht- & Tondesign: N.N., Konrad Überbacher
Produktionsleitung: Susanna Buchacher

Uraufführung
Text: Effe U Knust
Regie: Anja M. Wohlfahrt

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit Theater am Lend

Premiere: 4. November 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 6., 7., 12., 13., 14., 19., 20., 21. November - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Ausgehend von Die Kameliendame, Der Zauberberg und Aufzeichnungen aus einem Irrenhaus verwebt Effe U Knust autobiografische Reha-Erfahrungen mit literarischen Krankheitsnarrativen - immer in der Absicht, die Ausgangsstoffe kritisch-feministisch zu lesen. Krankheit erscheint nicht als Ausnahmezustand, sondern als gesellschaftlicher Spiegel: Wer ist krank, wer gilt als gesund – und wer entscheidet das? Wer spricht? Wer urteilt?

Wie bei Dumas wird der weibliche Körper zum Projektionsraum von Moral und Begehren. In Anlehnung an Thomas Manns Sanatorium wird die Reha zur zeitenthobenen Parallelwelt, in der Stillstand und Selbstbeobachtung herrschen. Christine Lavants schonungslose Innenperspektive öffnet den Blick auf das Stigma psychischer und körperlicher Abweichung. Knust stellt dem ihre eigene Stimme entgegen: als Frau, Patientin und Autorin in einer leistungsfixierten Gesellschaft. Warum wurde die vermeintlich moralische Verkommenheit literarischer Frauenfiguren mit körperlichem (äußerlichen) Verfall gezeichnet?

Zentrale Themen sind Krankheit als Identität, weibliche Selbstbestimmung, gesellschaftliche Normierung und die fragile Grenze zwischen Fürsorge und Kontrolle.

In Las Weinberge befindet sich die Protagonistin, Jazmin, gerade auf Reha. Um gesund zu sein und zu werden, läuft sie. Quer durch diese Weinberge und sie denkt. Läuft. Denkt. Läuft. Denkt. Raucht nicht. Hustet trotzdem. Lungenleiden. Seelenleiden. Wie funktioniert gesund werden? Was ist überhaupt krank sein und was ist gesund sein? Und was hat das alles mit den Zuschreibungen zu tun, denen weiblich gelesene Personen in unserer heutigen Gesellschaft konfrontiert sind?

Was passiert, wenn Heilung nicht Rückkehr zur Normalität bedeutet, sondern Widerstand gegen sie?

Mit: Clara Diemling & 8-10 Statist*innen

Komposition & Live-Musik: Grilli Pollheimer

Regie: Anja M. Wohlfahrt
Kostüm, Bühne: Kathrin Eingang

Licht- & Tondesign: N.N., Konrad Überbacher
Produktionsleitung: Susanna Buchacher

Uraufführung
Text: Effe U Knust
Regie: Anja M. Wohlfahrt

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit Theater am Lend

Premiere: 4. November 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 6., 7., 12., 13., 14., 19., 20., 21. November - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Ausgehend von Die Kameliendame, Der Zauberberg und Aufzeichnungen aus einem Irrenhaus verwebt Effe U Knust autobiografische Reha-Erfahrungen mit literarischen Krankheitsnarrativen - immer in der Absicht, die Ausgangsstoffe kritisch-feministisch zu lesen. Krankheit erscheint nicht als Ausnahmezustand, sondern als gesellschaftlicher Spiegel: Wer ist krank, wer gilt als gesund – und wer entscheidet das? Wer spricht? Wer urteilt?

Wie bei Dumas wird der weibliche Körper zum Projektionsraum von Moral und Begehren. In Anlehnung an Thomas Manns Sanatorium wird die Reha zur zeitenthobenen Parallelwelt, in der Stillstand und Selbstbeobachtung herrschen. Christine Lavants schonungslose Innenperspektive öffnet den Blick auf das Stigma psychischer und körperlicher Abweichung. Knust stellt dem ihre eigene Stimme entgegen: als Frau, Patientin und Autorin in einer leistungsfixierten Gesellschaft. Warum wurde die vermeintlich moralische Verkommenheit literarischer Frauenfiguren mit körperlichem (äußerlichen) Verfall gezeichnet?

Zentrale Themen sind Krankheit als Identität, weibliche Selbstbestimmung, gesellschaftliche Normierung und die fragile Grenze zwischen Fürsorge und Kontrolle.

In Las Weinberge befindet sich die Protagonistin, Jazmin, gerade auf Reha. Um gesund zu sein und zu werden, läuft sie. Quer durch diese Weinberge und sie denkt. Läuft. Denkt. Läuft. Denkt. Raucht nicht. Hustet trotzdem. Lungenleiden. Seelenleiden. Wie funktioniert gesund werden? Was ist überhaupt krank sein und was ist gesund sein? Und was hat das alles mit den Zuschreibungen zu tun, denen weiblich gelesene Personen in unserer heutigen Gesellschaft konfrontiert sind?

Was passiert, wenn Heilung nicht Rückkehr zur Normalität bedeutet, sondern Widerstand gegen sie?

Mit: Clara Diemling & 8-10 Statist*innen

Komposition & Live-Musik: Grilli Pollheimer

Regie: Anja M. Wohlfahrt
Kostüm, Bühne: Kathrin Eingang

Licht- & Tondesign: N.N., Konrad Überbacher
Produktionsleitung: Susanna Buchacher

Uraufführung
Text: Effe U Knust
Regie: Anja M. Wohlfahrt

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit Theater am Lend

Premiere: 4. November 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 6., 7., 12., 13., 14., 19., 20., 21. November - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Ausgehend von Die Kameliendame, Der Zauberberg und Aufzeichnungen aus einem Irrenhaus verwebt Effe U Knust autobiografische Reha-Erfahrungen mit literarischen Krankheitsnarrativen - immer in der Absicht, die Ausgangsstoffe kritisch-feministisch zu lesen. Krankheit erscheint nicht als Ausnahmezustand, sondern als gesellschaftlicher Spiegel: Wer ist krank, wer gilt als gesund – und wer entscheidet das? Wer spricht? Wer urteilt?

Wie bei Dumas wird der weibliche Körper zum Projektionsraum von Moral und Begehren. In Anlehnung an Thomas Manns Sanatorium wird die Reha zur zeitenthobenen Parallelwelt, in der Stillstand und Selbstbeobachtung herrschen. Christine Lavants schonungslose Innenperspektive öffnet den Blick auf das Stigma psychischer und körperlicher Abweichung. Knust stellt dem ihre eigene Stimme entgegen: als Frau, Patientin und Autorin in einer leistungsfixierten Gesellschaft. Warum wurde die vermeintlich moralische Verkommenheit literarischer Frauenfiguren mit körperlichem (äußerlichen) Verfall gezeichnet?

Zentrale Themen sind Krankheit als Identität, weibliche Selbstbestimmung, gesellschaftliche Normierung und die fragile Grenze zwischen Fürsorge und Kontrolle.

In Las Weinberge befindet sich die Protagonistin, Jazmin, gerade auf Reha. Um gesund zu sein und zu werden, läuft sie. Quer durch diese Weinberge und sie denkt. Läuft. Denkt. Läuft. Denkt. Raucht nicht. Hustet trotzdem. Lungenleiden. Seelenleiden. Wie funktioniert gesund werden? Was ist überhaupt krank sein und was ist gesund sein? Und was hat das alles mit den Zuschreibungen zu tun, denen weiblich gelesene Personen in unserer heutigen Gesellschaft konfrontiert sind?

Was passiert, wenn Heilung nicht Rückkehr zur Normalität bedeutet, sondern Widerstand gegen sie?

Mit: Clara Diemling & 8-10 Statist*innen

Komposition & Live-Musik: Grilli Pollheimer

Regie: Anja M. Wohlfahrt
Kostüm, Bühne: Kathrin Eingang

Licht- & Tondesign: N.N., Konrad Überbacher
Produktionsleitung: Susanna Buchacher

Uraufführung
Text: Effe U Knust
Regie: Anja M. Wohlfahrt

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit Theater am Lend

Premiere: 4. November 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 6., 7., 12., 13., 14., 19., 20., 21. November - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Ausgehend von Die Kameliendame, Der Zauberberg und Aufzeichnungen aus einem Irrenhaus verwebt Effe U Knust autobiografische Reha-Erfahrungen mit literarischen Krankheitsnarrativen - immer in der Absicht, die Ausgangsstoffe kritisch-feministisch zu lesen. Krankheit erscheint nicht als Ausnahmezustand, sondern als gesellschaftlicher Spiegel: Wer ist krank, wer gilt als gesund – und wer entscheidet das? Wer spricht? Wer urteilt?

Wie bei Dumas wird der weibliche Körper zum Projektionsraum von Moral und Begehren. In Anlehnung an Thomas Manns Sanatorium wird die Reha zur zeitenthobenen Parallelwelt, in der Stillstand und Selbstbeobachtung herrschen. Christine Lavants schonungslose Innenperspektive öffnet den Blick auf das Stigma psychischer und körperlicher Abweichung. Knust stellt dem ihre eigene Stimme entgegen: als Frau, Patientin und Autorin in einer leistungsfixierten Gesellschaft. Warum wurde die vermeintlich moralische Verkommenheit literarischer Frauenfiguren mit körperlichem (äußerlichen) Verfall gezeichnet?

Zentrale Themen sind Krankheit als Identität, weibliche Selbstbestimmung, gesellschaftliche Normierung und die fragile Grenze zwischen Fürsorge und Kontrolle.

In Las Weinberge befindet sich die Protagonistin, Jazmin, gerade auf Reha. Um gesund zu sein und zu werden, läuft sie. Quer durch diese Weinberge und sie denkt. Läuft. Denkt. Läuft. Denkt. Raucht nicht. Hustet trotzdem. Lungenleiden. Seelenleiden. Wie funktioniert gesund werden? Was ist überhaupt krank sein und was ist gesund sein? Und was hat das alles mit den Zuschreibungen zu tun, denen weiblich gelesene Personen in unserer heutigen Gesellschaft konfrontiert sind?

Was passiert, wenn Heilung nicht Rückkehr zur Normalität bedeutet, sondern Widerstand gegen sie?

Mit: Clara Diemling & 8-10 Statist*innen

Komposition & Live-Musik: Grilli Pollheimer

Regie: Anja M. Wohlfahrt
Kostüm, Bühne: Kathrin Eingang

Licht- & Tondesign: N.N., Konrad Überbacher
Produktionsleitung: Susanna Buchacher

Uraufführung
von Ulrich Kaufmann

eine Produktion des klagenfurter ensemble

Premiere: 9. Dezember 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 11.,12., 16., 17., 18., 19. Dezember - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Maximilian Achatz in ODO (c) Kaufmann

Nach der Finissage seiner großen Retrospektive beginnt der bildende Künstler „Odo“ eigenhändig seine umfangreiche Kunstinstallation abzubauen und braucht dafür ein Jahr. Ein Jahr, in dem er alleine und ohne auf einen anderen Menschen zu treffen im Museum lebt und am Abbau arbeitet. Begleitet wird er dabei nur von den Klängen übender Musikschülerinnen eines irgendwo im Haus untergebrachten Musikschulzimmers. Ein existenzialistisches Monodrama über Inspiration, Reflexion, Einsamkeit und Halluzination. Erfolg, Zweifel, Verletzung, Rausch, Ruhe und der unbändige Lebenswille eines alternden Künstlers, der sich beim Abbau seines Kunstwerkes näher kommt, als es ihm vielleicht recht ist.
Das Theater wird zum Museum. Odo steht mit seiner großen Retrospektive am Zenit seines künstlerischen Schaffens. Nach der überbordenden Rede einer Kunsthistorikerin werden die Gäste zum Verlassen der Museumsräume aufgerufen und nehmen Platz im Zuschauerraum. Die Anerkennung ist groß, doch schließen sich die Türen nach der Finissage, ist er alleine mit sich und seiner Arbeit. In unterschiedlichen emotionalen Zuständen beginnt er diese Arbeit abzubauen und es vergehen Tag um Tag, in denen er in absoluter Einsamkeit sein Lebenswerk abbaut. Als er sein Abbild in Form eines übergroßen Pappmachékopfes bearbeitet, ist er verwundert, dass dieser vollkommen hohl ist. Immer mehr gleitet er in Welten ab, die, ausgelöst durch Einzelstücke seiner Arbeit, Auslöser für Prozesse sind, die ihn in Bewegungen und Abläufe bringen. Bis er sich selbst bei dieser Arbeit begegnet. Bis zu Weihnachten ein Wolf vor der Türe steht. Bis ihn die Musik zum Tanzen bringt. Bis er im Sternenhimmel seinen Vater zu erkennen glaubt, und bis er ein Buch findet und beginnt, die Beispielsätze für Französischvokabeln auswendig zu lernen und bald Inhalt auf Umstand trifft. Geräusche, die vom Außen ins Innere dringen, schaffen Vorstellungen von den Umständen im Außen und als es heftig an der Türe klopft, öffnet er nicht. Irgendwann wird er sich fertig fühlen und aus dem Haus hinaustreten und sich in die Bewegungen der Außenwelt eingliedern, noch aber ist es nicht so weit. Die im Museum untergebrachte Musikschule liefert den Soundtrack zu seinem poetischen Selbsterfahrungstrip, der Abbauhilfe durch eine rote Vespa, einem fragwürdigen abgeschlossenen Raum und das Aufessen seiner Kunst, inklusive.

Mit:
MAXIMILIAN ACHATZ

Idee, Regie, Text, Video: ULRICH KAUFMANN

Kostüm & Objekte: MARKUS KUSCHER

Video, grafische Bildbearbeitung, Bühnenbilder: SIGRID FRIEDMANN

Tondesign und Videotechnik: KONRAD ÜBERBACHER

Lichtdesign: BERND ZADOW
Videoaufnahmen für Zuspielungen: ca. 4 Darsteller*innen

Tonaufnahmen für Zuspielungen: 3 bis 4 Musiker*innen 

Büro & Tickets: FRANZ DOLINER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Uraufführung
von Ulrich Kaufmann

eine Produktion des klagenfurter ensemble

Premiere: 9. Dezember 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 11.,12., 16., 17., 18., 19. Dezember - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Maximilian Achatz in ODO (c) Kaufmann

Nach der Finissage seiner großen Retrospektive beginnt der bildende Künstler „Odo“ eigenhändig seine umfangreiche Kunstinstallation abzubauen und braucht dafür ein Jahr. Ein Jahr, in dem er alleine und ohne auf einen anderen Menschen zu treffen im Museum lebt und am Abbau arbeitet. Begleitet wird er dabei nur von den Klängen übender Musikschülerinnen eines irgendwo im Haus untergebrachten Musikschulzimmers. Ein existenzialistisches Monodrama über Inspiration, Reflexion, Einsamkeit und Halluzination. Erfolg, Zweifel, Verletzung, Rausch, Ruhe und der unbändige Lebenswille eines alternden Künstlers, der sich beim Abbau seines Kunstwerkes näher kommt, als es ihm vielleicht recht ist.
Das Theater wird zum Museum. Odo steht mit seiner großen Retrospektive am Zenit seines künstlerischen Schaffens. Nach der überbordenden Rede einer Kunsthistorikerin werden die Gäste zum Verlassen der Museumsräume aufgerufen und nehmen Platz im Zuschauerraum. Die Anerkennung ist groß, doch schließen sich die Türen nach der Finissage, ist er alleine mit sich und seiner Arbeit. In unterschiedlichen emotionalen Zuständen beginnt er diese Arbeit abzubauen und es vergehen Tag um Tag, in denen er in absoluter Einsamkeit sein Lebenswerk abbaut. Als er sein Abbild in Form eines übergroßen Pappmachékopfes bearbeitet, ist er verwundert, dass dieser vollkommen hohl ist. Immer mehr gleitet er in Welten ab, die, ausgelöst durch Einzelstücke seiner Arbeit, Auslöser für Prozesse sind, die ihn in Bewegungen und Abläufe bringen. Bis er sich selbst bei dieser Arbeit begegnet. Bis zu Weihnachten ein Wolf vor der Türe steht. Bis ihn die Musik zum Tanzen bringt. Bis er im Sternenhimmel seinen Vater zu erkennen glaubt, und bis er ein Buch findet und beginnt, die Beispielsätze für Französischvokabeln auswendig zu lernen und bald Inhalt auf Umstand trifft. Geräusche, die vom Außen ins Innere dringen, schaffen Vorstellungen von den Umständen im Außen und als es heftig an der Türe klopft, öffnet er nicht. Irgendwann wird er sich fertig fühlen und aus dem Haus hinaustreten und sich in die Bewegungen der Außenwelt eingliedern, noch aber ist es nicht so weit. Die im Museum untergebrachte Musikschule liefert den Soundtrack zu seinem poetischen Selbsterfahrungstrip, der Abbauhilfe durch eine rote Vespa, einem fragwürdigen abgeschlossenen Raum und das Aufessen seiner Kunst, inklusive.

Mit:
MAXIMILIAN ACHATZ

Idee, Regie, Text, Video: ULRICH KAUFMANN

Kostüm & Objekte: MARKUS KUSCHER

Video, grafische Bildbearbeitung, Bühnenbilder: SIGRID FRIEDMANN

Tondesign und Videotechnik: KONRAD ÜBERBACHER

Lichtdesign: BERND ZADOW
Videoaufnahmen für Zuspielungen: ca. 4 Darsteller*innen

Tonaufnahmen für Zuspielungen: 3 bis 4 Musiker*innen 

Büro & Tickets: FRANZ DOLINER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Uraufführung
von Ulrich Kaufmann

eine Produktion des klagenfurter ensemble

Premiere: 9. Dezember 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 11.,12., 16., 17., 18., 19. Dezember - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Maximilian Achatz in ODO (c) Kaufmann

Nach der Finissage seiner großen Retrospektive beginnt der bildende Künstler „Odo“ eigenhändig seine umfangreiche Kunstinstallation abzubauen und braucht dafür ein Jahr. Ein Jahr, in dem er alleine und ohne auf einen anderen Menschen zu treffen im Museum lebt und am Abbau arbeitet. Begleitet wird er dabei nur von den Klängen übender Musikschülerinnen eines irgendwo im Haus untergebrachten Musikschulzimmers. Ein existenzialistisches Monodrama über Inspiration, Reflexion, Einsamkeit und Halluzination. Erfolg, Zweifel, Verletzung, Rausch, Ruhe und der unbändige Lebenswille eines alternden Künstlers, der sich beim Abbau seines Kunstwerkes näher kommt, als es ihm vielleicht recht ist.
Das Theater wird zum Museum. Odo steht mit seiner großen Retrospektive am Zenit seines künstlerischen Schaffens. Nach der überbordenden Rede einer Kunsthistorikerin werden die Gäste zum Verlassen der Museumsräume aufgerufen und nehmen Platz im Zuschauerraum. Die Anerkennung ist groß, doch schließen sich die Türen nach der Finissage, ist er alleine mit sich und seiner Arbeit. In unterschiedlichen emotionalen Zuständen beginnt er diese Arbeit abzubauen und es vergehen Tag um Tag, in denen er in absoluter Einsamkeit sein Lebenswerk abbaut. Als er sein Abbild in Form eines übergroßen Pappmachékopfes bearbeitet, ist er verwundert, dass dieser vollkommen hohl ist. Immer mehr gleitet er in Welten ab, die, ausgelöst durch Einzelstücke seiner Arbeit, Auslöser für Prozesse sind, die ihn in Bewegungen und Abläufe bringen. Bis er sich selbst bei dieser Arbeit begegnet. Bis zu Weihnachten ein Wolf vor der Türe steht. Bis ihn die Musik zum Tanzen bringt. Bis er im Sternenhimmel seinen Vater zu erkennen glaubt, und bis er ein Buch findet und beginnt, die Beispielsätze für Französischvokabeln auswendig zu lernen und bald Inhalt auf Umstand trifft. Geräusche, die vom Außen ins Innere dringen, schaffen Vorstellungen von den Umständen im Außen und als es heftig an der Türe klopft, öffnet er nicht. Irgendwann wird er sich fertig fühlen und aus dem Haus hinaustreten und sich in die Bewegungen der Außenwelt eingliedern, noch aber ist es nicht so weit. Die im Museum untergebrachte Musikschule liefert den Soundtrack zu seinem poetischen Selbsterfahrungstrip, der Abbauhilfe durch eine rote Vespa, einem fragwürdigen abgeschlossenen Raum und das Aufessen seiner Kunst, inklusive.

Mit:
MAXIMILIAN ACHATZ

Idee, Regie, Text, Video: ULRICH KAUFMANN

Kostüm & Objekte: MARKUS KUSCHER

Video, grafische Bildbearbeitung, Bühnenbilder: SIGRID FRIEDMANN

Tondesign und Videotechnik: KONRAD ÜBERBACHER

Lichtdesign: BERND ZADOW
Videoaufnahmen für Zuspielungen: ca. 4 Darsteller*innen

Tonaufnahmen für Zuspielungen: 3 bis 4 Musiker*innen 

Büro & Tickets: FRANZ DOLINER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Uraufführung
von Ulrich Kaufmann

eine Produktion des klagenfurter ensemble

Premiere: 9. Dezember 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 11.,12., 16., 17., 18., 19. Dezember - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Maximilian Achatz in ODO (c) Kaufmann

Nach der Finissage seiner großen Retrospektive beginnt der bildende Künstler „Odo“ eigenhändig seine umfangreiche Kunstinstallation abzubauen und braucht dafür ein Jahr. Ein Jahr, in dem er alleine und ohne auf einen anderen Menschen zu treffen im Museum lebt und am Abbau arbeitet. Begleitet wird er dabei nur von den Klängen übender Musikschülerinnen eines irgendwo im Haus untergebrachten Musikschulzimmers. Ein existenzialistisches Monodrama über Inspiration, Reflexion, Einsamkeit und Halluzination. Erfolg, Zweifel, Verletzung, Rausch, Ruhe und der unbändige Lebenswille eines alternden Künstlers, der sich beim Abbau seines Kunstwerkes näher kommt, als es ihm vielleicht recht ist.
Das Theater wird zum Museum. Odo steht mit seiner großen Retrospektive am Zenit seines künstlerischen Schaffens. Nach der überbordenden Rede einer Kunsthistorikerin werden die Gäste zum Verlassen der Museumsräume aufgerufen und nehmen Platz im Zuschauerraum. Die Anerkennung ist groß, doch schließen sich die Türen nach der Finissage, ist er alleine mit sich und seiner Arbeit. In unterschiedlichen emotionalen Zuständen beginnt er diese Arbeit abzubauen und es vergehen Tag um Tag, in denen er in absoluter Einsamkeit sein Lebenswerk abbaut. Als er sein Abbild in Form eines übergroßen Pappmachékopfes bearbeitet, ist er verwundert, dass dieser vollkommen hohl ist. Immer mehr gleitet er in Welten ab, die, ausgelöst durch Einzelstücke seiner Arbeit, Auslöser für Prozesse sind, die ihn in Bewegungen und Abläufe bringen. Bis er sich selbst bei dieser Arbeit begegnet. Bis zu Weihnachten ein Wolf vor der Türe steht. Bis ihn die Musik zum Tanzen bringt. Bis er im Sternenhimmel seinen Vater zu erkennen glaubt, und bis er ein Buch findet und beginnt, die Beispielsätze für Französischvokabeln auswendig zu lernen und bald Inhalt auf Umstand trifft. Geräusche, die vom Außen ins Innere dringen, schaffen Vorstellungen von den Umständen im Außen und als es heftig an der Türe klopft, öffnet er nicht. Irgendwann wird er sich fertig fühlen und aus dem Haus hinaustreten und sich in die Bewegungen der Außenwelt eingliedern, noch aber ist es nicht so weit. Die im Museum untergebrachte Musikschule liefert den Soundtrack zu seinem poetischen Selbsterfahrungstrip, der Abbauhilfe durch eine rote Vespa, einem fragwürdigen abgeschlossenen Raum und das Aufessen seiner Kunst, inklusive.

Mit:
MAXIMILIAN ACHATZ

Idee, Regie, Text, Video: ULRICH KAUFMANN

Kostüm & Objekte: MARKUS KUSCHER

Video, grafische Bildbearbeitung, Bühnenbilder: SIGRID FRIEDMANN

Tondesign und Videotechnik: KONRAD ÜBERBACHER

Lichtdesign: BERND ZADOW
Videoaufnahmen für Zuspielungen: ca. 4 Darsteller*innen

Tonaufnahmen für Zuspielungen: 3 bis 4 Musiker*innen 

Büro & Tickets: FRANZ DOLINER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Uraufführung
von Ulrich Kaufmann

eine Produktion des klagenfurter ensemble

Premiere: 9. Dezember 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 11.,12., 16., 17., 18., 19. Dezember - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Maximilian Achatz in ODO (c) Kaufmann

Nach der Finissage seiner großen Retrospektive beginnt der bildende Künstler „Odo“ eigenhändig seine umfangreiche Kunstinstallation abzubauen und braucht dafür ein Jahr. Ein Jahr, in dem er alleine und ohne auf einen anderen Menschen zu treffen im Museum lebt und am Abbau arbeitet. Begleitet wird er dabei nur von den Klängen übender Musikschülerinnen eines irgendwo im Haus untergebrachten Musikschulzimmers. Ein existenzialistisches Monodrama über Inspiration, Reflexion, Einsamkeit und Halluzination. Erfolg, Zweifel, Verletzung, Rausch, Ruhe und der unbändige Lebenswille eines alternden Künstlers, der sich beim Abbau seines Kunstwerkes näher kommt, als es ihm vielleicht recht ist.
Das Theater wird zum Museum. Odo steht mit seiner großen Retrospektive am Zenit seines künstlerischen Schaffens. Nach der überbordenden Rede einer Kunsthistorikerin werden die Gäste zum Verlassen der Museumsräume aufgerufen und nehmen Platz im Zuschauerraum. Die Anerkennung ist groß, doch schließen sich die Türen nach der Finissage, ist er alleine mit sich und seiner Arbeit. In unterschiedlichen emotionalen Zuständen beginnt er diese Arbeit abzubauen und es vergehen Tag um Tag, in denen er in absoluter Einsamkeit sein Lebenswerk abbaut. Als er sein Abbild in Form eines übergroßen Pappmachékopfes bearbeitet, ist er verwundert, dass dieser vollkommen hohl ist. Immer mehr gleitet er in Welten ab, die, ausgelöst durch Einzelstücke seiner Arbeit, Auslöser für Prozesse sind, die ihn in Bewegungen und Abläufe bringen. Bis er sich selbst bei dieser Arbeit begegnet. Bis zu Weihnachten ein Wolf vor der Türe steht. Bis ihn die Musik zum Tanzen bringt. Bis er im Sternenhimmel seinen Vater zu erkennen glaubt, und bis er ein Buch findet und beginnt, die Beispielsätze für Französischvokabeln auswendig zu lernen und bald Inhalt auf Umstand trifft. Geräusche, die vom Außen ins Innere dringen, schaffen Vorstellungen von den Umständen im Außen und als es heftig an der Türe klopft, öffnet er nicht. Irgendwann wird er sich fertig fühlen und aus dem Haus hinaustreten und sich in die Bewegungen der Außenwelt eingliedern, noch aber ist es nicht so weit. Die im Museum untergebrachte Musikschule liefert den Soundtrack zu seinem poetischen Selbsterfahrungstrip, der Abbauhilfe durch eine rote Vespa, einem fragwürdigen abgeschlossenen Raum und das Aufessen seiner Kunst, inklusive.

Mit:
MAXIMILIAN ACHATZ

Idee, Regie, Text, Video: ULRICH KAUFMANN

Kostüm & Objekte: MARKUS KUSCHER

Video, grafische Bildbearbeitung, Bühnenbilder: SIGRID FRIEDMANN

Tondesign und Videotechnik: KONRAD ÜBERBACHER

Lichtdesign: BERND ZADOW
Videoaufnahmen für Zuspielungen: ca. 4 Darsteller*innen

Tonaufnahmen für Zuspielungen: 3 bis 4 Musiker*innen 

Büro & Tickets: FRANZ DOLINER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Uraufführung
von Ulrich Kaufmann

eine Produktion des klagenfurter ensemble

Premiere: 9. Dezember 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 11.,12., 16., 17., 18., 19. Dezember - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Maximilian Achatz in ODO (c) Kaufmann

Nach der Finissage seiner großen Retrospektive beginnt der bildende Künstler „Odo“ eigenhändig seine umfangreiche Kunstinstallation abzubauen und braucht dafür ein Jahr. Ein Jahr, in dem er alleine und ohne auf einen anderen Menschen zu treffen im Museum lebt und am Abbau arbeitet. Begleitet wird er dabei nur von den Klängen übender Musikschülerinnen eines irgendwo im Haus untergebrachten Musikschulzimmers. Ein existenzialistisches Monodrama über Inspiration, Reflexion, Einsamkeit und Halluzination. Erfolg, Zweifel, Verletzung, Rausch, Ruhe und der unbändige Lebenswille eines alternden Künstlers, der sich beim Abbau seines Kunstwerkes näher kommt, als es ihm vielleicht recht ist.
Das Theater wird zum Museum. Odo steht mit seiner großen Retrospektive am Zenit seines künstlerischen Schaffens. Nach der überbordenden Rede einer Kunsthistorikerin werden die Gäste zum Verlassen der Museumsräume aufgerufen und nehmen Platz im Zuschauerraum. Die Anerkennung ist groß, doch schließen sich die Türen nach der Finissage, ist er alleine mit sich und seiner Arbeit. In unterschiedlichen emotionalen Zuständen beginnt er diese Arbeit abzubauen und es vergehen Tag um Tag, in denen er in absoluter Einsamkeit sein Lebenswerk abbaut. Als er sein Abbild in Form eines übergroßen Pappmachékopfes bearbeitet, ist er verwundert, dass dieser vollkommen hohl ist. Immer mehr gleitet er in Welten ab, die, ausgelöst durch Einzelstücke seiner Arbeit, Auslöser für Prozesse sind, die ihn in Bewegungen und Abläufe bringen. Bis er sich selbst bei dieser Arbeit begegnet. Bis zu Weihnachten ein Wolf vor der Türe steht. Bis ihn die Musik zum Tanzen bringt. Bis er im Sternenhimmel seinen Vater zu erkennen glaubt, und bis er ein Buch findet und beginnt, die Beispielsätze für Französischvokabeln auswendig zu lernen und bald Inhalt auf Umstand trifft. Geräusche, die vom Außen ins Innere dringen, schaffen Vorstellungen von den Umständen im Außen und als es heftig an der Türe klopft, öffnet er nicht. Irgendwann wird er sich fertig fühlen und aus dem Haus hinaustreten und sich in die Bewegungen der Außenwelt eingliedern, noch aber ist es nicht so weit. Die im Museum untergebrachte Musikschule liefert den Soundtrack zu seinem poetischen Selbsterfahrungstrip, der Abbauhilfe durch eine rote Vespa, einem fragwürdigen abgeschlossenen Raum und das Aufessen seiner Kunst, inklusive.

Mit:
MAXIMILIAN ACHATZ

Idee, Regie, Text, Video: ULRICH KAUFMANN

Kostüm & Objekte: MARKUS KUSCHER

Video, grafische Bildbearbeitung, Bühnenbilder: SIGRID FRIEDMANN

Tondesign und Videotechnik: KONRAD ÜBERBACHER

Lichtdesign: BERND ZADOW
Videoaufnahmen für Zuspielungen: ca. 4 Darsteller*innen

Tonaufnahmen für Zuspielungen: 3 bis 4 Musiker*innen 

Büro & Tickets: FRANZ DOLINER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Uraufführung
von Ulrich Kaufmann

eine Produktion des klagenfurter ensemble

Premiere: 9. Dezember 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 11.,12., 16., 17., 18., 19. Dezember - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Maximilian Achatz in ODO (c) Kaufmann

Nach der Finissage seiner großen Retrospektive beginnt der bildende Künstler „Odo“ eigenhändig seine umfangreiche Kunstinstallation abzubauen und braucht dafür ein Jahr. Ein Jahr, in dem er alleine und ohne auf einen anderen Menschen zu treffen im Museum lebt und am Abbau arbeitet. Begleitet wird er dabei nur von den Klängen übender Musikschülerinnen eines irgendwo im Haus untergebrachten Musikschulzimmers. Ein existenzialistisches Monodrama über Inspiration, Reflexion, Einsamkeit und Halluzination. Erfolg, Zweifel, Verletzung, Rausch, Ruhe und der unbändige Lebenswille eines alternden Künstlers, der sich beim Abbau seines Kunstwerkes näher kommt, als es ihm vielleicht recht ist.
Das Theater wird zum Museum. Odo steht mit seiner großen Retrospektive am Zenit seines künstlerischen Schaffens. Nach der überbordenden Rede einer Kunsthistorikerin werden die Gäste zum Verlassen der Museumsräume aufgerufen und nehmen Platz im Zuschauerraum. Die Anerkennung ist groß, doch schließen sich die Türen nach der Finissage, ist er alleine mit sich und seiner Arbeit. In unterschiedlichen emotionalen Zuständen beginnt er diese Arbeit abzubauen und es vergehen Tag um Tag, in denen er in absoluter Einsamkeit sein Lebenswerk abbaut. Als er sein Abbild in Form eines übergroßen Pappmachékopfes bearbeitet, ist er verwundert, dass dieser vollkommen hohl ist. Immer mehr gleitet er in Welten ab, die, ausgelöst durch Einzelstücke seiner Arbeit, Auslöser für Prozesse sind, die ihn in Bewegungen und Abläufe bringen. Bis er sich selbst bei dieser Arbeit begegnet. Bis zu Weihnachten ein Wolf vor der Türe steht. Bis ihn die Musik zum Tanzen bringt. Bis er im Sternenhimmel seinen Vater zu erkennen glaubt, und bis er ein Buch findet und beginnt, die Beispielsätze für Französischvokabeln auswendig zu lernen und bald Inhalt auf Umstand trifft. Geräusche, die vom Außen ins Innere dringen, schaffen Vorstellungen von den Umständen im Außen und als es heftig an der Türe klopft, öffnet er nicht. Irgendwann wird er sich fertig fühlen und aus dem Haus hinaustreten und sich in die Bewegungen der Außenwelt eingliedern, noch aber ist es nicht so weit. Die im Museum untergebrachte Musikschule liefert den Soundtrack zu seinem poetischen Selbsterfahrungstrip, der Abbauhilfe durch eine rote Vespa, einem fragwürdigen abgeschlossenen Raum und das Aufessen seiner Kunst, inklusive.

Mit:
MAXIMILIAN ACHATZ

Idee, Regie, Text, Video: ULRICH KAUFMANN

Kostüm & Objekte: MARKUS KUSCHER

Video, grafische Bildbearbeitung, Bühnenbilder: SIGRID FRIEDMANN

Tondesign und Videotechnik: KONRAD ÜBERBACHER

Lichtdesign: BERND ZADOW
Videoaufnahmen für Zuspielungen: ca. 4 Darsteller*innen

Tonaufnahmen für Zuspielungen: 3 bis 4 Musiker*innen 

Büro & Tickets: FRANZ DOLINER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER