Siegerstück der österreichischen Theaterallianz 2025

Eine Koproduktion von Theater KOSMOS, Bregenzer Festspiele, klagenfurter ensemble und Schauspielhaus Salzburg im Rahmen der Österreichischen Theaterallianz.

12./14./15. August 20h - Bregenzer Festspiele
KARTEN: www.bregenzerfestspiele.com

17. / 19. / 20. / 26. / 27. September, jeweils 20 Uhr, Sonntagsvorstellungen 17 Uhr
Theater Kosmos, Mariahilfstraße 29, 6900 Bregenz
https://theaterkosmos.at

Drei Frauen aus drei Generationen kommen sich im siebten Stock eines Wohnhauses allmählich näher, als plötzlich seltsame Plagen in ihren Lichthof prasseln. Abgeschnitten von der Außenwelt leeren Ems, Anja und Liselotte Flasche um Flasche und teilen Erinnerungen an Rausch, Beziehungen und Familie. Während die vom ewigen Exzess erschöpfte Göttin Dionysos die Plagen beseitigt, geht den drei Frauen der Alkohol aus und sie fassen einen radikalen Entschluss. – Ein Stück über Abhängigkeiten und die Suche nach einem entpatriarchalisierten Rausch.

mit Claudia Carus, Johanna Hainz, Roswitha Soukup, Lisa Schrammel;

Inszenierung und Bühne | Josef Maria Krasanovsky
Video | Dominika Kalcher
Licht | Stefan Pfeistlinger

(c) Jagoutz

Stück nach Motiven aus Bernardo Bertoluccis gleichnamigen Filmmeisterwerks

Draußen brennt die Welt. Drinnen brennt die Leidenschaft.

Matthew trifft auf die geheimnisvollen Geschwister Isabelle und Theo. Aus einer gemeinsamen Faszination für das Kino wird eine obsessive Dreiecksbeziehung, in der Liebe, Erotik und Wirklichkeit untrennbar miteinander verschmelzen. Während draußen ihre Generation protestiert, verlieren sich die drei immer tiefer in ihrer eigenen Welt.

Inspiriert von Bertoluccis sinnlichem Filmmeisterwerk.

Termine

12., 13., 14., 15., 19., 20., 21. und 22. August 2026, 20 Uhr

Spielort

klagenfurter ensemble, theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt

Kartenreservierung

0660 960 5 912 / jtk@jungestheaterklagenfurt.at (bzw. Kontaktformular)
https://www.jungestheaterklagenfurt.at/produktion/die-traeumer/

Kartenpreise

25 Euro (regulär), 15 Euro (Studierende, Zivil/Präsenzdiener, Menschen mit Behinderung), 12 Euro (Schüler*innen bis 19 Jahre)

Künstlerisches Team  

Regie: Angie Mautz

Schauspiel: Nadine Zeintl, Jakob Benesch, Gabriel Walther,

Mit: Marie Lisa Korb, Julian Lipuš und Chiara Eß

Statisterie: Solea Gallob, Joel Hedenik, Balvrae Jedlitschka, Melissa Jung,
Jonathan Mautz, Lilith Mondschein, Emilia Waczaunek, Elias Martin Zois

Regieassistenz, Bühnenbau: Felix Nadelschmied

Regieassistenz, Bühnenbau:Felix Nagelschmied

Assistenz: Joel Hedenik, Solea Gallob, Elias Zainitzer

Social Media:  Alena Media, Lisa Nölck, Solea Gallob

PR: Nathalie Berge

Produktionsleitung: Alena Media, Kerstin Haslauer

(c) Jagoutz

Stück nach Motiven aus Bernardo Bertoluccis gleichnamigen Filmmeisterwerks

Draußen brennt die Welt. Drinnen brennt die Leidenschaft.

Matthew trifft auf die geheimnisvollen Geschwister Isabelle und Theo. Aus einer gemeinsamen Faszination für das Kino wird eine obsessive Dreiecksbeziehung, in der Liebe, Erotik und Wirklichkeit untrennbar miteinander verschmelzen. Während draußen ihre Generation protestiert, verlieren sich die drei immer tiefer in ihrer eigenen Welt.

Inspiriert von Bertoluccis sinnlichem Filmmeisterwerk.

Termine

12., 13., 14., 15., 19., 20., 21. und 22. August 2026, 20 Uhr

Spielort

klagenfurter ensemble, theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt

Kartenreservierung

0660 960 5 912 / jtk@jungestheaterklagenfurt.at (bzw. Kontaktformular)
https://www.jungestheaterklagenfurt.at/produktion/die-traeumer/

Kartenpreise

25 Euro (regulär), 15 Euro (Studierende, Zivil/Präsenzdiener, Menschen mit Behinderung), 12 Euro (Schüler*innen bis 19 Jahre)

Künstlerisches Team  

Regie: Angie Mautz

Schauspiel: Nadine Zeintl, Jakob Benesch, Gabriel Walther,

Mit: Marie Lisa Korb, Julian Lipuš und Chiara Eß

Statisterie: Solea Gallob, Joel Hedenik, Balvrae Jedlitschka, Melissa Jung,
Jonathan Mautz, Lilith Mondschein, Emilia Waczaunek, Elias Martin Zois

Regieassistenz, Bühnenbau: Felix Nadelschmied

Regieassistenz, Bühnenbau:Felix Nagelschmied

Assistenz: Joel Hedenik, Solea Gallob, Elias Zainitzer

Social Media:  Alena Media, Lisa Nölck, Solea Gallob

PR: Nathalie Berge

Produktionsleitung: Alena Media, Kerstin Haslauer

Siegerstück der österreichischen Theaterallianz 2025

Eine Koproduktion von Theater KOSMOS, Bregenzer Festspiele, klagenfurter ensemble und Schauspielhaus Salzburg im Rahmen der Österreichischen Theaterallianz.

12./14./15. August 20h - Bregenzer Festspiele
KARTEN: www.bregenzerfestspiele.com

17. / 19. / 20. / 26. / 27. September, jeweils 20 Uhr, Sonntagsvorstellungen 17 Uhr
Theater Kosmos, Mariahilfstraße 29, 6900 Bregenz
https://theaterkosmos.at

Drei Frauen aus drei Generationen kommen sich im siebten Stock eines Wohnhauses allmählich näher, als plötzlich seltsame Plagen in ihren Lichthof prasseln. Abgeschnitten von der Außenwelt leeren Ems, Anja und Liselotte Flasche um Flasche und teilen Erinnerungen an Rausch, Beziehungen und Familie. Während die vom ewigen Exzess erschöpfte Göttin Dionysos die Plagen beseitigt, geht den drei Frauen der Alkohol aus und sie fassen einen radikalen Entschluss. – Ein Stück über Abhängigkeiten und die Suche nach einem entpatriarchalisierten Rausch.

mit Claudia Carus, Johanna Hainz, Roswitha Soukup, Lisa Schrammel;

Inszenierung und Bühne | Josef Maria Krasanovsky
Video | Dominika Kalcher
Licht | Stefan Pfeistlinger

(c) Jagoutz

Stück nach Motiven aus Bernardo Bertoluccis gleichnamigen Filmmeisterwerks

Draußen brennt die Welt. Drinnen brennt die Leidenschaft.

Matthew trifft auf die geheimnisvollen Geschwister Isabelle und Theo. Aus einer gemeinsamen Faszination für das Kino wird eine obsessive Dreiecksbeziehung, in der Liebe, Erotik und Wirklichkeit untrennbar miteinander verschmelzen. Während draußen ihre Generation protestiert, verlieren sich die drei immer tiefer in ihrer eigenen Welt.

Inspiriert von Bertoluccis sinnlichem Filmmeisterwerk.

Termine

12., 13., 14., 15., 19., 20., 21. und 22. August 2026, 20 Uhr

Spielort

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Kartenreservierung

0660 960 5 912 / jtk@jungestheaterklagenfurt.at (bzw. Kontaktformular)
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Kartenpreise

25 Euro (regulär), 15 Euro (Studierende, Zivil/Präsenzdiener, Menschen mit Behinderung), 12 Euro (Schüler*innen bis 19 Jahre)

Künstlerisches Team  

Regie: Angie Mautz

Schauspiel: Nadine Zeintl, Jakob Benesch, Gabriel Walther,

Mit: Marie Lisa Korb, Julian Lipuš und Chiara Eß

Statisterie: Solea Gallob, Joel Hedenik, Balvrae Jedlitschka, Melissa Jung,
Jonathan Mautz, Lilith Mondschein, Emilia Waczaunek, Elias Martin Zois

Regieassistenz, Bühnenbau: Felix Nadelschmied

Regieassistenz, Bühnenbau:Felix Nagelschmied

Assistenz: Joel Hedenik, Solea Gallob, Elias Zainitzer

Social Media:  Alena Media, Lisa Nölck, Solea Gallob

PR: Nathalie Berge

Produktionsleitung: Alena Media, Kerstin Haslauer

Siegerstück der österreichischen Theaterallianz 2025

Eine Koproduktion von Theater KOSMOS, Bregenzer Festspiele, klagenfurter ensemble und Schauspielhaus Salzburg im Rahmen der Österreichischen Theaterallianz.

12./14./15. August 20h - Bregenzer Festspiele
KARTEN: www.bregenzerfestspiele.com

17. / 19. / 20. / 26. / 27. September, jeweils 20 Uhr, Sonntagsvorstellungen 17 Uhr
Theater Kosmos, Mariahilfstraße 29, 6900 Bregenz
https://theaterkosmos.at

Drei Frauen aus drei Generationen kommen sich im siebten Stock eines Wohnhauses allmählich näher, als plötzlich seltsame Plagen in ihren Lichthof prasseln. Abgeschnitten von der Außenwelt leeren Ems, Anja und Liselotte Flasche um Flasche und teilen Erinnerungen an Rausch, Beziehungen und Familie. Während die vom ewigen Exzess erschöpfte Göttin Dionysos die Plagen beseitigt, geht den drei Frauen der Alkohol aus und sie fassen einen radikalen Entschluss. – Ein Stück über Abhängigkeiten und die Suche nach einem entpatriarchalisierten Rausch.

mit Claudia Carus, Johanna Hainz, Roswitha Soukup, Lisa Schrammel;

Inszenierung und Bühne | Josef Maria Krasanovsky
Video | Dominika Kalcher
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Stück nach Motiven aus Bernardo Bertoluccis gleichnamigen Filmmeisterwerks

Draußen brennt die Welt. Drinnen brennt die Leidenschaft.

Matthew trifft auf die geheimnisvollen Geschwister Isabelle und Theo. Aus einer gemeinsamen Faszination für das Kino wird eine obsessive Dreiecksbeziehung, in der Liebe, Erotik und Wirklichkeit untrennbar miteinander verschmelzen. Während draußen ihre Generation protestiert, verlieren sich die drei immer tiefer in ihrer eigenen Welt.

Inspiriert von Bertoluccis sinnlichem Filmmeisterwerk.

Termine

12., 13., 14., 15., 19., 20., 21. und 22. August 2026, 20 Uhr

Spielort

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Kartenreservierung

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Künstlerisches Team  

Regie: Angie Mautz

Schauspiel: Nadine Zeintl, Jakob Benesch, Gabriel Walther,

Mit: Marie Lisa Korb, Julian Lipuš und Chiara Eß

Statisterie: Solea Gallob, Joel Hedenik, Balvrae Jedlitschka, Melissa Jung,
Jonathan Mautz, Lilith Mondschein, Emilia Waczaunek, Elias Martin Zois

Regieassistenz, Bühnenbau: Felix Nadelschmied

Regieassistenz, Bühnenbau:Felix Nagelschmied

Assistenz: Joel Hedenik, Solea Gallob, Elias Zainitzer

Social Media:  Alena Media, Lisa Nölck, Solea Gallob

PR: Nathalie Berge

Produktionsleitung: Alena Media, Kerstin Haslauer

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Stück nach Motiven aus Bernardo Bertoluccis gleichnamigen Filmmeisterwerks

Draußen brennt die Welt. Drinnen brennt die Leidenschaft.

Matthew trifft auf die geheimnisvollen Geschwister Isabelle und Theo. Aus einer gemeinsamen Faszination für das Kino wird eine obsessive Dreiecksbeziehung, in der Liebe, Erotik und Wirklichkeit untrennbar miteinander verschmelzen. Während draußen ihre Generation protestiert, verlieren sich die drei immer tiefer in ihrer eigenen Welt.

Inspiriert von Bertoluccis sinnlichem Filmmeisterwerk.

Termine

12., 13., 14., 15., 19., 20., 21. und 22. August 2026, 20 Uhr

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Kartenreservierung

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25 Euro (regulär), 15 Euro (Studierende, Zivil/Präsenzdiener, Menschen mit Behinderung), 12 Euro (Schüler*innen bis 19 Jahre)

Künstlerisches Team  

Regie: Angie Mautz

Schauspiel: Nadine Zeintl, Jakob Benesch, Gabriel Walther,

Mit: Marie Lisa Korb, Julian Lipuš und Chiara Eß

Statisterie: Solea Gallob, Joel Hedenik, Balvrae Jedlitschka, Melissa Jung,
Jonathan Mautz, Lilith Mondschein, Emilia Waczaunek, Elias Martin Zois

Regieassistenz, Bühnenbau: Felix Nadelschmied

Regieassistenz, Bühnenbau:Felix Nagelschmied

Assistenz: Joel Hedenik, Solea Gallob, Elias Zainitzer

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PR: Nathalie Berge

Produktionsleitung: Alena Media, Kerstin Haslauer

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Stück nach Motiven aus Bernardo Bertoluccis gleichnamigen Filmmeisterwerks

Draußen brennt die Welt. Drinnen brennt die Leidenschaft.

Matthew trifft auf die geheimnisvollen Geschwister Isabelle und Theo. Aus einer gemeinsamen Faszination für das Kino wird eine obsessive Dreiecksbeziehung, in der Liebe, Erotik und Wirklichkeit untrennbar miteinander verschmelzen. Während draußen ihre Generation protestiert, verlieren sich die drei immer tiefer in ihrer eigenen Welt.

Inspiriert von Bertoluccis sinnlichem Filmmeisterwerk.

Termine

12., 13., 14., 15., 19., 20., 21. und 22. August 2026, 20 Uhr

Spielort

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Kartenreservierung

0660 960 5 912 / jtk@jungestheaterklagenfurt.at (bzw. Kontaktformular)
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Kartenpreise

25 Euro (regulär), 15 Euro (Studierende, Zivil/Präsenzdiener, Menschen mit Behinderung), 12 Euro (Schüler*innen bis 19 Jahre)

Künstlerisches Team  

Regie: Angie Mautz

Schauspiel: Nadine Zeintl, Jakob Benesch, Gabriel Walther,

Mit: Marie Lisa Korb, Julian Lipuš und Chiara Eß

Statisterie: Solea Gallob, Joel Hedenik, Balvrae Jedlitschka, Melissa Jung,
Jonathan Mautz, Lilith Mondschein, Emilia Waczaunek, Elias Martin Zois

Regieassistenz, Bühnenbau: Felix Nadelschmied

Regieassistenz, Bühnenbau:Felix Nagelschmied

Assistenz: Joel Hedenik, Solea Gallob, Elias Zainitzer

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PR: Nathalie Berge

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(c) Jagoutz

Stück nach Motiven aus Bernardo Bertoluccis gleichnamigen Filmmeisterwerks

Draußen brennt die Welt. Drinnen brennt die Leidenschaft.

Matthew trifft auf die geheimnisvollen Geschwister Isabelle und Theo. Aus einer gemeinsamen Faszination für das Kino wird eine obsessive Dreiecksbeziehung, in der Liebe, Erotik und Wirklichkeit untrennbar miteinander verschmelzen. Während draußen ihre Generation protestiert, verlieren sich die drei immer tiefer in ihrer eigenen Welt.

Inspiriert von Bertoluccis sinnlichem Filmmeisterwerk.

Termine

12., 13., 14., 15., 19., 20., 21. und 22. August 2026, 20 Uhr

Spielort

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Kartenreservierung

0660 960 5 912 / jtk@jungestheaterklagenfurt.at (bzw. Kontaktformular)
https://www.jungestheaterklagenfurt.at/produktion/die-traeumer/

Kartenpreise

25 Euro (regulär), 15 Euro (Studierende, Zivil/Präsenzdiener, Menschen mit Behinderung), 12 Euro (Schüler*innen bis 19 Jahre)

Künstlerisches Team  

Regie: Angie Mautz

Schauspiel: Nadine Zeintl, Jakob Benesch, Gabriel Walther,

Mit: Marie Lisa Korb, Julian Lipuš und Chiara Eß

Statisterie: Solea Gallob, Joel Hedenik, Balvrae Jedlitschka, Melissa Jung,
Jonathan Mautz, Lilith Mondschein, Emilia Waczaunek, Elias Martin Zois

Regieassistenz, Bühnenbau: Felix Nadelschmied

Regieassistenz, Bühnenbau:Felix Nagelschmied

Assistenz: Joel Hedenik, Solea Gallob, Elias Zainitzer

Social Media:  Alena Media, Lisa Nölck, Solea Gallob

PR: Nathalie Berge

Produktionsleitung: Alena Media, Kerstin Haslauer

(c) Jagoutz

Stück nach Motiven aus Bernardo Bertoluccis gleichnamigen Filmmeisterwerks

Draußen brennt die Welt. Drinnen brennt die Leidenschaft.

Matthew trifft auf die geheimnisvollen Geschwister Isabelle und Theo. Aus einer gemeinsamen Faszination für das Kino wird eine obsessive Dreiecksbeziehung, in der Liebe, Erotik und Wirklichkeit untrennbar miteinander verschmelzen. Während draußen ihre Generation protestiert, verlieren sich die drei immer tiefer in ihrer eigenen Welt.

Inspiriert von Bertoluccis sinnlichem Filmmeisterwerk.

Termine

12., 13., 14., 15., 19., 20., 21. und 22. August 2026, 20 Uhr

Spielort

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Kartenpreise

25 Euro (regulär), 15 Euro (Studierende, Zivil/Präsenzdiener, Menschen mit Behinderung), 12 Euro (Schüler*innen bis 19 Jahre)

Künstlerisches Team  

Regie: Angie Mautz

Schauspiel: Nadine Zeintl, Jakob Benesch, Gabriel Walther,

Mit: Marie Lisa Korb, Julian Lipuš und Chiara Eß

Statisterie: Solea Gallob, Joel Hedenik, Balvrae Jedlitschka, Melissa Jung,
Jonathan Mautz, Lilith Mondschein, Emilia Waczaunek, Elias Martin Zois

Regieassistenz, Bühnenbau: Felix Nadelschmied

Regieassistenz, Bühnenbau:Felix Nagelschmied

Assistenz: Joel Hedenik, Solea Gallob, Elias Zainitzer

Social Media:  Alena Media, Lisa Nölck, Solea Gallob

PR: Nathalie Berge

Produktionsleitung: Alena Media, Kerstin Haslauer

Siegerstück der österreichischen Theaterallianz 2025

Eine Koproduktion von Theater KOSMOS, Bregenzer Festspiele, klagenfurter ensemble und Schauspielhaus Salzburg im Rahmen der Österreichischen Theaterallianz.

12./14./15. August 20h - Bregenzer Festspiele
KARTEN: www.bregenzerfestspiele.com

17. / 19. / 20. / 26. / 27. September, jeweils 20 Uhr, Sonntagsvorstellungen 17 Uhr
Theater Kosmos, Mariahilfstraße 29, 6900 Bregenz
https://theaterkosmos.at

Drei Frauen aus drei Generationen kommen sich im siebten Stock eines Wohnhauses allmählich näher, als plötzlich seltsame Plagen in ihren Lichthof prasseln. Abgeschnitten von der Außenwelt leeren Ems, Anja und Liselotte Flasche um Flasche und teilen Erinnerungen an Rausch, Beziehungen und Familie. Während die vom ewigen Exzess erschöpfte Göttin Dionysos die Plagen beseitigt, geht den drei Frauen der Alkohol aus und sie fassen einen radikalen Entschluss. – Ein Stück über Abhängigkeiten und die Suche nach einem entpatriarchalisierten Rausch.

mit Claudia Carus, Johanna Hainz, Roswitha Soukup, Lisa Schrammel;

Inszenierung und Bühne | Josef Maria Krasanovsky
Video | Dominika Kalcher
Licht | Stefan Pfeistlinger

Siegerstück der österreichischen Theaterallianz 2025

Eine Koproduktion von Theater KOSMOS, Bregenzer Festspiele, klagenfurter ensemble und Schauspielhaus Salzburg im Rahmen der Österreichischen Theaterallianz.

12./14./15. August 20h - Bregenzer Festspiele
KARTEN: www.bregenzerfestspiele.com

17. / 19. / 20. / 26. / 27. September, jeweils 20 Uhr, Sonntagsvorstellungen 17 Uhr
Theater Kosmos, Mariahilfstraße 29, 6900 Bregenz
https://theaterkosmos.at

Drei Frauen aus drei Generationen kommen sich im siebten Stock eines Wohnhauses allmählich näher, als plötzlich seltsame Plagen in ihren Lichthof prasseln. Abgeschnitten von der Außenwelt leeren Ems, Anja und Liselotte Flasche um Flasche und teilen Erinnerungen an Rausch, Beziehungen und Familie. Während die vom ewigen Exzess erschöpfte Göttin Dionysos die Plagen beseitigt, geht den drei Frauen der Alkohol aus und sie fassen einen radikalen Entschluss. – Ein Stück über Abhängigkeiten und die Suche nach einem entpatriarchalisierten Rausch.

mit Claudia Carus, Johanna Hainz, Roswitha Soukup, Lisa Schrammel;

Inszenierung und Bühne | Josef Maria Krasanovsky
Video | Dominika Kalcher
Licht | Stefan Pfeistlinger

Siegerstück der österreichischen Theaterallianz 2025

Eine Koproduktion von Theater KOSMOS, Bregenzer Festspiele, klagenfurter ensemble und Schauspielhaus Salzburg im Rahmen der Österreichischen Theaterallianz.

12./14./15. August 20h - Bregenzer Festspiele
KARTEN: www.bregenzerfestspiele.com

17. / 19. / 20. / 26. / 27. September, jeweils 20 Uhr, Sonntagsvorstellungen 17 Uhr
Theater Kosmos, Mariahilfstraße 29, 6900 Bregenz
https://theaterkosmos.at

Drei Frauen aus drei Generationen kommen sich im siebten Stock eines Wohnhauses allmählich näher, als plötzlich seltsame Plagen in ihren Lichthof prasseln. Abgeschnitten von der Außenwelt leeren Ems, Anja und Liselotte Flasche um Flasche und teilen Erinnerungen an Rausch, Beziehungen und Familie. Während die vom ewigen Exzess erschöpfte Göttin Dionysos die Plagen beseitigt, geht den drei Frauen der Alkohol aus und sie fassen einen radikalen Entschluss. – Ein Stück über Abhängigkeiten und die Suche nach einem entpatriarchalisierten Rausch.

mit Claudia Carus, Johanna Hainz, Roswitha Soukup, Lisa Schrammel;

Inszenierung und Bühne | Josef Maria Krasanovsky
Video | Dominika Kalcher
Licht | Stefan Pfeistlinger

Siegerstück der österreichischen Theaterallianz 2025

Eine Koproduktion von Theater KOSMOS, Bregenzer Festspiele, klagenfurter ensemble und Schauspielhaus Salzburg im Rahmen der Österreichischen Theaterallianz.

12./14./15. August 20h - Bregenzer Festspiele
KARTEN: www.bregenzerfestspiele.com

17. / 19. / 20. / 26. / 27. September, jeweils 20 Uhr, Sonntagsvorstellungen 17 Uhr
Theater Kosmos, Mariahilfstraße 29, 6900 Bregenz
https://theaterkosmos.at

Drei Frauen aus drei Generationen kommen sich im siebten Stock eines Wohnhauses allmählich näher, als plötzlich seltsame Plagen in ihren Lichthof prasseln. Abgeschnitten von der Außenwelt leeren Ems, Anja und Liselotte Flasche um Flasche und teilen Erinnerungen an Rausch, Beziehungen und Familie. Während die vom ewigen Exzess erschöpfte Göttin Dionysos die Plagen beseitigt, geht den drei Frauen der Alkohol aus und sie fassen einen radikalen Entschluss. – Ein Stück über Abhängigkeiten und die Suche nach einem entpatriarchalisierten Rausch.

mit Claudia Carus, Johanna Hainz, Roswitha Soukup, Lisa Schrammel;

Inszenierung und Bühne | Josef Maria Krasanovsky
Video | Dominika Kalcher
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Siegerstück der österreichischen Theaterallianz 2025

Eine Koproduktion von Theater KOSMOS, Bregenzer Festspiele, klagenfurter ensemble und Schauspielhaus Salzburg im Rahmen der Österreichischen Theaterallianz.

12./14./15. August 20h - Bregenzer Festspiele
KARTEN: www.bregenzerfestspiele.com

17. / 19. / 20. / 26. / 27. September, jeweils 20 Uhr, Sonntagsvorstellungen 17 Uhr
Theater Kosmos, Mariahilfstraße 29, 6900 Bregenz
https://theaterkosmos.at

Drei Frauen aus drei Generationen kommen sich im siebten Stock eines Wohnhauses allmählich näher, als plötzlich seltsame Plagen in ihren Lichthof prasseln. Abgeschnitten von der Außenwelt leeren Ems, Anja und Liselotte Flasche um Flasche und teilen Erinnerungen an Rausch, Beziehungen und Familie. Während die vom ewigen Exzess erschöpfte Göttin Dionysos die Plagen beseitigt, geht den drei Frauen der Alkohol aus und sie fassen einen radikalen Entschluss. – Ein Stück über Abhängigkeiten und die Suche nach einem entpatriarchalisierten Rausch.

mit Claudia Carus, Johanna Hainz, Roswitha Soukup, Lisa Schrammel;

Inszenierung und Bühne | Josef Maria Krasanovsky
Video | Dominika Kalcher
Licht | Stefan Pfeistlinger

Tangooper von Astor Piazzolla
Libretto: Horacio Ferrer

Regie: PETER WAGNER
Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit dem Jungen Theater Klagenfurt

Premiere: 30. September 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 2., 3., 7., 8., 9., 10., 21., 22., 23., 24. Oktober - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at
Kartenpreise: € 40.- normal, € 25.- ermäßigt

Astor Piazzola (um ca. 1950) - Fotograf*in unbekannt

„Der Tango ist ein trauriger Gedanke, den man tanzen kann“ – das hat der argentinische Komponist Enrique Santos Discépolo gesagt. Die Tango-Oper „María de Buenos Aires“ seines Landsmanns Astor Piazzolla ist voll von traurigen Gedanken. Sie erzählt die Geschichte von Leben und Tod Marías, die als Glückssucherin aus einem Vorort von Buenos Aires kommt, dort in einem Arbeiterviertel stirbt und zum Mythos wird. 

Tango – das klingt erst einmal nach Tanzkurs und Fernweh, nach ein bisschen verruchter Erotik und nach sehr beweglichen Beinen. Damit konnte Astor Piazzolla, der Komponist der von ihm so bezeichneten Operita, gar nichts anfangen. Im Gegenteil: Er hat die „María de Buenos Aires“ an seinen Ursprungsort zurückgebracht – in die Welt der Bettler, Zuhälter und Obdachlosen. Seltsame Gestalten bevölkern die Bühne – auffallend kostümierte Nachtschattengewächse mit Gesichtsmasken und exotischem Kopfputz (Kostüme und Masken: Markus Kuscher), (Traum)Tänzerinnen und (Traum)Tänzer, die aber mehr sind als das, nämlich auch Harlekine, Marionetten, Engel, Affen, der Tod.

Die surrealistische Poesie des uruguayischen Dichters Horacio Ferrer, den sich Piazzolla gewünscht hatte, hat schon das Publikum vor knapp sechs Jahrzehnten heillos überfordert. Und doch wird sie durch die Musik, ihre Melancholie und ihr überbordendes Temperament der Rezeption des Publikums verständlich in ihrer eigenen Art, Empfindungen auszulösen, Empathien zu befördern und die Verve der Musik mit ihren hochpoetischen Texten sozusagen durch den eigenen Körper fließen zu lassen. Selbstverständlich wird diesem Publikum auch eine Art Übersetzungshilfe durch in die Szenerie eingeblendete Inserts des Textes geliefert. Sie sind aber nicht unbedingt Vorbedingung für das Verständnis dieses Werk, wie dies bei anderen Opern durchaus der Fall ist.

Die Inszenierung stellt sich dem dunklen Glanz der Oper in vorherrschend sparsamer Ausleuchtung. Differenzierende Akzente in Spiel und musikalische Pointiertheit sind ihr Elixier, zumal ein Theaterhaus der lokalen wie finanziellen Größe des klagenfurter ensemble nicht mit Kohorten an Darsteller:innen, Tänzer:innen und Materialien klotzen kann. Dennoch wird man nichts an Opulenz, wie sie sich primär in der Musik, aber auch in der Bühnenchoreografie äußert, vermissen.

Zu den Mitteln der Inszenierung wäre grob zu sagen, dass sie sich – neben den live vorhandenen Protagonist:innen, also María, den Geist und einen Bariton in verschiedenen Rollen – zusätzlich voraufgezeichneter Videopassagen, eines Reigens von Fotoportraits aus den letzten Jahrzehnten der Darstellerin der María, Irene Coticchio, sowie der Bewegungs- und Tanzchoreografie eines nonverbalen, professionellen Tänzers bedient. Dazu stößt ein eigener Bühnenkörper, der aus vorwiegend jugendlichen, aber auch erwachsenen Darsteller:innen des Amateurtheaterbereichs besteht. Sie agieren vornehmlich hinter Masken als anonyme Zuträger für ein Spiel um Leidenschaft und Irritation, Hingabe und Widerstand, Trauer und doch auch unverhohlener Lebensfreude. 

Das musikalische Ensemble unter der Leitung von Davorin Mori, bestehend aus fünf Musikern (Arrangement: Ferry Janoska), erfüllt einerseits den Part der instrumental-musikalischen Umsetzung, ist aber in seinem sichtbaren Vorhandensein auf der Bühne auch gezielt Mitwirkender sowohl in der sprachlich-akustischen, als auch der optischen Aufbereitung der Erzählung von Horacio Ferrer und Astor Piazzolla. So übernimmt es beispielsweise auch den Part der chorischen Männerstimmen oder – wie im Fall des Bandoneons – auch direkt szenisch-darstellerische Funktionen. Die weiblichen Chorpassagen werden in Form von voraufgenommenen Einspielungen in das musikalische Gesamtgefüge integriert. 

Die Inszenierung von „María de Buenos Aires“ im klagenfurter ensemble 2026 versteht sich somit nicht nur als künstlerischer, sondern in gewisser Weise auch soziologischer, wenn nicht gar pädagogischer Akt: Junge Menschen werden in den aktiv von ihnen mitgestalteten Sog eines schillernden Beispiels des modernen Theater- und Opernrepertoires gezogen und bekommen dadurch die Möglichkeit, neben Bühnenerfahrung auch einen Ausblick auf ein mögliches Leben abseits von TikTok zu lukrieren.

Mit: IRENE COTICCHIO, LUIS HERNÁNDEZ-LUQUE, MARKUS SCHÖTTL

Regie und Bühne: PETER WAGNER

Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY
MATJAŽ ANTONČIČ
MATJAŽ BALAŽIC
TIMI KRAJNC
STAŠ ČAKŠ
VOJKO VEŠLIGAJ
DAVORIN MORI

Kostüm: MARKUS KUSCHER
Licht- & Tondesign: N.N., KONRAD ÜBERBACHER
Regieassistenz: KERSTIN HASLAUER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Tangooper von Astor Piazzolla
Libretto: Horacio Ferrer

Regie: PETER WAGNER
Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit dem Jungen Theater Klagenfurt

Premiere: 30. September 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 2., 3., 7., 8., 9., 10., 21., 22., 23., 24. Oktober - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at
Kartenpreise: € 40.- normal, € 25.- ermäßigt

Astor Piazzola (um ca. 1950) - Fotograf*in unbekannt

„Der Tango ist ein trauriger Gedanke, den man tanzen kann“ – das hat der argentinische Komponist Enrique Santos Discépolo gesagt. Die Tango-Oper „María de Buenos Aires“ seines Landsmanns Astor Piazzolla ist voll von traurigen Gedanken. Sie erzählt die Geschichte von Leben und Tod Marías, die als Glückssucherin aus einem Vorort von Buenos Aires kommt, dort in einem Arbeiterviertel stirbt und zum Mythos wird. 

Tango – das klingt erst einmal nach Tanzkurs und Fernweh, nach ein bisschen verruchter Erotik und nach sehr beweglichen Beinen. Damit konnte Astor Piazzolla, der Komponist der von ihm so bezeichneten Operita, gar nichts anfangen. Im Gegenteil: Er hat die „María de Buenos Aires“ an seinen Ursprungsort zurückgebracht – in die Welt der Bettler, Zuhälter und Obdachlosen. Seltsame Gestalten bevölkern die Bühne – auffallend kostümierte Nachtschattengewächse mit Gesichtsmasken und exotischem Kopfputz (Kostüme und Masken: Markus Kuscher), (Traum)Tänzerinnen und (Traum)Tänzer, die aber mehr sind als das, nämlich auch Harlekine, Marionetten, Engel, Affen, der Tod.

Die surrealistische Poesie des uruguayischen Dichters Horacio Ferrer, den sich Piazzolla gewünscht hatte, hat schon das Publikum vor knapp sechs Jahrzehnten heillos überfordert. Und doch wird sie durch die Musik, ihre Melancholie und ihr überbordendes Temperament der Rezeption des Publikums verständlich in ihrer eigenen Art, Empfindungen auszulösen, Empathien zu befördern und die Verve der Musik mit ihren hochpoetischen Texten sozusagen durch den eigenen Körper fließen zu lassen. Selbstverständlich wird diesem Publikum auch eine Art Übersetzungshilfe durch in die Szenerie eingeblendete Inserts des Textes geliefert. Sie sind aber nicht unbedingt Vorbedingung für das Verständnis dieses Werk, wie dies bei anderen Opern durchaus der Fall ist.

Die Inszenierung stellt sich dem dunklen Glanz der Oper in vorherrschend sparsamer Ausleuchtung. Differenzierende Akzente in Spiel und musikalische Pointiertheit sind ihr Elixier, zumal ein Theaterhaus der lokalen wie finanziellen Größe des klagenfurter ensemble nicht mit Kohorten an Darsteller:innen, Tänzer:innen und Materialien klotzen kann. Dennoch wird man nichts an Opulenz, wie sie sich primär in der Musik, aber auch in der Bühnenchoreografie äußert, vermissen.

Zu den Mitteln der Inszenierung wäre grob zu sagen, dass sie sich – neben den live vorhandenen Protagonist:innen, also María, den Geist und einen Bariton in verschiedenen Rollen – zusätzlich voraufgezeichneter Videopassagen, eines Reigens von Fotoportraits aus den letzten Jahrzehnten der Darstellerin der María, Irene Coticchio, sowie der Bewegungs- und Tanzchoreografie eines nonverbalen, professionellen Tänzers bedient. Dazu stößt ein eigener Bühnenkörper, der aus vorwiegend jugendlichen, aber auch erwachsenen Darsteller:innen des Amateurtheaterbereichs besteht. Sie agieren vornehmlich hinter Masken als anonyme Zuträger für ein Spiel um Leidenschaft und Irritation, Hingabe und Widerstand, Trauer und doch auch unverhohlener Lebensfreude. 

Das musikalische Ensemble unter der Leitung von Davorin Mori, bestehend aus fünf Musikern (Arrangement: Ferry Janoska), erfüllt einerseits den Part der instrumental-musikalischen Umsetzung, ist aber in seinem sichtbaren Vorhandensein auf der Bühne auch gezielt Mitwirkender sowohl in der sprachlich-akustischen, als auch der optischen Aufbereitung der Erzählung von Horacio Ferrer und Astor Piazzolla. So übernimmt es beispielsweise auch den Part der chorischen Männerstimmen oder – wie im Fall des Bandoneons – auch direkt szenisch-darstellerische Funktionen. Die weiblichen Chorpassagen werden in Form von voraufgenommenen Einspielungen in das musikalische Gesamtgefüge integriert. 

Die Inszenierung von „María de Buenos Aires“ im klagenfurter ensemble 2026 versteht sich somit nicht nur als künstlerischer, sondern in gewisser Weise auch soziologischer, wenn nicht gar pädagogischer Akt: Junge Menschen werden in den aktiv von ihnen mitgestalteten Sog eines schillernden Beispiels des modernen Theater- und Opernrepertoires gezogen und bekommen dadurch die Möglichkeit, neben Bühnenerfahrung auch einen Ausblick auf ein mögliches Leben abseits von TikTok zu lukrieren.

Mit: IRENE COTICCHIO, LUIS HERNÁNDEZ-LUQUE, MARKUS SCHÖTTL

Regie und Bühne: PETER WAGNER

Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY
MATJAŽ ANTONČIČ
MATJAŽ BALAŽIC
TIMI KRAJNC
STAŠ ČAKŠ
VOJKO VEŠLIGAJ
DAVORIN MORI

Kostüm: MARKUS KUSCHER
Licht- & Tondesign: N.N., KONRAD ÜBERBACHER
Regieassistenz: KERSTIN HASLAUER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Tangooper von Astor Piazzolla
Libretto: Horacio Ferrer

Regie: PETER WAGNER
Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit dem Jungen Theater Klagenfurt

Premiere: 30. September 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 2., 3., 7., 8., 9., 10., 21., 22., 23., 24. Oktober - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at
Kartenpreise: € 40.- normal, € 25.- ermäßigt

Astor Piazzola (um ca. 1950) - Fotograf*in unbekannt

„Der Tango ist ein trauriger Gedanke, den man tanzen kann“ – das hat der argentinische Komponist Enrique Santos Discépolo gesagt. Die Tango-Oper „María de Buenos Aires“ seines Landsmanns Astor Piazzolla ist voll von traurigen Gedanken. Sie erzählt die Geschichte von Leben und Tod Marías, die als Glückssucherin aus einem Vorort von Buenos Aires kommt, dort in einem Arbeiterviertel stirbt und zum Mythos wird. 

Tango – das klingt erst einmal nach Tanzkurs und Fernweh, nach ein bisschen verruchter Erotik und nach sehr beweglichen Beinen. Damit konnte Astor Piazzolla, der Komponist der von ihm so bezeichneten Operita, gar nichts anfangen. Im Gegenteil: Er hat die „María de Buenos Aires“ an seinen Ursprungsort zurückgebracht – in die Welt der Bettler, Zuhälter und Obdachlosen. Seltsame Gestalten bevölkern die Bühne – auffallend kostümierte Nachtschattengewächse mit Gesichtsmasken und exotischem Kopfputz (Kostüme und Masken: Markus Kuscher), (Traum)Tänzerinnen und (Traum)Tänzer, die aber mehr sind als das, nämlich auch Harlekine, Marionetten, Engel, Affen, der Tod.

Die surrealistische Poesie des uruguayischen Dichters Horacio Ferrer, den sich Piazzolla gewünscht hatte, hat schon das Publikum vor knapp sechs Jahrzehnten heillos überfordert. Und doch wird sie durch die Musik, ihre Melancholie und ihr überbordendes Temperament der Rezeption des Publikums verständlich in ihrer eigenen Art, Empfindungen auszulösen, Empathien zu befördern und die Verve der Musik mit ihren hochpoetischen Texten sozusagen durch den eigenen Körper fließen zu lassen. Selbstverständlich wird diesem Publikum auch eine Art Übersetzungshilfe durch in die Szenerie eingeblendete Inserts des Textes geliefert. Sie sind aber nicht unbedingt Vorbedingung für das Verständnis dieses Werk, wie dies bei anderen Opern durchaus der Fall ist.

Die Inszenierung stellt sich dem dunklen Glanz der Oper in vorherrschend sparsamer Ausleuchtung. Differenzierende Akzente in Spiel und musikalische Pointiertheit sind ihr Elixier, zumal ein Theaterhaus der lokalen wie finanziellen Größe des klagenfurter ensemble nicht mit Kohorten an Darsteller:innen, Tänzer:innen und Materialien klotzen kann. Dennoch wird man nichts an Opulenz, wie sie sich primär in der Musik, aber auch in der Bühnenchoreografie äußert, vermissen.

Zu den Mitteln der Inszenierung wäre grob zu sagen, dass sie sich – neben den live vorhandenen Protagonist:innen, also María, den Geist und einen Bariton in verschiedenen Rollen – zusätzlich voraufgezeichneter Videopassagen, eines Reigens von Fotoportraits aus den letzten Jahrzehnten der Darstellerin der María, Irene Coticchio, sowie der Bewegungs- und Tanzchoreografie eines nonverbalen, professionellen Tänzers bedient. Dazu stößt ein eigener Bühnenkörper, der aus vorwiegend jugendlichen, aber auch erwachsenen Darsteller:innen des Amateurtheaterbereichs besteht. Sie agieren vornehmlich hinter Masken als anonyme Zuträger für ein Spiel um Leidenschaft und Irritation, Hingabe und Widerstand, Trauer und doch auch unverhohlener Lebensfreude. 

Das musikalische Ensemble unter der Leitung von Davorin Mori, bestehend aus fünf Musikern (Arrangement: Ferry Janoska), erfüllt einerseits den Part der instrumental-musikalischen Umsetzung, ist aber in seinem sichtbaren Vorhandensein auf der Bühne auch gezielt Mitwirkender sowohl in der sprachlich-akustischen, als auch der optischen Aufbereitung der Erzählung von Horacio Ferrer und Astor Piazzolla. So übernimmt es beispielsweise auch den Part der chorischen Männerstimmen oder – wie im Fall des Bandoneons – auch direkt szenisch-darstellerische Funktionen. Die weiblichen Chorpassagen werden in Form von voraufgenommenen Einspielungen in das musikalische Gesamtgefüge integriert. 

Die Inszenierung von „María de Buenos Aires“ im klagenfurter ensemble 2026 versteht sich somit nicht nur als künstlerischer, sondern in gewisser Weise auch soziologischer, wenn nicht gar pädagogischer Akt: Junge Menschen werden in den aktiv von ihnen mitgestalteten Sog eines schillernden Beispiels des modernen Theater- und Opernrepertoires gezogen und bekommen dadurch die Möglichkeit, neben Bühnenerfahrung auch einen Ausblick auf ein mögliches Leben abseits von TikTok zu lukrieren.

Mit: IRENE COTICCHIO, LUIS HERNÁNDEZ-LUQUE, MARKUS SCHÖTTL

Regie und Bühne: PETER WAGNER

Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY
MATJAŽ ANTONČIČ
MATJAŽ BALAŽIC
TIMI KRAJNC
STAŠ ČAKŠ
VOJKO VEŠLIGAJ
DAVORIN MORI

Kostüm: MARKUS KUSCHER
Licht- & Tondesign: N.N., KONRAD ÜBERBACHER
Regieassistenz: KERSTIN HASLAUER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Tangooper von Astor Piazzolla
Libretto: Horacio Ferrer

Regie: PETER WAGNER
Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit dem Jungen Theater Klagenfurt

Premiere: 30. September 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 2., 3., 7., 8., 9., 10., 21., 22., 23., 24. Oktober - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at
Kartenpreise: € 40.- normal, € 25.- ermäßigt

Astor Piazzola (um ca. 1950) - Fotograf*in unbekannt

„Der Tango ist ein trauriger Gedanke, den man tanzen kann“ – das hat der argentinische Komponist Enrique Santos Discépolo gesagt. Die Tango-Oper „María de Buenos Aires“ seines Landsmanns Astor Piazzolla ist voll von traurigen Gedanken. Sie erzählt die Geschichte von Leben und Tod Marías, die als Glückssucherin aus einem Vorort von Buenos Aires kommt, dort in einem Arbeiterviertel stirbt und zum Mythos wird. 

Tango – das klingt erst einmal nach Tanzkurs und Fernweh, nach ein bisschen verruchter Erotik und nach sehr beweglichen Beinen. Damit konnte Astor Piazzolla, der Komponist der von ihm so bezeichneten Operita, gar nichts anfangen. Im Gegenteil: Er hat die „María de Buenos Aires“ an seinen Ursprungsort zurückgebracht – in die Welt der Bettler, Zuhälter und Obdachlosen. Seltsame Gestalten bevölkern die Bühne – auffallend kostümierte Nachtschattengewächse mit Gesichtsmasken und exotischem Kopfputz (Kostüme und Masken: Markus Kuscher), (Traum)Tänzerinnen und (Traum)Tänzer, die aber mehr sind als das, nämlich auch Harlekine, Marionetten, Engel, Affen, der Tod.

Die surrealistische Poesie des uruguayischen Dichters Horacio Ferrer, den sich Piazzolla gewünscht hatte, hat schon das Publikum vor knapp sechs Jahrzehnten heillos überfordert. Und doch wird sie durch die Musik, ihre Melancholie und ihr überbordendes Temperament der Rezeption des Publikums verständlich in ihrer eigenen Art, Empfindungen auszulösen, Empathien zu befördern und die Verve der Musik mit ihren hochpoetischen Texten sozusagen durch den eigenen Körper fließen zu lassen. Selbstverständlich wird diesem Publikum auch eine Art Übersetzungshilfe durch in die Szenerie eingeblendete Inserts des Textes geliefert. Sie sind aber nicht unbedingt Vorbedingung für das Verständnis dieses Werk, wie dies bei anderen Opern durchaus der Fall ist.

Die Inszenierung stellt sich dem dunklen Glanz der Oper in vorherrschend sparsamer Ausleuchtung. Differenzierende Akzente in Spiel und musikalische Pointiertheit sind ihr Elixier, zumal ein Theaterhaus der lokalen wie finanziellen Größe des klagenfurter ensemble nicht mit Kohorten an Darsteller:innen, Tänzer:innen und Materialien klotzen kann. Dennoch wird man nichts an Opulenz, wie sie sich primär in der Musik, aber auch in der Bühnenchoreografie äußert, vermissen.

Zu den Mitteln der Inszenierung wäre grob zu sagen, dass sie sich – neben den live vorhandenen Protagonist:innen, also María, den Geist und einen Bariton in verschiedenen Rollen – zusätzlich voraufgezeichneter Videopassagen, eines Reigens von Fotoportraits aus den letzten Jahrzehnten der Darstellerin der María, Irene Coticchio, sowie der Bewegungs- und Tanzchoreografie eines nonverbalen, professionellen Tänzers bedient. Dazu stößt ein eigener Bühnenkörper, der aus vorwiegend jugendlichen, aber auch erwachsenen Darsteller:innen des Amateurtheaterbereichs besteht. Sie agieren vornehmlich hinter Masken als anonyme Zuträger für ein Spiel um Leidenschaft und Irritation, Hingabe und Widerstand, Trauer und doch auch unverhohlener Lebensfreude. 

Das musikalische Ensemble unter der Leitung von Davorin Mori, bestehend aus fünf Musikern (Arrangement: Ferry Janoska), erfüllt einerseits den Part der instrumental-musikalischen Umsetzung, ist aber in seinem sichtbaren Vorhandensein auf der Bühne auch gezielt Mitwirkender sowohl in der sprachlich-akustischen, als auch der optischen Aufbereitung der Erzählung von Horacio Ferrer und Astor Piazzolla. So übernimmt es beispielsweise auch den Part der chorischen Männerstimmen oder – wie im Fall des Bandoneons – auch direkt szenisch-darstellerische Funktionen. Die weiblichen Chorpassagen werden in Form von voraufgenommenen Einspielungen in das musikalische Gesamtgefüge integriert. 

Die Inszenierung von „María de Buenos Aires“ im klagenfurter ensemble 2026 versteht sich somit nicht nur als künstlerischer, sondern in gewisser Weise auch soziologischer, wenn nicht gar pädagogischer Akt: Junge Menschen werden in den aktiv von ihnen mitgestalteten Sog eines schillernden Beispiels des modernen Theater- und Opernrepertoires gezogen und bekommen dadurch die Möglichkeit, neben Bühnenerfahrung auch einen Ausblick auf ein mögliches Leben abseits von TikTok zu lukrieren.

Mit: IRENE COTICCHIO, LUIS HERNÁNDEZ-LUQUE, MARKUS SCHÖTTL

Regie und Bühne: PETER WAGNER

Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY
MATJAŽ ANTONČIČ
MATJAŽ BALAŽIC
TIMI KRAJNC
STAŠ ČAKŠ
VOJKO VEŠLIGAJ
DAVORIN MORI

Kostüm: MARKUS KUSCHER
Licht- & Tondesign: N.N., KONRAD ÜBERBACHER
Regieassistenz: KERSTIN HASLAUER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Tangooper von Astor Piazzolla
Libretto: Horacio Ferrer

Regie: PETER WAGNER
Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit dem Jungen Theater Klagenfurt

Premiere: 30. September 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 2., 3., 7., 8., 9., 10., 21., 22., 23., 24. Oktober - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at
Kartenpreise: € 40.- normal, € 25.- ermäßigt

Astor Piazzola (um ca. 1950) - Fotograf*in unbekannt

„Der Tango ist ein trauriger Gedanke, den man tanzen kann“ – das hat der argentinische Komponist Enrique Santos Discépolo gesagt. Die Tango-Oper „María de Buenos Aires“ seines Landsmanns Astor Piazzolla ist voll von traurigen Gedanken. Sie erzählt die Geschichte von Leben und Tod Marías, die als Glückssucherin aus einem Vorort von Buenos Aires kommt, dort in einem Arbeiterviertel stirbt und zum Mythos wird. 

Tango – das klingt erst einmal nach Tanzkurs und Fernweh, nach ein bisschen verruchter Erotik und nach sehr beweglichen Beinen. Damit konnte Astor Piazzolla, der Komponist der von ihm so bezeichneten Operita, gar nichts anfangen. Im Gegenteil: Er hat die „María de Buenos Aires“ an seinen Ursprungsort zurückgebracht – in die Welt der Bettler, Zuhälter und Obdachlosen. Seltsame Gestalten bevölkern die Bühne – auffallend kostümierte Nachtschattengewächse mit Gesichtsmasken und exotischem Kopfputz (Kostüme und Masken: Markus Kuscher), (Traum)Tänzerinnen und (Traum)Tänzer, die aber mehr sind als das, nämlich auch Harlekine, Marionetten, Engel, Affen, der Tod.

Die surrealistische Poesie des uruguayischen Dichters Horacio Ferrer, den sich Piazzolla gewünscht hatte, hat schon das Publikum vor knapp sechs Jahrzehnten heillos überfordert. Und doch wird sie durch die Musik, ihre Melancholie und ihr überbordendes Temperament der Rezeption des Publikums verständlich in ihrer eigenen Art, Empfindungen auszulösen, Empathien zu befördern und die Verve der Musik mit ihren hochpoetischen Texten sozusagen durch den eigenen Körper fließen zu lassen. Selbstverständlich wird diesem Publikum auch eine Art Übersetzungshilfe durch in die Szenerie eingeblendete Inserts des Textes geliefert. Sie sind aber nicht unbedingt Vorbedingung für das Verständnis dieses Werk, wie dies bei anderen Opern durchaus der Fall ist.

Die Inszenierung stellt sich dem dunklen Glanz der Oper in vorherrschend sparsamer Ausleuchtung. Differenzierende Akzente in Spiel und musikalische Pointiertheit sind ihr Elixier, zumal ein Theaterhaus der lokalen wie finanziellen Größe des klagenfurter ensemble nicht mit Kohorten an Darsteller:innen, Tänzer:innen und Materialien klotzen kann. Dennoch wird man nichts an Opulenz, wie sie sich primär in der Musik, aber auch in der Bühnenchoreografie äußert, vermissen.

Zu den Mitteln der Inszenierung wäre grob zu sagen, dass sie sich – neben den live vorhandenen Protagonist:innen, also María, den Geist und einen Bariton in verschiedenen Rollen – zusätzlich voraufgezeichneter Videopassagen, eines Reigens von Fotoportraits aus den letzten Jahrzehnten der Darstellerin der María, Irene Coticchio, sowie der Bewegungs- und Tanzchoreografie eines nonverbalen, professionellen Tänzers bedient. Dazu stößt ein eigener Bühnenkörper, der aus vorwiegend jugendlichen, aber auch erwachsenen Darsteller:innen des Amateurtheaterbereichs besteht. Sie agieren vornehmlich hinter Masken als anonyme Zuträger für ein Spiel um Leidenschaft und Irritation, Hingabe und Widerstand, Trauer und doch auch unverhohlener Lebensfreude. 

Das musikalische Ensemble unter der Leitung von Davorin Mori, bestehend aus fünf Musikern (Arrangement: Ferry Janoska), erfüllt einerseits den Part der instrumental-musikalischen Umsetzung, ist aber in seinem sichtbaren Vorhandensein auf der Bühne auch gezielt Mitwirkender sowohl in der sprachlich-akustischen, als auch der optischen Aufbereitung der Erzählung von Horacio Ferrer und Astor Piazzolla. So übernimmt es beispielsweise auch den Part der chorischen Männerstimmen oder – wie im Fall des Bandoneons – auch direkt szenisch-darstellerische Funktionen. Die weiblichen Chorpassagen werden in Form von voraufgenommenen Einspielungen in das musikalische Gesamtgefüge integriert. 

Die Inszenierung von „María de Buenos Aires“ im klagenfurter ensemble 2026 versteht sich somit nicht nur als künstlerischer, sondern in gewisser Weise auch soziologischer, wenn nicht gar pädagogischer Akt: Junge Menschen werden in den aktiv von ihnen mitgestalteten Sog eines schillernden Beispiels des modernen Theater- und Opernrepertoires gezogen und bekommen dadurch die Möglichkeit, neben Bühnenerfahrung auch einen Ausblick auf ein mögliches Leben abseits von TikTok zu lukrieren.

Mit: IRENE COTICCHIO, LUIS HERNÁNDEZ-LUQUE, MARKUS SCHÖTTL

Regie und Bühne: PETER WAGNER

Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY
MATJAŽ ANTONČIČ
MATJAŽ BALAŽIC
TIMI KRAJNC
STAŠ ČAKŠ
VOJKO VEŠLIGAJ
DAVORIN MORI

Kostüm: MARKUS KUSCHER
Licht- & Tondesign: N.N., KONRAD ÜBERBACHER
Regieassistenz: KERSTIN HASLAUER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Tangooper von Astor Piazzolla
Libretto: Horacio Ferrer

Regie: PETER WAGNER
Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit dem Jungen Theater Klagenfurt

Premiere: 30. September 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 2., 3., 7., 8., 9., 10., 21., 22., 23., 24. Oktober - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at
Kartenpreise: € 40.- normal, € 25.- ermäßigt

Astor Piazzola (um ca. 1950) - Fotograf*in unbekannt

„Der Tango ist ein trauriger Gedanke, den man tanzen kann“ – das hat der argentinische Komponist Enrique Santos Discépolo gesagt. Die Tango-Oper „María de Buenos Aires“ seines Landsmanns Astor Piazzolla ist voll von traurigen Gedanken. Sie erzählt die Geschichte von Leben und Tod Marías, die als Glückssucherin aus einem Vorort von Buenos Aires kommt, dort in einem Arbeiterviertel stirbt und zum Mythos wird. 

Tango – das klingt erst einmal nach Tanzkurs und Fernweh, nach ein bisschen verruchter Erotik und nach sehr beweglichen Beinen. Damit konnte Astor Piazzolla, der Komponist der von ihm so bezeichneten Operita, gar nichts anfangen. Im Gegenteil: Er hat die „María de Buenos Aires“ an seinen Ursprungsort zurückgebracht – in die Welt der Bettler, Zuhälter und Obdachlosen. Seltsame Gestalten bevölkern die Bühne – auffallend kostümierte Nachtschattengewächse mit Gesichtsmasken und exotischem Kopfputz (Kostüme und Masken: Markus Kuscher), (Traum)Tänzerinnen und (Traum)Tänzer, die aber mehr sind als das, nämlich auch Harlekine, Marionetten, Engel, Affen, der Tod.

Die surrealistische Poesie des uruguayischen Dichters Horacio Ferrer, den sich Piazzolla gewünscht hatte, hat schon das Publikum vor knapp sechs Jahrzehnten heillos überfordert. Und doch wird sie durch die Musik, ihre Melancholie und ihr überbordendes Temperament der Rezeption des Publikums verständlich in ihrer eigenen Art, Empfindungen auszulösen, Empathien zu befördern und die Verve der Musik mit ihren hochpoetischen Texten sozusagen durch den eigenen Körper fließen zu lassen. Selbstverständlich wird diesem Publikum auch eine Art Übersetzungshilfe durch in die Szenerie eingeblendete Inserts des Textes geliefert. Sie sind aber nicht unbedingt Vorbedingung für das Verständnis dieses Werk, wie dies bei anderen Opern durchaus der Fall ist.

Die Inszenierung stellt sich dem dunklen Glanz der Oper in vorherrschend sparsamer Ausleuchtung. Differenzierende Akzente in Spiel und musikalische Pointiertheit sind ihr Elixier, zumal ein Theaterhaus der lokalen wie finanziellen Größe des klagenfurter ensemble nicht mit Kohorten an Darsteller:innen, Tänzer:innen und Materialien klotzen kann. Dennoch wird man nichts an Opulenz, wie sie sich primär in der Musik, aber auch in der Bühnenchoreografie äußert, vermissen.

Zu den Mitteln der Inszenierung wäre grob zu sagen, dass sie sich – neben den live vorhandenen Protagonist:innen, also María, den Geist und einen Bariton in verschiedenen Rollen – zusätzlich voraufgezeichneter Videopassagen, eines Reigens von Fotoportraits aus den letzten Jahrzehnten der Darstellerin der María, Irene Coticchio, sowie der Bewegungs- und Tanzchoreografie eines nonverbalen, professionellen Tänzers bedient. Dazu stößt ein eigener Bühnenkörper, der aus vorwiegend jugendlichen, aber auch erwachsenen Darsteller:innen des Amateurtheaterbereichs besteht. Sie agieren vornehmlich hinter Masken als anonyme Zuträger für ein Spiel um Leidenschaft und Irritation, Hingabe und Widerstand, Trauer und doch auch unverhohlener Lebensfreude. 

Das musikalische Ensemble unter der Leitung von Davorin Mori, bestehend aus fünf Musikern (Arrangement: Ferry Janoska), erfüllt einerseits den Part der instrumental-musikalischen Umsetzung, ist aber in seinem sichtbaren Vorhandensein auf der Bühne auch gezielt Mitwirkender sowohl in der sprachlich-akustischen, als auch der optischen Aufbereitung der Erzählung von Horacio Ferrer und Astor Piazzolla. So übernimmt es beispielsweise auch den Part der chorischen Männerstimmen oder – wie im Fall des Bandoneons – auch direkt szenisch-darstellerische Funktionen. Die weiblichen Chorpassagen werden in Form von voraufgenommenen Einspielungen in das musikalische Gesamtgefüge integriert. 

Die Inszenierung von „María de Buenos Aires“ im klagenfurter ensemble 2026 versteht sich somit nicht nur als künstlerischer, sondern in gewisser Weise auch soziologischer, wenn nicht gar pädagogischer Akt: Junge Menschen werden in den aktiv von ihnen mitgestalteten Sog eines schillernden Beispiels des modernen Theater- und Opernrepertoires gezogen und bekommen dadurch die Möglichkeit, neben Bühnenerfahrung auch einen Ausblick auf ein mögliches Leben abseits von TikTok zu lukrieren.

Mit: IRENE COTICCHIO, LUIS HERNÁNDEZ-LUQUE, MARKUS SCHÖTTL

Regie und Bühne: PETER WAGNER

Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY
MATJAŽ ANTONČIČ
MATJAŽ BALAŽIC
TIMI KRAJNC
STAŠ ČAKŠ
VOJKO VEŠLIGAJ
DAVORIN MORI

Kostüm: MARKUS KUSCHER
Licht- & Tondesign: N.N., KONRAD ÜBERBACHER
Regieassistenz: KERSTIN HASLAUER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Tangooper von Astor Piazzolla
Libretto: Horacio Ferrer

Regie: PETER WAGNER
Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit dem Jungen Theater Klagenfurt

Premiere: 30. September 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 2., 3., 7., 8., 9., 10., 21., 22., 23., 24. Oktober - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at
Kartenpreise: € 40.- normal, € 25.- ermäßigt

Astor Piazzola (um ca. 1950) - Fotograf*in unbekannt

„Der Tango ist ein trauriger Gedanke, den man tanzen kann“ – das hat der argentinische Komponist Enrique Santos Discépolo gesagt. Die Tango-Oper „María de Buenos Aires“ seines Landsmanns Astor Piazzolla ist voll von traurigen Gedanken. Sie erzählt die Geschichte von Leben und Tod Marías, die als Glückssucherin aus einem Vorort von Buenos Aires kommt, dort in einem Arbeiterviertel stirbt und zum Mythos wird. 

Tango – das klingt erst einmal nach Tanzkurs und Fernweh, nach ein bisschen verruchter Erotik und nach sehr beweglichen Beinen. Damit konnte Astor Piazzolla, der Komponist der von ihm so bezeichneten Operita, gar nichts anfangen. Im Gegenteil: Er hat die „María de Buenos Aires“ an seinen Ursprungsort zurückgebracht – in die Welt der Bettler, Zuhälter und Obdachlosen. Seltsame Gestalten bevölkern die Bühne – auffallend kostümierte Nachtschattengewächse mit Gesichtsmasken und exotischem Kopfputz (Kostüme und Masken: Markus Kuscher), (Traum)Tänzerinnen und (Traum)Tänzer, die aber mehr sind als das, nämlich auch Harlekine, Marionetten, Engel, Affen, der Tod.

Die surrealistische Poesie des uruguayischen Dichters Horacio Ferrer, den sich Piazzolla gewünscht hatte, hat schon das Publikum vor knapp sechs Jahrzehnten heillos überfordert. Und doch wird sie durch die Musik, ihre Melancholie und ihr überbordendes Temperament der Rezeption des Publikums verständlich in ihrer eigenen Art, Empfindungen auszulösen, Empathien zu befördern und die Verve der Musik mit ihren hochpoetischen Texten sozusagen durch den eigenen Körper fließen zu lassen. Selbstverständlich wird diesem Publikum auch eine Art Übersetzungshilfe durch in die Szenerie eingeblendete Inserts des Textes geliefert. Sie sind aber nicht unbedingt Vorbedingung für das Verständnis dieses Werk, wie dies bei anderen Opern durchaus der Fall ist.

Die Inszenierung stellt sich dem dunklen Glanz der Oper in vorherrschend sparsamer Ausleuchtung. Differenzierende Akzente in Spiel und musikalische Pointiertheit sind ihr Elixier, zumal ein Theaterhaus der lokalen wie finanziellen Größe des klagenfurter ensemble nicht mit Kohorten an Darsteller:innen, Tänzer:innen und Materialien klotzen kann. Dennoch wird man nichts an Opulenz, wie sie sich primär in der Musik, aber auch in der Bühnenchoreografie äußert, vermissen.

Zu den Mitteln der Inszenierung wäre grob zu sagen, dass sie sich – neben den live vorhandenen Protagonist:innen, also María, den Geist und einen Bariton in verschiedenen Rollen – zusätzlich voraufgezeichneter Videopassagen, eines Reigens von Fotoportraits aus den letzten Jahrzehnten der Darstellerin der María, Irene Coticchio, sowie der Bewegungs- und Tanzchoreografie eines nonverbalen, professionellen Tänzers bedient. Dazu stößt ein eigener Bühnenkörper, der aus vorwiegend jugendlichen, aber auch erwachsenen Darsteller:innen des Amateurtheaterbereichs besteht. Sie agieren vornehmlich hinter Masken als anonyme Zuträger für ein Spiel um Leidenschaft und Irritation, Hingabe und Widerstand, Trauer und doch auch unverhohlener Lebensfreude. 

Das musikalische Ensemble unter der Leitung von Davorin Mori, bestehend aus fünf Musikern (Arrangement: Ferry Janoska), erfüllt einerseits den Part der instrumental-musikalischen Umsetzung, ist aber in seinem sichtbaren Vorhandensein auf der Bühne auch gezielt Mitwirkender sowohl in der sprachlich-akustischen, als auch der optischen Aufbereitung der Erzählung von Horacio Ferrer und Astor Piazzolla. So übernimmt es beispielsweise auch den Part der chorischen Männerstimmen oder – wie im Fall des Bandoneons – auch direkt szenisch-darstellerische Funktionen. Die weiblichen Chorpassagen werden in Form von voraufgenommenen Einspielungen in das musikalische Gesamtgefüge integriert. 

Die Inszenierung von „María de Buenos Aires“ im klagenfurter ensemble 2026 versteht sich somit nicht nur als künstlerischer, sondern in gewisser Weise auch soziologischer, wenn nicht gar pädagogischer Akt: Junge Menschen werden in den aktiv von ihnen mitgestalteten Sog eines schillernden Beispiels des modernen Theater- und Opernrepertoires gezogen und bekommen dadurch die Möglichkeit, neben Bühnenerfahrung auch einen Ausblick auf ein mögliches Leben abseits von TikTok zu lukrieren.

Mit: IRENE COTICCHIO, LUIS HERNÁNDEZ-LUQUE, MARKUS SCHÖTTL

Regie und Bühne: PETER WAGNER

Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY
MATJAŽ ANTONČIČ
MATJAŽ BALAŽIC
TIMI KRAJNC
STAŠ ČAKŠ
VOJKO VEŠLIGAJ
DAVORIN MORI

Kostüm: MARKUS KUSCHER
Licht- & Tondesign: N.N., KONRAD ÜBERBACHER
Regieassistenz: KERSTIN HASLAUER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Tangooper von Astor Piazzolla
Libretto: Horacio Ferrer

Regie: PETER WAGNER
Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit dem Jungen Theater Klagenfurt

Premiere: 30. September 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 2., 3., 7., 8., 9., 10., 21., 22., 23., 24. Oktober - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at
Kartenpreise: € 40.- normal, € 25.- ermäßigt

Astor Piazzola (um ca. 1950) - Fotograf*in unbekannt

„Der Tango ist ein trauriger Gedanke, den man tanzen kann“ – das hat der argentinische Komponist Enrique Santos Discépolo gesagt. Die Tango-Oper „María de Buenos Aires“ seines Landsmanns Astor Piazzolla ist voll von traurigen Gedanken. Sie erzählt die Geschichte von Leben und Tod Marías, die als Glückssucherin aus einem Vorort von Buenos Aires kommt, dort in einem Arbeiterviertel stirbt und zum Mythos wird. 

Tango – das klingt erst einmal nach Tanzkurs und Fernweh, nach ein bisschen verruchter Erotik und nach sehr beweglichen Beinen. Damit konnte Astor Piazzolla, der Komponist der von ihm so bezeichneten Operita, gar nichts anfangen. Im Gegenteil: Er hat die „María de Buenos Aires“ an seinen Ursprungsort zurückgebracht – in die Welt der Bettler, Zuhälter und Obdachlosen. Seltsame Gestalten bevölkern die Bühne – auffallend kostümierte Nachtschattengewächse mit Gesichtsmasken und exotischem Kopfputz (Kostüme und Masken: Markus Kuscher), (Traum)Tänzerinnen und (Traum)Tänzer, die aber mehr sind als das, nämlich auch Harlekine, Marionetten, Engel, Affen, der Tod.

Die surrealistische Poesie des uruguayischen Dichters Horacio Ferrer, den sich Piazzolla gewünscht hatte, hat schon das Publikum vor knapp sechs Jahrzehnten heillos überfordert. Und doch wird sie durch die Musik, ihre Melancholie und ihr überbordendes Temperament der Rezeption des Publikums verständlich in ihrer eigenen Art, Empfindungen auszulösen, Empathien zu befördern und die Verve der Musik mit ihren hochpoetischen Texten sozusagen durch den eigenen Körper fließen zu lassen. Selbstverständlich wird diesem Publikum auch eine Art Übersetzungshilfe durch in die Szenerie eingeblendete Inserts des Textes geliefert. Sie sind aber nicht unbedingt Vorbedingung für das Verständnis dieses Werk, wie dies bei anderen Opern durchaus der Fall ist.

Die Inszenierung stellt sich dem dunklen Glanz der Oper in vorherrschend sparsamer Ausleuchtung. Differenzierende Akzente in Spiel und musikalische Pointiertheit sind ihr Elixier, zumal ein Theaterhaus der lokalen wie finanziellen Größe des klagenfurter ensemble nicht mit Kohorten an Darsteller:innen, Tänzer:innen und Materialien klotzen kann. Dennoch wird man nichts an Opulenz, wie sie sich primär in der Musik, aber auch in der Bühnenchoreografie äußert, vermissen.

Zu den Mitteln der Inszenierung wäre grob zu sagen, dass sie sich – neben den live vorhandenen Protagonist:innen, also María, den Geist und einen Bariton in verschiedenen Rollen – zusätzlich voraufgezeichneter Videopassagen, eines Reigens von Fotoportraits aus den letzten Jahrzehnten der Darstellerin der María, Irene Coticchio, sowie der Bewegungs- und Tanzchoreografie eines nonverbalen, professionellen Tänzers bedient. Dazu stößt ein eigener Bühnenkörper, der aus vorwiegend jugendlichen, aber auch erwachsenen Darsteller:innen des Amateurtheaterbereichs besteht. Sie agieren vornehmlich hinter Masken als anonyme Zuträger für ein Spiel um Leidenschaft und Irritation, Hingabe und Widerstand, Trauer und doch auch unverhohlener Lebensfreude. 

Das musikalische Ensemble unter der Leitung von Davorin Mori, bestehend aus fünf Musikern (Arrangement: Ferry Janoska), erfüllt einerseits den Part der instrumental-musikalischen Umsetzung, ist aber in seinem sichtbaren Vorhandensein auf der Bühne auch gezielt Mitwirkender sowohl in der sprachlich-akustischen, als auch der optischen Aufbereitung der Erzählung von Horacio Ferrer und Astor Piazzolla. So übernimmt es beispielsweise auch den Part der chorischen Männerstimmen oder – wie im Fall des Bandoneons – auch direkt szenisch-darstellerische Funktionen. Die weiblichen Chorpassagen werden in Form von voraufgenommenen Einspielungen in das musikalische Gesamtgefüge integriert. 

Die Inszenierung von „María de Buenos Aires“ im klagenfurter ensemble 2026 versteht sich somit nicht nur als künstlerischer, sondern in gewisser Weise auch soziologischer, wenn nicht gar pädagogischer Akt: Junge Menschen werden in den aktiv von ihnen mitgestalteten Sog eines schillernden Beispiels des modernen Theater- und Opernrepertoires gezogen und bekommen dadurch die Möglichkeit, neben Bühnenerfahrung auch einen Ausblick auf ein mögliches Leben abseits von TikTok zu lukrieren.

Mit: IRENE COTICCHIO, LUIS HERNÁNDEZ-LUQUE, MARKUS SCHÖTTL

Regie und Bühne: PETER WAGNER

Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY
MATJAŽ ANTONČIČ
MATJAŽ BALAŽIC
TIMI KRAJNC
STAŠ ČAKŠ
VOJKO VEŠLIGAJ
DAVORIN MORI

Kostüm: MARKUS KUSCHER
Licht- & Tondesign: N.N., KONRAD ÜBERBACHER
Regieassistenz: KERSTIN HASLAUER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Tangooper von Astor Piazzolla
Libretto: Horacio Ferrer

Regie: PETER WAGNER
Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit dem Jungen Theater Klagenfurt

Premiere: 30. September 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 2., 3., 7., 8., 9., 10., 21., 22., 23., 24. Oktober - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at
Kartenpreise: € 40.- normal, € 25.- ermäßigt

Astor Piazzola (um ca. 1950) - Fotograf*in unbekannt

„Der Tango ist ein trauriger Gedanke, den man tanzen kann“ – das hat der argentinische Komponist Enrique Santos Discépolo gesagt. Die Tango-Oper „María de Buenos Aires“ seines Landsmanns Astor Piazzolla ist voll von traurigen Gedanken. Sie erzählt die Geschichte von Leben und Tod Marías, die als Glückssucherin aus einem Vorort von Buenos Aires kommt, dort in einem Arbeiterviertel stirbt und zum Mythos wird. 

Tango – das klingt erst einmal nach Tanzkurs und Fernweh, nach ein bisschen verruchter Erotik und nach sehr beweglichen Beinen. Damit konnte Astor Piazzolla, der Komponist der von ihm so bezeichneten Operita, gar nichts anfangen. Im Gegenteil: Er hat die „María de Buenos Aires“ an seinen Ursprungsort zurückgebracht – in die Welt der Bettler, Zuhälter und Obdachlosen. Seltsame Gestalten bevölkern die Bühne – auffallend kostümierte Nachtschattengewächse mit Gesichtsmasken und exotischem Kopfputz (Kostüme und Masken: Markus Kuscher), (Traum)Tänzerinnen und (Traum)Tänzer, die aber mehr sind als das, nämlich auch Harlekine, Marionetten, Engel, Affen, der Tod.

Die surrealistische Poesie des uruguayischen Dichters Horacio Ferrer, den sich Piazzolla gewünscht hatte, hat schon das Publikum vor knapp sechs Jahrzehnten heillos überfordert. Und doch wird sie durch die Musik, ihre Melancholie und ihr überbordendes Temperament der Rezeption des Publikums verständlich in ihrer eigenen Art, Empfindungen auszulösen, Empathien zu befördern und die Verve der Musik mit ihren hochpoetischen Texten sozusagen durch den eigenen Körper fließen zu lassen. Selbstverständlich wird diesem Publikum auch eine Art Übersetzungshilfe durch in die Szenerie eingeblendete Inserts des Textes geliefert. Sie sind aber nicht unbedingt Vorbedingung für das Verständnis dieses Werk, wie dies bei anderen Opern durchaus der Fall ist.

Die Inszenierung stellt sich dem dunklen Glanz der Oper in vorherrschend sparsamer Ausleuchtung. Differenzierende Akzente in Spiel und musikalische Pointiertheit sind ihr Elixier, zumal ein Theaterhaus der lokalen wie finanziellen Größe des klagenfurter ensemble nicht mit Kohorten an Darsteller:innen, Tänzer:innen und Materialien klotzen kann. Dennoch wird man nichts an Opulenz, wie sie sich primär in der Musik, aber auch in der Bühnenchoreografie äußert, vermissen.

Zu den Mitteln der Inszenierung wäre grob zu sagen, dass sie sich – neben den live vorhandenen Protagonist:innen, also María, den Geist und einen Bariton in verschiedenen Rollen – zusätzlich voraufgezeichneter Videopassagen, eines Reigens von Fotoportraits aus den letzten Jahrzehnten der Darstellerin der María, Irene Coticchio, sowie der Bewegungs- und Tanzchoreografie eines nonverbalen, professionellen Tänzers bedient. Dazu stößt ein eigener Bühnenkörper, der aus vorwiegend jugendlichen, aber auch erwachsenen Darsteller:innen des Amateurtheaterbereichs besteht. Sie agieren vornehmlich hinter Masken als anonyme Zuträger für ein Spiel um Leidenschaft und Irritation, Hingabe und Widerstand, Trauer und doch auch unverhohlener Lebensfreude. 

Das musikalische Ensemble unter der Leitung von Davorin Mori, bestehend aus fünf Musikern (Arrangement: Ferry Janoska), erfüllt einerseits den Part der instrumental-musikalischen Umsetzung, ist aber in seinem sichtbaren Vorhandensein auf der Bühne auch gezielt Mitwirkender sowohl in der sprachlich-akustischen, als auch der optischen Aufbereitung der Erzählung von Horacio Ferrer und Astor Piazzolla. So übernimmt es beispielsweise auch den Part der chorischen Männerstimmen oder – wie im Fall des Bandoneons – auch direkt szenisch-darstellerische Funktionen. Die weiblichen Chorpassagen werden in Form von voraufgenommenen Einspielungen in das musikalische Gesamtgefüge integriert. 

Die Inszenierung von „María de Buenos Aires“ im klagenfurter ensemble 2026 versteht sich somit nicht nur als künstlerischer, sondern in gewisser Weise auch soziologischer, wenn nicht gar pädagogischer Akt: Junge Menschen werden in den aktiv von ihnen mitgestalteten Sog eines schillernden Beispiels des modernen Theater- und Opernrepertoires gezogen und bekommen dadurch die Möglichkeit, neben Bühnenerfahrung auch einen Ausblick auf ein mögliches Leben abseits von TikTok zu lukrieren.

Mit: IRENE COTICCHIO, LUIS HERNÁNDEZ-LUQUE, MARKUS SCHÖTTL

Regie und Bühne: PETER WAGNER

Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY
MATJAŽ ANTONČIČ
MATJAŽ BALAŽIC
TIMI KRAJNC
STAŠ ČAKŠ
VOJKO VEŠLIGAJ
DAVORIN MORI

Kostüm: MARKUS KUSCHER
Licht- & Tondesign: N.N., KONRAD ÜBERBACHER
Regieassistenz: KERSTIN HASLAUER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Tangooper von Astor Piazzolla
Libretto: Horacio Ferrer

Regie: PETER WAGNER
Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit dem Jungen Theater Klagenfurt

Premiere: 30. September 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 2., 3., 7., 8., 9., 10., 21., 22., 23., 24. Oktober - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at
Kartenpreise: € 40.- normal, € 25.- ermäßigt

Astor Piazzola (um ca. 1950) - Fotograf*in unbekannt

„Der Tango ist ein trauriger Gedanke, den man tanzen kann“ – das hat der argentinische Komponist Enrique Santos Discépolo gesagt. Die Tango-Oper „María de Buenos Aires“ seines Landsmanns Astor Piazzolla ist voll von traurigen Gedanken. Sie erzählt die Geschichte von Leben und Tod Marías, die als Glückssucherin aus einem Vorort von Buenos Aires kommt, dort in einem Arbeiterviertel stirbt und zum Mythos wird. 

Tango – das klingt erst einmal nach Tanzkurs und Fernweh, nach ein bisschen verruchter Erotik und nach sehr beweglichen Beinen. Damit konnte Astor Piazzolla, der Komponist der von ihm so bezeichneten Operita, gar nichts anfangen. Im Gegenteil: Er hat die „María de Buenos Aires“ an seinen Ursprungsort zurückgebracht – in die Welt der Bettler, Zuhälter und Obdachlosen. Seltsame Gestalten bevölkern die Bühne – auffallend kostümierte Nachtschattengewächse mit Gesichtsmasken und exotischem Kopfputz (Kostüme und Masken: Markus Kuscher), (Traum)Tänzerinnen und (Traum)Tänzer, die aber mehr sind als das, nämlich auch Harlekine, Marionetten, Engel, Affen, der Tod.

Die surrealistische Poesie des uruguayischen Dichters Horacio Ferrer, den sich Piazzolla gewünscht hatte, hat schon das Publikum vor knapp sechs Jahrzehnten heillos überfordert. Und doch wird sie durch die Musik, ihre Melancholie und ihr überbordendes Temperament der Rezeption des Publikums verständlich in ihrer eigenen Art, Empfindungen auszulösen, Empathien zu befördern und die Verve der Musik mit ihren hochpoetischen Texten sozusagen durch den eigenen Körper fließen zu lassen. Selbstverständlich wird diesem Publikum auch eine Art Übersetzungshilfe durch in die Szenerie eingeblendete Inserts des Textes geliefert. Sie sind aber nicht unbedingt Vorbedingung für das Verständnis dieses Werk, wie dies bei anderen Opern durchaus der Fall ist.

Die Inszenierung stellt sich dem dunklen Glanz der Oper in vorherrschend sparsamer Ausleuchtung. Differenzierende Akzente in Spiel und musikalische Pointiertheit sind ihr Elixier, zumal ein Theaterhaus der lokalen wie finanziellen Größe des klagenfurter ensemble nicht mit Kohorten an Darsteller:innen, Tänzer:innen und Materialien klotzen kann. Dennoch wird man nichts an Opulenz, wie sie sich primär in der Musik, aber auch in der Bühnenchoreografie äußert, vermissen.

Zu den Mitteln der Inszenierung wäre grob zu sagen, dass sie sich – neben den live vorhandenen Protagonist:innen, also María, den Geist und einen Bariton in verschiedenen Rollen – zusätzlich voraufgezeichneter Videopassagen, eines Reigens von Fotoportraits aus den letzten Jahrzehnten der Darstellerin der María, Irene Coticchio, sowie der Bewegungs- und Tanzchoreografie eines nonverbalen, professionellen Tänzers bedient. Dazu stößt ein eigener Bühnenkörper, der aus vorwiegend jugendlichen, aber auch erwachsenen Darsteller:innen des Amateurtheaterbereichs besteht. Sie agieren vornehmlich hinter Masken als anonyme Zuträger für ein Spiel um Leidenschaft und Irritation, Hingabe und Widerstand, Trauer und doch auch unverhohlener Lebensfreude. 

Das musikalische Ensemble unter der Leitung von Davorin Mori, bestehend aus fünf Musikern (Arrangement: Ferry Janoska), erfüllt einerseits den Part der instrumental-musikalischen Umsetzung, ist aber in seinem sichtbaren Vorhandensein auf der Bühne auch gezielt Mitwirkender sowohl in der sprachlich-akustischen, als auch der optischen Aufbereitung der Erzählung von Horacio Ferrer und Astor Piazzolla. So übernimmt es beispielsweise auch den Part der chorischen Männerstimmen oder – wie im Fall des Bandoneons – auch direkt szenisch-darstellerische Funktionen. Die weiblichen Chorpassagen werden in Form von voraufgenommenen Einspielungen in das musikalische Gesamtgefüge integriert. 

Die Inszenierung von „María de Buenos Aires“ im klagenfurter ensemble 2026 versteht sich somit nicht nur als künstlerischer, sondern in gewisser Weise auch soziologischer, wenn nicht gar pädagogischer Akt: Junge Menschen werden in den aktiv von ihnen mitgestalteten Sog eines schillernden Beispiels des modernen Theater- und Opernrepertoires gezogen und bekommen dadurch die Möglichkeit, neben Bühnenerfahrung auch einen Ausblick auf ein mögliches Leben abseits von TikTok zu lukrieren.

Mit: IRENE COTICCHIO, LUIS HERNÁNDEZ-LUQUE, MARKUS SCHÖTTL

Regie und Bühne: PETER WAGNER

Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY
MATJAŽ ANTONČIČ
MATJAŽ BALAŽIC
TIMI KRAJNC
STAŠ ČAKŠ
VOJKO VEŠLIGAJ
DAVORIN MORI

Kostüm: MARKUS KUSCHER
Licht- & Tondesign: N.N., KONRAD ÜBERBACHER
Regieassistenz: KERSTIN HASLAUER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Tangooper von Astor Piazzolla
Libretto: Horacio Ferrer

Regie: PETER WAGNER
Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit dem Jungen Theater Klagenfurt

Premiere: 30. September 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 2., 3., 7., 8., 9., 10., 21., 22., 23., 24. Oktober - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at
Kartenpreise: € 40.- normal, € 25.- ermäßigt

Astor Piazzola (um ca. 1950) - Fotograf*in unbekannt

„Der Tango ist ein trauriger Gedanke, den man tanzen kann“ – das hat der argentinische Komponist Enrique Santos Discépolo gesagt. Die Tango-Oper „María de Buenos Aires“ seines Landsmanns Astor Piazzolla ist voll von traurigen Gedanken. Sie erzählt die Geschichte von Leben und Tod Marías, die als Glückssucherin aus einem Vorort von Buenos Aires kommt, dort in einem Arbeiterviertel stirbt und zum Mythos wird. 

Tango – das klingt erst einmal nach Tanzkurs und Fernweh, nach ein bisschen verruchter Erotik und nach sehr beweglichen Beinen. Damit konnte Astor Piazzolla, der Komponist der von ihm so bezeichneten Operita, gar nichts anfangen. Im Gegenteil: Er hat die „María de Buenos Aires“ an seinen Ursprungsort zurückgebracht – in die Welt der Bettler, Zuhälter und Obdachlosen. Seltsame Gestalten bevölkern die Bühne – auffallend kostümierte Nachtschattengewächse mit Gesichtsmasken und exotischem Kopfputz (Kostüme und Masken: Markus Kuscher), (Traum)Tänzerinnen und (Traum)Tänzer, die aber mehr sind als das, nämlich auch Harlekine, Marionetten, Engel, Affen, der Tod.

Die surrealistische Poesie des uruguayischen Dichters Horacio Ferrer, den sich Piazzolla gewünscht hatte, hat schon das Publikum vor knapp sechs Jahrzehnten heillos überfordert. Und doch wird sie durch die Musik, ihre Melancholie und ihr überbordendes Temperament der Rezeption des Publikums verständlich in ihrer eigenen Art, Empfindungen auszulösen, Empathien zu befördern und die Verve der Musik mit ihren hochpoetischen Texten sozusagen durch den eigenen Körper fließen zu lassen. Selbstverständlich wird diesem Publikum auch eine Art Übersetzungshilfe durch in die Szenerie eingeblendete Inserts des Textes geliefert. Sie sind aber nicht unbedingt Vorbedingung für das Verständnis dieses Werk, wie dies bei anderen Opern durchaus der Fall ist.

Die Inszenierung stellt sich dem dunklen Glanz der Oper in vorherrschend sparsamer Ausleuchtung. Differenzierende Akzente in Spiel und musikalische Pointiertheit sind ihr Elixier, zumal ein Theaterhaus der lokalen wie finanziellen Größe des klagenfurter ensemble nicht mit Kohorten an Darsteller:innen, Tänzer:innen und Materialien klotzen kann. Dennoch wird man nichts an Opulenz, wie sie sich primär in der Musik, aber auch in der Bühnenchoreografie äußert, vermissen.

Zu den Mitteln der Inszenierung wäre grob zu sagen, dass sie sich – neben den live vorhandenen Protagonist:innen, also María, den Geist und einen Bariton in verschiedenen Rollen – zusätzlich voraufgezeichneter Videopassagen, eines Reigens von Fotoportraits aus den letzten Jahrzehnten der Darstellerin der María, Irene Coticchio, sowie der Bewegungs- und Tanzchoreografie eines nonverbalen, professionellen Tänzers bedient. Dazu stößt ein eigener Bühnenkörper, der aus vorwiegend jugendlichen, aber auch erwachsenen Darsteller:innen des Amateurtheaterbereichs besteht. Sie agieren vornehmlich hinter Masken als anonyme Zuträger für ein Spiel um Leidenschaft und Irritation, Hingabe und Widerstand, Trauer und doch auch unverhohlener Lebensfreude. 

Das musikalische Ensemble unter der Leitung von Davorin Mori, bestehend aus fünf Musikern (Arrangement: Ferry Janoska), erfüllt einerseits den Part der instrumental-musikalischen Umsetzung, ist aber in seinem sichtbaren Vorhandensein auf der Bühne auch gezielt Mitwirkender sowohl in der sprachlich-akustischen, als auch der optischen Aufbereitung der Erzählung von Horacio Ferrer und Astor Piazzolla. So übernimmt es beispielsweise auch den Part der chorischen Männerstimmen oder – wie im Fall des Bandoneons – auch direkt szenisch-darstellerische Funktionen. Die weiblichen Chorpassagen werden in Form von voraufgenommenen Einspielungen in das musikalische Gesamtgefüge integriert. 

Die Inszenierung von „María de Buenos Aires“ im klagenfurter ensemble 2026 versteht sich somit nicht nur als künstlerischer, sondern in gewisser Weise auch soziologischer, wenn nicht gar pädagogischer Akt: Junge Menschen werden in den aktiv von ihnen mitgestalteten Sog eines schillernden Beispiels des modernen Theater- und Opernrepertoires gezogen und bekommen dadurch die Möglichkeit, neben Bühnenerfahrung auch einen Ausblick auf ein mögliches Leben abseits von TikTok zu lukrieren.

Mit: IRENE COTICCHIO, LUIS HERNÁNDEZ-LUQUE, MARKUS SCHÖTTL

Regie und Bühne: PETER WAGNER

Dirigent: DAVORIN MORI
Musikalische Formation: TANGO QUINTETT PIAZZOLLEKY
MATJAŽ ANTONČIČ
MATJAŽ BALAŽIC
TIMI KRAJNC
STAŠ ČAKŠ
VOJKO VEŠLIGAJ
DAVORIN MORI

Kostüm: MARKUS KUSCHER
Licht- & Tondesign: N.N., KONRAD ÜBERBACHER
Regieassistenz: KERSTIN HASLAUER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Uraufführung
Text: Effe U Knust
Regie: Anja M. Wohlfahrt

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit Theater am Lend

Premiere: 4. November 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 6., 7., 12., 13., 14., 19., 20., 21. November - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Ausgehend von Die Kameliendame, Der Zauberberg und Aufzeichnungen aus einem Irrenhaus verwebt Effe U Knust autobiografische Reha-Erfahrungen mit literarischen Krankheitsnarrativen - immer in der Absicht, die Ausgangsstoffe kritisch-feministisch zu lesen. Krankheit erscheint nicht als Ausnahmezustand, sondern als gesellschaftlicher Spiegel: Wer ist krank, wer gilt als gesund – und wer entscheidet das? Wer spricht? Wer urteilt?

Wie bei Dumas wird der weibliche Körper zum Projektionsraum von Moral und Begehren. In Anlehnung an Thomas Manns Sanatorium wird die Reha zur zeitenthobenen Parallelwelt, in der Stillstand und Selbstbeobachtung herrschen. Christine Lavants schonungslose Innenperspektive öffnet den Blick auf das Stigma psychischer und körperlicher Abweichung. Knust stellt dem ihre eigene Stimme entgegen: als Frau, Patientin und Autorin in einer leistungsfixierten Gesellschaft. Warum wurde die vermeintlich moralische Verkommenheit literarischer Frauenfiguren mit körperlichem (äußerlichen) Verfall gezeichnet?

Zentrale Themen sind Krankheit als Identität, weibliche Selbstbestimmung, gesellschaftliche Normierung und die fragile Grenze zwischen Fürsorge und Kontrolle.

In Las Weinberge befindet sich die Protagonistin, Jazmin, gerade auf Reha. Um gesund zu sein und zu werden, läuft sie. Quer durch diese Weinberge und sie denkt. Läuft. Denkt. Läuft. Denkt. Raucht nicht. Hustet trotzdem. Lungenleiden. Seelenleiden. Wie funktioniert gesund werden? Was ist überhaupt krank sein und was ist gesund sein? Und was hat das alles mit den Zuschreibungen zu tun, denen weiblich gelesene Personen in unserer heutigen Gesellschaft konfrontiert sind?

Was passiert, wenn Heilung nicht Rückkehr zur Normalität bedeutet, sondern Widerstand gegen sie?

Mit: Clara Diemling & 8-10 Statist*innen

Komposition & Live-Musik: Stefan Gfrerrer

Regie: Anja M. Wohlfahrt

Kostüm: Sarah Mattitsch
, Bühne: Majda Krivograd
Licht- & Tondesign: N.N., Konrad Überbacher
Produktionsleitung: Susanna Buchacher

Uraufführung
Text: Effe U Knust
Regie: Anja M. Wohlfahrt

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit Theater am Lend

Premiere: 4. November 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 6., 7., 12., 13., 14., 19., 20., 21. November - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Ausgehend von Die Kameliendame, Der Zauberberg und Aufzeichnungen aus einem Irrenhaus verwebt Effe U Knust autobiografische Reha-Erfahrungen mit literarischen Krankheitsnarrativen - immer in der Absicht, die Ausgangsstoffe kritisch-feministisch zu lesen. Krankheit erscheint nicht als Ausnahmezustand, sondern als gesellschaftlicher Spiegel: Wer ist krank, wer gilt als gesund – und wer entscheidet das? Wer spricht? Wer urteilt?

Wie bei Dumas wird der weibliche Körper zum Projektionsraum von Moral und Begehren. In Anlehnung an Thomas Manns Sanatorium wird die Reha zur zeitenthobenen Parallelwelt, in der Stillstand und Selbstbeobachtung herrschen. Christine Lavants schonungslose Innenperspektive öffnet den Blick auf das Stigma psychischer und körperlicher Abweichung. Knust stellt dem ihre eigene Stimme entgegen: als Frau, Patientin und Autorin in einer leistungsfixierten Gesellschaft. Warum wurde die vermeintlich moralische Verkommenheit literarischer Frauenfiguren mit körperlichem (äußerlichen) Verfall gezeichnet?

Zentrale Themen sind Krankheit als Identität, weibliche Selbstbestimmung, gesellschaftliche Normierung und die fragile Grenze zwischen Fürsorge und Kontrolle.

In Las Weinberge befindet sich die Protagonistin, Jazmin, gerade auf Reha. Um gesund zu sein und zu werden, läuft sie. Quer durch diese Weinberge und sie denkt. Läuft. Denkt. Läuft. Denkt. Raucht nicht. Hustet trotzdem. Lungenleiden. Seelenleiden. Wie funktioniert gesund werden? Was ist überhaupt krank sein und was ist gesund sein? Und was hat das alles mit den Zuschreibungen zu tun, denen weiblich gelesene Personen in unserer heutigen Gesellschaft konfrontiert sind?

Was passiert, wenn Heilung nicht Rückkehr zur Normalität bedeutet, sondern Widerstand gegen sie?

Mit: Clara Diemling & 8-10 Statist*innen

Komposition & Live-Musik: Stefan Gfrerrer

Regie: Anja M. Wohlfahrt

Kostüm: Sarah Mattitsch
, Bühne: Majda Krivograd
Licht- & Tondesign: N.N., Konrad Überbacher
Produktionsleitung: Susanna Buchacher

Uraufführung
Text: Effe U Knust
Regie: Anja M. Wohlfahrt

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit Theater am Lend

Premiere: 4. November 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 6., 7., 12., 13., 14., 19., 20., 21. November - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Ausgehend von Die Kameliendame, Der Zauberberg und Aufzeichnungen aus einem Irrenhaus verwebt Effe U Knust autobiografische Reha-Erfahrungen mit literarischen Krankheitsnarrativen - immer in der Absicht, die Ausgangsstoffe kritisch-feministisch zu lesen. Krankheit erscheint nicht als Ausnahmezustand, sondern als gesellschaftlicher Spiegel: Wer ist krank, wer gilt als gesund – und wer entscheidet das? Wer spricht? Wer urteilt?

Wie bei Dumas wird der weibliche Körper zum Projektionsraum von Moral und Begehren. In Anlehnung an Thomas Manns Sanatorium wird die Reha zur zeitenthobenen Parallelwelt, in der Stillstand und Selbstbeobachtung herrschen. Christine Lavants schonungslose Innenperspektive öffnet den Blick auf das Stigma psychischer und körperlicher Abweichung. Knust stellt dem ihre eigene Stimme entgegen: als Frau, Patientin und Autorin in einer leistungsfixierten Gesellschaft. Warum wurde die vermeintlich moralische Verkommenheit literarischer Frauenfiguren mit körperlichem (äußerlichen) Verfall gezeichnet?

Zentrale Themen sind Krankheit als Identität, weibliche Selbstbestimmung, gesellschaftliche Normierung und die fragile Grenze zwischen Fürsorge und Kontrolle.

In Las Weinberge befindet sich die Protagonistin, Jazmin, gerade auf Reha. Um gesund zu sein und zu werden, läuft sie. Quer durch diese Weinberge und sie denkt. Läuft. Denkt. Läuft. Denkt. Raucht nicht. Hustet trotzdem. Lungenleiden. Seelenleiden. Wie funktioniert gesund werden? Was ist überhaupt krank sein und was ist gesund sein? Und was hat das alles mit den Zuschreibungen zu tun, denen weiblich gelesene Personen in unserer heutigen Gesellschaft konfrontiert sind?

Was passiert, wenn Heilung nicht Rückkehr zur Normalität bedeutet, sondern Widerstand gegen sie?

Mit: Clara Diemling & 8-10 Statist*innen

Komposition & Live-Musik: Stefan Gfrerrer

Regie: Anja M. Wohlfahrt

Kostüm: Sarah Mattitsch
, Bühne: Majda Krivograd
Licht- & Tondesign: N.N., Konrad Überbacher
Produktionsleitung: Susanna Buchacher

Uraufführung
Text: Effe U Knust
Regie: Anja M. Wohlfahrt

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit Theater am Lend

Premiere: 4. November 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 6., 7., 12., 13., 14., 19., 20., 21. November - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Ausgehend von Die Kameliendame, Der Zauberberg und Aufzeichnungen aus einem Irrenhaus verwebt Effe U Knust autobiografische Reha-Erfahrungen mit literarischen Krankheitsnarrativen - immer in der Absicht, die Ausgangsstoffe kritisch-feministisch zu lesen. Krankheit erscheint nicht als Ausnahmezustand, sondern als gesellschaftlicher Spiegel: Wer ist krank, wer gilt als gesund – und wer entscheidet das? Wer spricht? Wer urteilt?

Wie bei Dumas wird der weibliche Körper zum Projektionsraum von Moral und Begehren. In Anlehnung an Thomas Manns Sanatorium wird die Reha zur zeitenthobenen Parallelwelt, in der Stillstand und Selbstbeobachtung herrschen. Christine Lavants schonungslose Innenperspektive öffnet den Blick auf das Stigma psychischer und körperlicher Abweichung. Knust stellt dem ihre eigene Stimme entgegen: als Frau, Patientin und Autorin in einer leistungsfixierten Gesellschaft. Warum wurde die vermeintlich moralische Verkommenheit literarischer Frauenfiguren mit körperlichem (äußerlichen) Verfall gezeichnet?

Zentrale Themen sind Krankheit als Identität, weibliche Selbstbestimmung, gesellschaftliche Normierung und die fragile Grenze zwischen Fürsorge und Kontrolle.

In Las Weinberge befindet sich die Protagonistin, Jazmin, gerade auf Reha. Um gesund zu sein und zu werden, läuft sie. Quer durch diese Weinberge und sie denkt. Läuft. Denkt. Läuft. Denkt. Raucht nicht. Hustet trotzdem. Lungenleiden. Seelenleiden. Wie funktioniert gesund werden? Was ist überhaupt krank sein und was ist gesund sein? Und was hat das alles mit den Zuschreibungen zu tun, denen weiblich gelesene Personen in unserer heutigen Gesellschaft konfrontiert sind?

Was passiert, wenn Heilung nicht Rückkehr zur Normalität bedeutet, sondern Widerstand gegen sie?

Mit: Clara Diemling & 8-10 Statist*innen

Komposition & Live-Musik: Stefan Gfrerrer

Regie: Anja M. Wohlfahrt

Kostüm: Sarah Mattitsch
, Bühne: Majda Krivograd
Licht- & Tondesign: N.N., Konrad Überbacher
Produktionsleitung: Susanna Buchacher

Uraufführung
Text: Effe U Knust
Regie: Anja M. Wohlfahrt

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit Theater am Lend

Premiere: 4. November 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 6., 7., 12., 13., 14., 19., 20., 21. November - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Ausgehend von Die Kameliendame, Der Zauberberg und Aufzeichnungen aus einem Irrenhaus verwebt Effe U Knust autobiografische Reha-Erfahrungen mit literarischen Krankheitsnarrativen - immer in der Absicht, die Ausgangsstoffe kritisch-feministisch zu lesen. Krankheit erscheint nicht als Ausnahmezustand, sondern als gesellschaftlicher Spiegel: Wer ist krank, wer gilt als gesund – und wer entscheidet das? Wer spricht? Wer urteilt?

Wie bei Dumas wird der weibliche Körper zum Projektionsraum von Moral und Begehren. In Anlehnung an Thomas Manns Sanatorium wird die Reha zur zeitenthobenen Parallelwelt, in der Stillstand und Selbstbeobachtung herrschen. Christine Lavants schonungslose Innenperspektive öffnet den Blick auf das Stigma psychischer und körperlicher Abweichung. Knust stellt dem ihre eigene Stimme entgegen: als Frau, Patientin und Autorin in einer leistungsfixierten Gesellschaft. Warum wurde die vermeintlich moralische Verkommenheit literarischer Frauenfiguren mit körperlichem (äußerlichen) Verfall gezeichnet?

Zentrale Themen sind Krankheit als Identität, weibliche Selbstbestimmung, gesellschaftliche Normierung und die fragile Grenze zwischen Fürsorge und Kontrolle.

In Las Weinberge befindet sich die Protagonistin, Jazmin, gerade auf Reha. Um gesund zu sein und zu werden, läuft sie. Quer durch diese Weinberge und sie denkt. Läuft. Denkt. Läuft. Denkt. Raucht nicht. Hustet trotzdem. Lungenleiden. Seelenleiden. Wie funktioniert gesund werden? Was ist überhaupt krank sein und was ist gesund sein? Und was hat das alles mit den Zuschreibungen zu tun, denen weiblich gelesene Personen in unserer heutigen Gesellschaft konfrontiert sind?

Was passiert, wenn Heilung nicht Rückkehr zur Normalität bedeutet, sondern Widerstand gegen sie?

Mit: Clara Diemling & 8-10 Statist*innen

Komposition & Live-Musik: Stefan Gfrerrer

Regie: Anja M. Wohlfahrt

Kostüm: Sarah Mattitsch
, Bühne: Majda Krivograd
Licht- & Tondesign: N.N., Konrad Überbacher
Produktionsleitung: Susanna Buchacher

Uraufführung
Text: Effe U Knust
Regie: Anja M. Wohlfahrt

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit Theater am Lend

Premiere: 4. November 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 6., 7., 12., 13., 14., 19., 20., 21. November - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Ausgehend von Die Kameliendame, Der Zauberberg und Aufzeichnungen aus einem Irrenhaus verwebt Effe U Knust autobiografische Reha-Erfahrungen mit literarischen Krankheitsnarrativen - immer in der Absicht, die Ausgangsstoffe kritisch-feministisch zu lesen. Krankheit erscheint nicht als Ausnahmezustand, sondern als gesellschaftlicher Spiegel: Wer ist krank, wer gilt als gesund – und wer entscheidet das? Wer spricht? Wer urteilt?

Wie bei Dumas wird der weibliche Körper zum Projektionsraum von Moral und Begehren. In Anlehnung an Thomas Manns Sanatorium wird die Reha zur zeitenthobenen Parallelwelt, in der Stillstand und Selbstbeobachtung herrschen. Christine Lavants schonungslose Innenperspektive öffnet den Blick auf das Stigma psychischer und körperlicher Abweichung. Knust stellt dem ihre eigene Stimme entgegen: als Frau, Patientin und Autorin in einer leistungsfixierten Gesellschaft. Warum wurde die vermeintlich moralische Verkommenheit literarischer Frauenfiguren mit körperlichem (äußerlichen) Verfall gezeichnet?

Zentrale Themen sind Krankheit als Identität, weibliche Selbstbestimmung, gesellschaftliche Normierung und die fragile Grenze zwischen Fürsorge und Kontrolle.

In Las Weinberge befindet sich die Protagonistin, Jazmin, gerade auf Reha. Um gesund zu sein und zu werden, läuft sie. Quer durch diese Weinberge und sie denkt. Läuft. Denkt. Läuft. Denkt. Raucht nicht. Hustet trotzdem. Lungenleiden. Seelenleiden. Wie funktioniert gesund werden? Was ist überhaupt krank sein und was ist gesund sein? Und was hat das alles mit den Zuschreibungen zu tun, denen weiblich gelesene Personen in unserer heutigen Gesellschaft konfrontiert sind?

Was passiert, wenn Heilung nicht Rückkehr zur Normalität bedeutet, sondern Widerstand gegen sie?

Mit: Clara Diemling & 8-10 Statist*innen

Komposition & Live-Musik: Stefan Gfrerrer

Regie: Anja M. Wohlfahrt

Kostüm: Sarah Mattitsch
, Bühne: Majda Krivograd
Licht- & Tondesign: N.N., Konrad Überbacher
Produktionsleitung: Susanna Buchacher

Uraufführung
Text: Effe U Knust
Regie: Anja M. Wohlfahrt

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit Theater am Lend

Premiere: 4. November 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 6., 7., 12., 13., 14., 19., 20., 21. November - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Ausgehend von Die Kameliendame, Der Zauberberg und Aufzeichnungen aus einem Irrenhaus verwebt Effe U Knust autobiografische Reha-Erfahrungen mit literarischen Krankheitsnarrativen - immer in der Absicht, die Ausgangsstoffe kritisch-feministisch zu lesen. Krankheit erscheint nicht als Ausnahmezustand, sondern als gesellschaftlicher Spiegel: Wer ist krank, wer gilt als gesund – und wer entscheidet das? Wer spricht? Wer urteilt?

Wie bei Dumas wird der weibliche Körper zum Projektionsraum von Moral und Begehren. In Anlehnung an Thomas Manns Sanatorium wird die Reha zur zeitenthobenen Parallelwelt, in der Stillstand und Selbstbeobachtung herrschen. Christine Lavants schonungslose Innenperspektive öffnet den Blick auf das Stigma psychischer und körperlicher Abweichung. Knust stellt dem ihre eigene Stimme entgegen: als Frau, Patientin und Autorin in einer leistungsfixierten Gesellschaft. Warum wurde die vermeintlich moralische Verkommenheit literarischer Frauenfiguren mit körperlichem (äußerlichen) Verfall gezeichnet?

Zentrale Themen sind Krankheit als Identität, weibliche Selbstbestimmung, gesellschaftliche Normierung und die fragile Grenze zwischen Fürsorge und Kontrolle.

In Las Weinberge befindet sich die Protagonistin, Jazmin, gerade auf Reha. Um gesund zu sein und zu werden, läuft sie. Quer durch diese Weinberge und sie denkt. Läuft. Denkt. Läuft. Denkt. Raucht nicht. Hustet trotzdem. Lungenleiden. Seelenleiden. Wie funktioniert gesund werden? Was ist überhaupt krank sein und was ist gesund sein? Und was hat das alles mit den Zuschreibungen zu tun, denen weiblich gelesene Personen in unserer heutigen Gesellschaft konfrontiert sind?

Was passiert, wenn Heilung nicht Rückkehr zur Normalität bedeutet, sondern Widerstand gegen sie?

Mit: Clara Diemling & 8-10 Statist*innen

Komposition & Live-Musik: Stefan Gfrerrer

Regie: Anja M. Wohlfahrt

Kostüm: Sarah Mattitsch
, Bühne: Majda Krivograd
Licht- & Tondesign: N.N., Konrad Überbacher
Produktionsleitung: Susanna Buchacher

Uraufführung
Text: Effe U Knust
Regie: Anja M. Wohlfahrt

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit Theater am Lend

Premiere: 4. November 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 6., 7., 12., 13., 14., 19., 20., 21. November - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Ausgehend von Die Kameliendame, Der Zauberberg und Aufzeichnungen aus einem Irrenhaus verwebt Effe U Knust autobiografische Reha-Erfahrungen mit literarischen Krankheitsnarrativen - immer in der Absicht, die Ausgangsstoffe kritisch-feministisch zu lesen. Krankheit erscheint nicht als Ausnahmezustand, sondern als gesellschaftlicher Spiegel: Wer ist krank, wer gilt als gesund – und wer entscheidet das? Wer spricht? Wer urteilt?

Wie bei Dumas wird der weibliche Körper zum Projektionsraum von Moral und Begehren. In Anlehnung an Thomas Manns Sanatorium wird die Reha zur zeitenthobenen Parallelwelt, in der Stillstand und Selbstbeobachtung herrschen. Christine Lavants schonungslose Innenperspektive öffnet den Blick auf das Stigma psychischer und körperlicher Abweichung. Knust stellt dem ihre eigene Stimme entgegen: als Frau, Patientin und Autorin in einer leistungsfixierten Gesellschaft. Warum wurde die vermeintlich moralische Verkommenheit literarischer Frauenfiguren mit körperlichem (äußerlichen) Verfall gezeichnet?

Zentrale Themen sind Krankheit als Identität, weibliche Selbstbestimmung, gesellschaftliche Normierung und die fragile Grenze zwischen Fürsorge und Kontrolle.

In Las Weinberge befindet sich die Protagonistin, Jazmin, gerade auf Reha. Um gesund zu sein und zu werden, läuft sie. Quer durch diese Weinberge und sie denkt. Läuft. Denkt. Läuft. Denkt. Raucht nicht. Hustet trotzdem. Lungenleiden. Seelenleiden. Wie funktioniert gesund werden? Was ist überhaupt krank sein und was ist gesund sein? Und was hat das alles mit den Zuschreibungen zu tun, denen weiblich gelesene Personen in unserer heutigen Gesellschaft konfrontiert sind?

Was passiert, wenn Heilung nicht Rückkehr zur Normalität bedeutet, sondern Widerstand gegen sie?

Mit: Clara Diemling & 8-10 Statist*innen

Komposition & Live-Musik: Stefan Gfrerrer

Regie: Anja M. Wohlfahrt

Kostüm: Sarah Mattitsch
, Bühne: Majda Krivograd
Licht- & Tondesign: N.N., Konrad Überbacher
Produktionsleitung: Susanna Buchacher

Uraufführung
Text: Effe U Knust
Regie: Anja M. Wohlfahrt

eine Produktion des klagenfurter ensemble in Koproduktion mit Theater am Lend

Premiere: 4. November 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 6., 7., 12., 13., 14., 19., 20., 21. November - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Ausgehend von Die Kameliendame, Der Zauberberg und Aufzeichnungen aus einem Irrenhaus verwebt Effe U Knust autobiografische Reha-Erfahrungen mit literarischen Krankheitsnarrativen - immer in der Absicht, die Ausgangsstoffe kritisch-feministisch zu lesen. Krankheit erscheint nicht als Ausnahmezustand, sondern als gesellschaftlicher Spiegel: Wer ist krank, wer gilt als gesund – und wer entscheidet das? Wer spricht? Wer urteilt?

Wie bei Dumas wird der weibliche Körper zum Projektionsraum von Moral und Begehren. In Anlehnung an Thomas Manns Sanatorium wird die Reha zur zeitenthobenen Parallelwelt, in der Stillstand und Selbstbeobachtung herrschen. Christine Lavants schonungslose Innenperspektive öffnet den Blick auf das Stigma psychischer und körperlicher Abweichung. Knust stellt dem ihre eigene Stimme entgegen: als Frau, Patientin und Autorin in einer leistungsfixierten Gesellschaft. Warum wurde die vermeintlich moralische Verkommenheit literarischer Frauenfiguren mit körperlichem (äußerlichen) Verfall gezeichnet?

Zentrale Themen sind Krankheit als Identität, weibliche Selbstbestimmung, gesellschaftliche Normierung und die fragile Grenze zwischen Fürsorge und Kontrolle.

In Las Weinberge befindet sich die Protagonistin, Jazmin, gerade auf Reha. Um gesund zu sein und zu werden, läuft sie. Quer durch diese Weinberge und sie denkt. Läuft. Denkt. Läuft. Denkt. Raucht nicht. Hustet trotzdem. Lungenleiden. Seelenleiden. Wie funktioniert gesund werden? Was ist überhaupt krank sein und was ist gesund sein? Und was hat das alles mit den Zuschreibungen zu tun, denen weiblich gelesene Personen in unserer heutigen Gesellschaft konfrontiert sind?

Was passiert, wenn Heilung nicht Rückkehr zur Normalität bedeutet, sondern Widerstand gegen sie?

Mit: Clara Diemling & 8-10 Statist*innen

Komposition & Live-Musik: Stefan Gfrerrer

Regie: Anja M. Wohlfahrt

Kostüm: Sarah Mattitsch
, Bühne: Majda Krivograd
Licht- & Tondesign: N.N., Konrad Überbacher
Produktionsleitung: Susanna Buchacher

Uraufführung
von Ulrich Kaufmann

eine Produktion des klagenfurter ensemble

Premiere: 9. Dezember 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 11.,12., 16., 17., 18., 19. Dezember - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Maximilian Achatz in ODO (c) Kaufmann

Nach der Finissage seiner großen Retrospektive beginnt der bildende Künstler „Odo“ eigenhändig seine umfangreiche Kunstinstallation abzubauen und braucht dafür ein Jahr. Ein Jahr, in dem er alleine und ohne auf einen anderen Menschen zu treffen im Museum lebt und am Abbau arbeitet. Begleitet wird er dabei nur von den Klängen übender Musikschülerinnen eines irgendwo im Haus untergebrachten Musikschulzimmers. Ein existenzialistisches Monodrama über Inspiration, Reflexion, Einsamkeit und Halluzination. Erfolg, Zweifel, Verletzung, Rausch, Ruhe und der unbändige Lebenswille eines alternden Künstlers, der sich beim Abbau seines Kunstwerkes näher kommt, als es ihm vielleicht recht ist.
Das Theater wird zum Museum. Odo steht mit seiner großen Retrospektive am Zenit seines künstlerischen Schaffens. Nach der überbordenden Rede einer Kunsthistorikerin werden die Gäste zum Verlassen der Museumsräume aufgerufen und nehmen Platz im Zuschauerraum. Die Anerkennung ist groß, doch schließen sich die Türen nach der Finissage, ist er alleine mit sich und seiner Arbeit. In unterschiedlichen emotionalen Zuständen beginnt er diese Arbeit abzubauen und es vergehen Tag um Tag, in denen er in absoluter Einsamkeit sein Lebenswerk abbaut. Als er sein Abbild in Form eines übergroßen Pappmachékopfes bearbeitet, ist er verwundert, dass dieser vollkommen hohl ist. Immer mehr gleitet er in Welten ab, die, ausgelöst durch Einzelstücke seiner Arbeit, Auslöser für Prozesse sind, die ihn in Bewegungen und Abläufe bringen. Bis er sich selbst bei dieser Arbeit begegnet. Bis zu Weihnachten ein Wolf vor der Türe steht. Bis ihn die Musik zum Tanzen bringt. Bis er im Sternenhimmel seinen Vater zu erkennen glaubt, und bis er ein Buch findet und beginnt, die Beispielsätze für Französischvokabeln auswendig zu lernen und bald Inhalt auf Umstand trifft. Geräusche, die vom Außen ins Innere dringen, schaffen Vorstellungen von den Umständen im Außen und als es heftig an der Türe klopft, öffnet er nicht. Irgendwann wird er sich fertig fühlen und aus dem Haus hinaustreten und sich in die Bewegungen der Außenwelt eingliedern, noch aber ist es nicht so weit. Die im Museum untergebrachte Musikschule liefert den Soundtrack zu seinem poetischen Selbsterfahrungstrip, der Abbauhilfe durch eine rote Vespa, einem fragwürdigen abgeschlossenen Raum und das Aufessen seiner Kunst, inklusive.

Mit:
MAXIMILIAN ACHATZ

Idee, Regie, Text, Video: ULRICH KAUFMANN

Kostüm & Objekte: MARKUS KUSCHER

Video, grafische Bildbearbeitung, Bühnenbilder: SIGRID FRIEDMANN

Tondesign und Videotechnik: KONRAD ÜBERBACHER

Lichtdesign: BERND ZADOW
Videoaufnahmen für Zuspielungen: ca. 4 Darsteller*innen

Tonaufnahmen für Zuspielungen: 3 bis 4 Musiker*innen 

Büro & Tickets: FRANZ DOLINER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Uraufführung
von Ulrich Kaufmann

eine Produktion des klagenfurter ensemble

Premiere: 9. Dezember 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 11.,12., 16., 17., 18., 19. Dezember - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Maximilian Achatz in ODO (c) Kaufmann

Nach der Finissage seiner großen Retrospektive beginnt der bildende Künstler „Odo“ eigenhändig seine umfangreiche Kunstinstallation abzubauen und braucht dafür ein Jahr. Ein Jahr, in dem er alleine und ohne auf einen anderen Menschen zu treffen im Museum lebt und am Abbau arbeitet. Begleitet wird er dabei nur von den Klängen übender Musikschülerinnen eines irgendwo im Haus untergebrachten Musikschulzimmers. Ein existenzialistisches Monodrama über Inspiration, Reflexion, Einsamkeit und Halluzination. Erfolg, Zweifel, Verletzung, Rausch, Ruhe und der unbändige Lebenswille eines alternden Künstlers, der sich beim Abbau seines Kunstwerkes näher kommt, als es ihm vielleicht recht ist.
Das Theater wird zum Museum. Odo steht mit seiner großen Retrospektive am Zenit seines künstlerischen Schaffens. Nach der überbordenden Rede einer Kunsthistorikerin werden die Gäste zum Verlassen der Museumsräume aufgerufen und nehmen Platz im Zuschauerraum. Die Anerkennung ist groß, doch schließen sich die Türen nach der Finissage, ist er alleine mit sich und seiner Arbeit. In unterschiedlichen emotionalen Zuständen beginnt er diese Arbeit abzubauen und es vergehen Tag um Tag, in denen er in absoluter Einsamkeit sein Lebenswerk abbaut. Als er sein Abbild in Form eines übergroßen Pappmachékopfes bearbeitet, ist er verwundert, dass dieser vollkommen hohl ist. Immer mehr gleitet er in Welten ab, die, ausgelöst durch Einzelstücke seiner Arbeit, Auslöser für Prozesse sind, die ihn in Bewegungen und Abläufe bringen. Bis er sich selbst bei dieser Arbeit begegnet. Bis zu Weihnachten ein Wolf vor der Türe steht. Bis ihn die Musik zum Tanzen bringt. Bis er im Sternenhimmel seinen Vater zu erkennen glaubt, und bis er ein Buch findet und beginnt, die Beispielsätze für Französischvokabeln auswendig zu lernen und bald Inhalt auf Umstand trifft. Geräusche, die vom Außen ins Innere dringen, schaffen Vorstellungen von den Umständen im Außen und als es heftig an der Türe klopft, öffnet er nicht. Irgendwann wird er sich fertig fühlen und aus dem Haus hinaustreten und sich in die Bewegungen der Außenwelt eingliedern, noch aber ist es nicht so weit. Die im Museum untergebrachte Musikschule liefert den Soundtrack zu seinem poetischen Selbsterfahrungstrip, der Abbauhilfe durch eine rote Vespa, einem fragwürdigen abgeschlossenen Raum und das Aufessen seiner Kunst, inklusive.

Mit:
MAXIMILIAN ACHATZ

Idee, Regie, Text, Video: ULRICH KAUFMANN

Kostüm & Objekte: MARKUS KUSCHER

Video, grafische Bildbearbeitung, Bühnenbilder: SIGRID FRIEDMANN

Tondesign und Videotechnik: KONRAD ÜBERBACHER

Lichtdesign: BERND ZADOW
Videoaufnahmen für Zuspielungen: ca. 4 Darsteller*innen

Tonaufnahmen für Zuspielungen: 3 bis 4 Musiker*innen 

Büro & Tickets: FRANZ DOLINER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Uraufführung
von Ulrich Kaufmann

eine Produktion des klagenfurter ensemble

Premiere: 9. Dezember 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 11.,12., 16., 17., 18., 19. Dezember - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Maximilian Achatz in ODO (c) Kaufmann

Nach der Finissage seiner großen Retrospektive beginnt der bildende Künstler „Odo“ eigenhändig seine umfangreiche Kunstinstallation abzubauen und braucht dafür ein Jahr. Ein Jahr, in dem er alleine und ohne auf einen anderen Menschen zu treffen im Museum lebt und am Abbau arbeitet. Begleitet wird er dabei nur von den Klängen übender Musikschülerinnen eines irgendwo im Haus untergebrachten Musikschulzimmers. Ein existenzialistisches Monodrama über Inspiration, Reflexion, Einsamkeit und Halluzination. Erfolg, Zweifel, Verletzung, Rausch, Ruhe und der unbändige Lebenswille eines alternden Künstlers, der sich beim Abbau seines Kunstwerkes näher kommt, als es ihm vielleicht recht ist.
Das Theater wird zum Museum. Odo steht mit seiner großen Retrospektive am Zenit seines künstlerischen Schaffens. Nach der überbordenden Rede einer Kunsthistorikerin werden die Gäste zum Verlassen der Museumsräume aufgerufen und nehmen Platz im Zuschauerraum. Die Anerkennung ist groß, doch schließen sich die Türen nach der Finissage, ist er alleine mit sich und seiner Arbeit. In unterschiedlichen emotionalen Zuständen beginnt er diese Arbeit abzubauen und es vergehen Tag um Tag, in denen er in absoluter Einsamkeit sein Lebenswerk abbaut. Als er sein Abbild in Form eines übergroßen Pappmachékopfes bearbeitet, ist er verwundert, dass dieser vollkommen hohl ist. Immer mehr gleitet er in Welten ab, die, ausgelöst durch Einzelstücke seiner Arbeit, Auslöser für Prozesse sind, die ihn in Bewegungen und Abläufe bringen. Bis er sich selbst bei dieser Arbeit begegnet. Bis zu Weihnachten ein Wolf vor der Türe steht. Bis ihn die Musik zum Tanzen bringt. Bis er im Sternenhimmel seinen Vater zu erkennen glaubt, und bis er ein Buch findet und beginnt, die Beispielsätze für Französischvokabeln auswendig zu lernen und bald Inhalt auf Umstand trifft. Geräusche, die vom Außen ins Innere dringen, schaffen Vorstellungen von den Umständen im Außen und als es heftig an der Türe klopft, öffnet er nicht. Irgendwann wird er sich fertig fühlen und aus dem Haus hinaustreten und sich in die Bewegungen der Außenwelt eingliedern, noch aber ist es nicht so weit. Die im Museum untergebrachte Musikschule liefert den Soundtrack zu seinem poetischen Selbsterfahrungstrip, der Abbauhilfe durch eine rote Vespa, einem fragwürdigen abgeschlossenen Raum und das Aufessen seiner Kunst, inklusive.

Mit:
MAXIMILIAN ACHATZ

Idee, Regie, Text, Video: ULRICH KAUFMANN

Kostüm & Objekte: MARKUS KUSCHER

Video, grafische Bildbearbeitung, Bühnenbilder: SIGRID FRIEDMANN

Tondesign und Videotechnik: KONRAD ÜBERBACHER

Lichtdesign: BERND ZADOW
Videoaufnahmen für Zuspielungen: ca. 4 Darsteller*innen

Tonaufnahmen für Zuspielungen: 3 bis 4 Musiker*innen 

Büro & Tickets: FRANZ DOLINER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Uraufführung
von Ulrich Kaufmann

eine Produktion des klagenfurter ensemble

Premiere: 9. Dezember 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 11.,12., 16., 17., 18., 19. Dezember - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Maximilian Achatz in ODO (c) Kaufmann

Nach der Finissage seiner großen Retrospektive beginnt der bildende Künstler „Odo“ eigenhändig seine umfangreiche Kunstinstallation abzubauen und braucht dafür ein Jahr. Ein Jahr, in dem er alleine und ohne auf einen anderen Menschen zu treffen im Museum lebt und am Abbau arbeitet. Begleitet wird er dabei nur von den Klängen übender Musikschülerinnen eines irgendwo im Haus untergebrachten Musikschulzimmers. Ein existenzialistisches Monodrama über Inspiration, Reflexion, Einsamkeit und Halluzination. Erfolg, Zweifel, Verletzung, Rausch, Ruhe und der unbändige Lebenswille eines alternden Künstlers, der sich beim Abbau seines Kunstwerkes näher kommt, als es ihm vielleicht recht ist.
Das Theater wird zum Museum. Odo steht mit seiner großen Retrospektive am Zenit seines künstlerischen Schaffens. Nach der überbordenden Rede einer Kunsthistorikerin werden die Gäste zum Verlassen der Museumsräume aufgerufen und nehmen Platz im Zuschauerraum. Die Anerkennung ist groß, doch schließen sich die Türen nach der Finissage, ist er alleine mit sich und seiner Arbeit. In unterschiedlichen emotionalen Zuständen beginnt er diese Arbeit abzubauen und es vergehen Tag um Tag, in denen er in absoluter Einsamkeit sein Lebenswerk abbaut. Als er sein Abbild in Form eines übergroßen Pappmachékopfes bearbeitet, ist er verwundert, dass dieser vollkommen hohl ist. Immer mehr gleitet er in Welten ab, die, ausgelöst durch Einzelstücke seiner Arbeit, Auslöser für Prozesse sind, die ihn in Bewegungen und Abläufe bringen. Bis er sich selbst bei dieser Arbeit begegnet. Bis zu Weihnachten ein Wolf vor der Türe steht. Bis ihn die Musik zum Tanzen bringt. Bis er im Sternenhimmel seinen Vater zu erkennen glaubt, und bis er ein Buch findet und beginnt, die Beispielsätze für Französischvokabeln auswendig zu lernen und bald Inhalt auf Umstand trifft. Geräusche, die vom Außen ins Innere dringen, schaffen Vorstellungen von den Umständen im Außen und als es heftig an der Türe klopft, öffnet er nicht. Irgendwann wird er sich fertig fühlen und aus dem Haus hinaustreten und sich in die Bewegungen der Außenwelt eingliedern, noch aber ist es nicht so weit. Die im Museum untergebrachte Musikschule liefert den Soundtrack zu seinem poetischen Selbsterfahrungstrip, der Abbauhilfe durch eine rote Vespa, einem fragwürdigen abgeschlossenen Raum und das Aufessen seiner Kunst, inklusive.

Mit:
MAXIMILIAN ACHATZ

Idee, Regie, Text, Video: ULRICH KAUFMANN

Kostüm & Objekte: MARKUS KUSCHER

Video, grafische Bildbearbeitung, Bühnenbilder: SIGRID FRIEDMANN

Tondesign und Videotechnik: KONRAD ÜBERBACHER

Lichtdesign: BERND ZADOW
Videoaufnahmen für Zuspielungen: ca. 4 Darsteller*innen

Tonaufnahmen für Zuspielungen: 3 bis 4 Musiker*innen 

Büro & Tickets: FRANZ DOLINER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Uraufführung
von Ulrich Kaufmann

eine Produktion des klagenfurter ensemble

Premiere: 9. Dezember 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 11.,12., 16., 17., 18., 19. Dezember - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Maximilian Achatz in ODO (c) Kaufmann

Nach der Finissage seiner großen Retrospektive beginnt der bildende Künstler „Odo“ eigenhändig seine umfangreiche Kunstinstallation abzubauen und braucht dafür ein Jahr. Ein Jahr, in dem er alleine und ohne auf einen anderen Menschen zu treffen im Museum lebt und am Abbau arbeitet. Begleitet wird er dabei nur von den Klängen übender Musikschülerinnen eines irgendwo im Haus untergebrachten Musikschulzimmers. Ein existenzialistisches Monodrama über Inspiration, Reflexion, Einsamkeit und Halluzination. Erfolg, Zweifel, Verletzung, Rausch, Ruhe und der unbändige Lebenswille eines alternden Künstlers, der sich beim Abbau seines Kunstwerkes näher kommt, als es ihm vielleicht recht ist.
Das Theater wird zum Museum. Odo steht mit seiner großen Retrospektive am Zenit seines künstlerischen Schaffens. Nach der überbordenden Rede einer Kunsthistorikerin werden die Gäste zum Verlassen der Museumsräume aufgerufen und nehmen Platz im Zuschauerraum. Die Anerkennung ist groß, doch schließen sich die Türen nach der Finissage, ist er alleine mit sich und seiner Arbeit. In unterschiedlichen emotionalen Zuständen beginnt er diese Arbeit abzubauen und es vergehen Tag um Tag, in denen er in absoluter Einsamkeit sein Lebenswerk abbaut. Als er sein Abbild in Form eines übergroßen Pappmachékopfes bearbeitet, ist er verwundert, dass dieser vollkommen hohl ist. Immer mehr gleitet er in Welten ab, die, ausgelöst durch Einzelstücke seiner Arbeit, Auslöser für Prozesse sind, die ihn in Bewegungen und Abläufe bringen. Bis er sich selbst bei dieser Arbeit begegnet. Bis zu Weihnachten ein Wolf vor der Türe steht. Bis ihn die Musik zum Tanzen bringt. Bis er im Sternenhimmel seinen Vater zu erkennen glaubt, und bis er ein Buch findet und beginnt, die Beispielsätze für Französischvokabeln auswendig zu lernen und bald Inhalt auf Umstand trifft. Geräusche, die vom Außen ins Innere dringen, schaffen Vorstellungen von den Umständen im Außen und als es heftig an der Türe klopft, öffnet er nicht. Irgendwann wird er sich fertig fühlen und aus dem Haus hinaustreten und sich in die Bewegungen der Außenwelt eingliedern, noch aber ist es nicht so weit. Die im Museum untergebrachte Musikschule liefert den Soundtrack zu seinem poetischen Selbsterfahrungstrip, der Abbauhilfe durch eine rote Vespa, einem fragwürdigen abgeschlossenen Raum und das Aufessen seiner Kunst, inklusive.

Mit:
MAXIMILIAN ACHATZ

Idee, Regie, Text, Video: ULRICH KAUFMANN

Kostüm & Objekte: MARKUS KUSCHER

Video, grafische Bildbearbeitung, Bühnenbilder: SIGRID FRIEDMANN

Tondesign und Videotechnik: KONRAD ÜBERBACHER

Lichtdesign: BERND ZADOW
Videoaufnahmen für Zuspielungen: ca. 4 Darsteller*innen

Tonaufnahmen für Zuspielungen: 3 bis 4 Musiker*innen 

Büro & Tickets: FRANZ DOLINER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Uraufführung
von Ulrich Kaufmann

eine Produktion des klagenfurter ensemble

Premiere: 9. Dezember 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 11.,12., 16., 17., 18., 19. Dezember - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Maximilian Achatz in ODO (c) Kaufmann

Nach der Finissage seiner großen Retrospektive beginnt der bildende Künstler „Odo“ eigenhändig seine umfangreiche Kunstinstallation abzubauen und braucht dafür ein Jahr. Ein Jahr, in dem er alleine und ohne auf einen anderen Menschen zu treffen im Museum lebt und am Abbau arbeitet. Begleitet wird er dabei nur von den Klängen übender Musikschülerinnen eines irgendwo im Haus untergebrachten Musikschulzimmers. Ein existenzialistisches Monodrama über Inspiration, Reflexion, Einsamkeit und Halluzination. Erfolg, Zweifel, Verletzung, Rausch, Ruhe und der unbändige Lebenswille eines alternden Künstlers, der sich beim Abbau seines Kunstwerkes näher kommt, als es ihm vielleicht recht ist.
Das Theater wird zum Museum. Odo steht mit seiner großen Retrospektive am Zenit seines künstlerischen Schaffens. Nach der überbordenden Rede einer Kunsthistorikerin werden die Gäste zum Verlassen der Museumsräume aufgerufen und nehmen Platz im Zuschauerraum. Die Anerkennung ist groß, doch schließen sich die Türen nach der Finissage, ist er alleine mit sich und seiner Arbeit. In unterschiedlichen emotionalen Zuständen beginnt er diese Arbeit abzubauen und es vergehen Tag um Tag, in denen er in absoluter Einsamkeit sein Lebenswerk abbaut. Als er sein Abbild in Form eines übergroßen Pappmachékopfes bearbeitet, ist er verwundert, dass dieser vollkommen hohl ist. Immer mehr gleitet er in Welten ab, die, ausgelöst durch Einzelstücke seiner Arbeit, Auslöser für Prozesse sind, die ihn in Bewegungen und Abläufe bringen. Bis er sich selbst bei dieser Arbeit begegnet. Bis zu Weihnachten ein Wolf vor der Türe steht. Bis ihn die Musik zum Tanzen bringt. Bis er im Sternenhimmel seinen Vater zu erkennen glaubt, und bis er ein Buch findet und beginnt, die Beispielsätze für Französischvokabeln auswendig zu lernen und bald Inhalt auf Umstand trifft. Geräusche, die vom Außen ins Innere dringen, schaffen Vorstellungen von den Umständen im Außen und als es heftig an der Türe klopft, öffnet er nicht. Irgendwann wird er sich fertig fühlen und aus dem Haus hinaustreten und sich in die Bewegungen der Außenwelt eingliedern, noch aber ist es nicht so weit. Die im Museum untergebrachte Musikschule liefert den Soundtrack zu seinem poetischen Selbsterfahrungstrip, der Abbauhilfe durch eine rote Vespa, einem fragwürdigen abgeschlossenen Raum und das Aufessen seiner Kunst, inklusive.

Mit:
MAXIMILIAN ACHATZ

Idee, Regie, Text, Video: ULRICH KAUFMANN

Kostüm & Objekte: MARKUS KUSCHER

Video, grafische Bildbearbeitung, Bühnenbilder: SIGRID FRIEDMANN

Tondesign und Videotechnik: KONRAD ÜBERBACHER

Lichtdesign: BERND ZADOW
Videoaufnahmen für Zuspielungen: ca. 4 Darsteller*innen

Tonaufnahmen für Zuspielungen: 3 bis 4 Musiker*innen 

Büro & Tickets: FRANZ DOLINER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER

Uraufführung
von Ulrich Kaufmann

eine Produktion des klagenfurter ensemble

Premiere: 9. Dezember 2026 - 20 Uhr
weitere Vorstellungen: 11.,12., 16., 17., 18., 19. Dezember - 20 Uhr
Spielort: theaterHALLE11, Messeplatz 1 / 11, Klagenfurt
Kartenreservierung: 0463 310 300 / ke@klagenfurterensemble.at

Maximilian Achatz in ODO (c) Kaufmann

Nach der Finissage seiner großen Retrospektive beginnt der bildende Künstler „Odo“ eigenhändig seine umfangreiche Kunstinstallation abzubauen und braucht dafür ein Jahr. Ein Jahr, in dem er alleine und ohne auf einen anderen Menschen zu treffen im Museum lebt und am Abbau arbeitet. Begleitet wird er dabei nur von den Klängen übender Musikschülerinnen eines irgendwo im Haus untergebrachten Musikschulzimmers. Ein existenzialistisches Monodrama über Inspiration, Reflexion, Einsamkeit und Halluzination. Erfolg, Zweifel, Verletzung, Rausch, Ruhe und der unbändige Lebenswille eines alternden Künstlers, der sich beim Abbau seines Kunstwerkes näher kommt, als es ihm vielleicht recht ist.
Das Theater wird zum Museum. Odo steht mit seiner großen Retrospektive am Zenit seines künstlerischen Schaffens. Nach der überbordenden Rede einer Kunsthistorikerin werden die Gäste zum Verlassen der Museumsräume aufgerufen und nehmen Platz im Zuschauerraum. Die Anerkennung ist groß, doch schließen sich die Türen nach der Finissage, ist er alleine mit sich und seiner Arbeit. In unterschiedlichen emotionalen Zuständen beginnt er diese Arbeit abzubauen und es vergehen Tag um Tag, in denen er in absoluter Einsamkeit sein Lebenswerk abbaut. Als er sein Abbild in Form eines übergroßen Pappmachékopfes bearbeitet, ist er verwundert, dass dieser vollkommen hohl ist. Immer mehr gleitet er in Welten ab, die, ausgelöst durch Einzelstücke seiner Arbeit, Auslöser für Prozesse sind, die ihn in Bewegungen und Abläufe bringen. Bis er sich selbst bei dieser Arbeit begegnet. Bis zu Weihnachten ein Wolf vor der Türe steht. Bis ihn die Musik zum Tanzen bringt. Bis er im Sternenhimmel seinen Vater zu erkennen glaubt, und bis er ein Buch findet und beginnt, die Beispielsätze für Französischvokabeln auswendig zu lernen und bald Inhalt auf Umstand trifft. Geräusche, die vom Außen ins Innere dringen, schaffen Vorstellungen von den Umständen im Außen und als es heftig an der Türe klopft, öffnet er nicht. Irgendwann wird er sich fertig fühlen und aus dem Haus hinaustreten und sich in die Bewegungen der Außenwelt eingliedern, noch aber ist es nicht so weit. Die im Museum untergebrachte Musikschule liefert den Soundtrack zu seinem poetischen Selbsterfahrungstrip, der Abbauhilfe durch eine rote Vespa, einem fragwürdigen abgeschlossenen Raum und das Aufessen seiner Kunst, inklusive.

Mit:
MAXIMILIAN ACHATZ

Idee, Regie, Text, Video: ULRICH KAUFMANN

Kostüm & Objekte: MARKUS KUSCHER

Video, grafische Bildbearbeitung, Bühnenbilder: SIGRID FRIEDMANN

Tondesign und Videotechnik: KONRAD ÜBERBACHER

Lichtdesign: BERND ZADOW
Videoaufnahmen für Zuspielungen: ca. 4 Darsteller*innen

Tonaufnahmen für Zuspielungen: 3 bis 4 Musiker*innen 

Büro & Tickets: FRANZ DOLINER
Produktionsleitung: SUSANNA BUCHACHER